El artista mallorquín lleva años construyendo uno de los imaginarios más personales y reconocibles del panorama artístico contemporáneo. Su obra, atravesada por máscaras, reflejos, refugios y superficies ambiguas, se mueve constantemente entre la fragilidad emocional, la ansiedad y la construcción de identidad, dando forma a un lenguaje visual que ha conseguido expandirse mucho más allá de la pintura.

En CC/magazine llevamos siguiendo y admirando su trabajo desde hace muchos años, prácticamente desde sus inicios. Lo que comenzó en las calles y en espacios periféricos alejados de los circuitos tradicionales del arte ha terminado expandiéndose hacia museos, ferias internacionales, instalaciones site-specific y algunos de los proyectos más interesantes del panorama contemporáneo actual. Sin embargo, más allá del reconocimiento institucional, hay algo en su obra que continúa manteniendo intacta la tensión emocional, la fragilidad y la urgencia de aquellos primeros años.

Su imaginario —atravesado por máscaras, reflejos, refugios, superficies ambiguas y figuras suspendidas entre lo infantil y lo inquietante— funciona como una especie de paisaje psicológico donde ansiedad, vulnerabilidad y construcción de identidad conviven constantemente. La pintura, la escultura y la instalación aparecen en su práctica no solo como lenguajes formales, sino como herramientas para construir espacios emocionales y cuestionar la manera en que habitamos un presente saturado de imágenes.

Recientemente conversamos con Grip Face sobre memoria, ansiedad, autoedición, fragilidad, pintura contemporánea y sobre esa necesidad casi visceral de seguir creando desde un lugar honesto y profundamente intuitivo.

“Sigo interesado en aquello que opera de manera subversiva.”

Aunque hoy su obra forma parte de museos, galerías y ferias internacionales, Grip Face sigue manteniendo una fuerte conexión con los márgenes y con aquellas prácticas desarrolladas fuera de las estructuras más legitimadoras del sistema artístico.

“Esa necesidad casi orgánica de crear como forma de supervivencia emocional” continúa siendo uno de los motores fundamentales de su práctica. El artista reconoce que haber llegado al arte desde espacios periféricos y no desde una formación académica tradicional ha condicionado profundamente su manera de mirar y construir imágenes.

“Me sigue interesando aquello que opera de manera subversiva, pero desde la sutileza, la fragilidad y el desplazamiento de la mirada”, explica.

Por eso, algunos de los proyectos que considera más honestos son precisamente aquellos realizados fuera de los circuitos convencionales del arte contemporáneo, como la intervención site-specific creada bajo una cantera ilegal o proyectos como «Not Rented to Humans».

“Son trabajos que me permiten sostener una práctica más honesta, donde la experiencia, el contexto y las historias que atravieso conservan todavía una dimensión viva y no domesticada”.

Esa tensión entre institucionalización y libertad atraviesa buena parte de su trayectoria. Aunque su obra ha evolucionado hacia formatos cada vez más complejos y sofisticados, sigue existiendo una voluntad muy clara de preservar cierta fragilidad e intuición dentro del proceso creativo.

Ansiedad, vulnerabilidad y fragilidad como lenguaje artístico

Uno de los aspectos más interesantes del universo visual de Grip Face es la manera en que conviven elementos aparentemente opuestos. Colores suaves, texturas delicadas y símbolos ligados a la infancia aparecen constantemente atravesados por una sensación latente de inquietud o amenaza.

“Sigo trabajando desde un lugar profundamente visceral, desde una fragilidad que percibo como íntima pero también colectiva.”

Lejos de ocultar esa dimensión emocional, el artista la sitúa en el centro de su práctica. “Sigo trabajando desde un lugar profundamente visceral, desde una fragilidad que percibo como íntima pero también colectiva”, afirma.

La ansiedad aparece en su discurso no solo como experiencia personal, sino como una condición compartida que atraviesa gran parte de nuestra generación.

Su trabajo nace, en gran medida, de una necesidad de comprender cómo ciertos estados emocionales pueden ir colonizando progresivamente el cuerpo y la mente: “En ese proceso, el arte siempre ha funcionado para mí como un mecanismo de resistencia, de protección y también de transformación”.

Grip Face entiende la vulnerabilidad como un espacio de conexión más que como un síntoma de debilidad. Esa sensibilidad atraviesa tanto sus pinturas como sus instalaciones y refugios escenográficos, donde el espectador suele quedar envuelto en atmósferas ambiguas y profundamente emocionales.

“Hoy siento que es más necesario que nunca hablar desde esa vulnerabilidad y esa honestidad emocional”, explica. “Vivimos un momento donde las formas de vincularnos están cada vez más fragmentadas”.

Pintura, obsesión y exceso visual contemporáneo

La complejidad técnica de sus pinturas es otro de los rasgos más reconocibles de su obra. Capas superpuestas, veladuras, aerógrafo, superficies intervenidas y procesos de ocultación constante construyen composiciones donde conviven múltiples niveles de lectura.

Grip Face reconoce abiertamente que esa manera de trabajar está profundamente vinculada a su personalidad obsesiva:“Convivo con un carácter profundamente obsesivo, y eso inevitablemente se filtra en mi manera de pintar”.

Sin embargo, más allá del virtuosismo técnico, existe también una reflexión sobre la saturación visual y sobre la dificultad de producir imágenes dentro de un contexto completamente hiperestimulado.

“Me interesa que mi pintura dialogue con mi contemporaneidad y con mi generación”, explica. “Mi verdadera obsesión reside en cómo articular plásticamente discursos inestables, líquidos y eclécticos, y conseguir que encuentren cierta forma de equilibrio”.

La pintura funciona para él como un espacio capaz de absorber contradicciones sin necesidad de resolverlas del todo: “Creo que la pintura, precisamente por su capacidad de absorción y fricción, permite sostener esa complejidad”.

Máscaras, espejos y refugios emocionales

Dentro del imaginario de Grip Face existen ciertos símbolos recurrentes que han terminado construyendo un lenguaje visual completamente reconocible. Las máscaras, el cabello, los disfraces o los espejos aparecen constantemente en sus pinturas, esculturas e instalaciones.

Muchos de estos elementos nacen directamente del miedo y de la necesidad de construir estructuras simbólicas de protección.

“La máscara y el disfraz funcionan como mecanismos de mediación entre el individuo y el entorno”, explica. “Surgen desde un proceso profundamente introspectivo ligado a la ansiedad”.

En sus obras, estos elementos funcionan simultáneamente como refugio y como forma de negociación con aquello que resulta emocionalmente invasivo.

El espejo, por otro lado, parte de una experiencia mucho más íntima y personal relacionada con su propia fobia al reflejo. Sin embargo, con el tiempo, ese símbolo ha adquirido también una dimensión política y social mucho más amplia: “Me interesa el espejo como símbolo de una sociedad atrapada en la autoobservación permanente”.

La construcción contemporánea de la identidad, la exposición constante y las dinámicas de validación social aparecen aquí convertidas en parte esencial de su discurso artístico.

“La máscara y el disfraz funcionan como mecanismos de mediación entre el individuo y el entorno.”

“Utopía del lodo y sashimi de bruma” en la Fundació Miró Mallorca

Uno de los proyectos más ambiciosos de los últimos años fue «Utopía del lodo y sashimi de bruma», la instalación presentada en la Fundació Miró Mallorca.

La exposición planteaba una reflexión crítica sobre la posición ambigua de Europa frente a los conflictos bélicos contemporáneos a través de una instalación compuesta por doce columpios suspendidos y doce máscaras colocadas de espaldas al espectador.

“Me interesaba esa idea del poder como una estructura cada vez más fragmentada, incapaz de sostener una relación real con sus ciudadanos”, explica.

La instalación combinaba una fuerte dimensión escenográfica con una lectura política profundamente simbólica.

El montaje, desarrollado durante casi un año de trabajo, transformaba el Espai Cubic en una especie de paisaje psicológico donde lo lúdico y lo inquietante convivían constantemente: “Me interesaba utilizar un símbolo asociado a la infancia para hablar de la fragilidad de la infancia dentro de los contextos bélicos”.

La relación entre refugio y exposición aparece nuevamente aquí como uno de los grandes ejes conceptuales de su trabajo.

La construcción del shelter como espacio psicológico

La idea del refugio ocupa un lugar central dentro del universo de Grip Face. Tanto en proyectos expositivos como en instalaciones realizadas en Taipei o en espacios como La Bibi, el shelter aparece constantemente como una arquitectura emocional.

“La idea del refugio nace directamente de la infancia”, explica el artista.

Durante aquellos años, recuerda construir pequeñas estructuras domésticas, tipis y espacios improvisados donde aislarse de ciertas tensiones emocionales percibidas en su entorno.

Con el tiempo, esa necesidad terminó trasladándose de manera natural a su práctica artística: “Me interesa construir escenarios intimistas donde el espectador pueda sentirse contenido y conectar con la atmósfera desde una experiencia más sensorial y afectiva”.

Más allá de las piezas individuales, Grip Face entiende el espacio expositivo como un ecosistema emocional donde todos los elementos deben dialogar entre sí: “Lo que realmente me interesa es construir narrativas espaciales”.

Arte, libertad y espacios de confianza

A lo largo de la conversación, aparece constantemente una idea: la necesidad de preservar espacios de libertad creativa.

Por eso, Grip Face mantiene una relación especialmente cercana con lugares y proyectos independientes como La Bibi, donde encuentra una autonomía difícil de sostener dentro de otros contextos más institucionalizados: “Con el tiempo he entendido que solo puedo desarrollar mi trabajo de forma honesta en espacios donde exista una confianza absoluta en el proceso creativo”.

El artista reconoce que gran parte de su práctica nace precisamente de la necesidad de no domesticar determinadas tensiones conceptuales o emocionales: “Valoro profundamente poder trabajar desde la confianza y la libertad, sin necesidad de filtrar determinadas ideas”.

“Convivo con un carácter profundamente obsesivo, y eso inevitablemente se filtra en mi manera de pintar.”

La cantera subterránea y el deseo de intervenir espacios extremos

Entre sus intervenciones más impactantes destaca la pieza creada en una cantera subterránea ilegal, uno de esos proyectos donde la arquitectura parece absorber completamente la obra.

La intervención surgió después de descubrir el espacio junto a un amigo: “Recuerdo quedarme completamente impactado y sentir de inmediato la necesidad de intervenirlo”.

El proyecto se desarrolló sin permisos institucionales y desde una lógica profundamente intuitiva: “Son ese tipo de proyectos realizados al margen de las estructuras institucionales los que más honestos siento dentro de mi práctica”.

La experiencia terminó derivando en una ficción construida alrededor de la figura del disfraz: un ser que decide refugiarse bajo tierra porque el exterior se ha vuelto demasiado hostil.

Esa mezcla entre arquitectura, narrativa y emoción aparece constantemente dentro de su trabajo.

Imagen contemporánea, hiperconectividad y saturación visual

Gran parte de las preocupaciones actuales de Grip Face giran alrededor de nuestra relación contemporánea con la imagen: “Una de mis principales preocupaciones es cómo seguir produciendo imágenes dentro de un contexto completamente saturado de ellas”.

El artista reflexiona sobre cómo la imagen ha dejado de funcionar únicamente como representación para convertirse en una estructura activa de mediación de la realidad: “Habitamos un ecosistema visual de consumo acelerado donde la sobreexposición constante afecta nuestra forma de percibir y construir identidad”.

Fenómenos como la polarización o la radicalización contemporánea aparecen directamente vinculados a esa economía visual hiperintensificada.

Autoedición, libros y resistencia física

En un contexto dominado por lo digital y por el consumo inmediato de imágenes, Grip Face sigue manteniendo una fuerte conexión con el formato editorial y la autoedición.

Actualmente trabaja en un nuevo libro que recopila aproximadamente diez años de trayectoria: “Sigo sintiéndome muy vinculado a la autoedición, no solo como formato de difusión, sino como espacio de libertad y construcción de comunidad”.

Este nuevo volumen reunirá pintura, dibujo, instalaciones y proyectos escenográficos, funcionando probablemente como la publicación más representativa de su práctica hasta la fecha: “De alguna manera, refleja esa condición ecléctica y expandida que siempre ha atravesado mi trabajo”.

“Me preocupa cómo seguir produciendo imágenes dentro de un contexto completamente saturado de ellas.”

Un universo todavía en expansión

Después de tantos años desarrollando un imaginario visual tan reconocible, Grip Face sigue buscando situaciones capaces de generar tensión, incertidumbre y adrenalina: “Sigo profundamente interesado en desarrollar proyectos escenográficos en espacios complejos o difíciles de intervenir”.

Esa búsqueda permanente de equilibrio entre fragilidad, ansiedad, belleza y conflicto continúa siendo el núcleo de una práctica artística que no deja de expandirse.

Actualmente, el artista trabaja en la publicación de su próximo libro y en varios proyectos internacionales, entre ellos una futura exposición en Es Baluard Museu d’Art Contemporani de Palma y un proyecto de arte público en Taipei.

Su universo visual sigue creciendo, pero mantiene intacta la misma necesidad emocional de los primeros años: construir imágenes capaces de funcionar simultáneamente como refugio, herida y espejo de nuestra contemporaneidad.

(*) Fotografías proporcionadas por Grip Face Studio.

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