José Fiol nació en Mallorca en 1978 y estudió en el Centro de Estudios Fotográficos de Palma. Ha realizado exposiciones individuales en la Galeria Fran Reus (Palma), la galería que le representa, y CC Felanitx (Mallorca), y sus obras han sido exhibidas en exposiciones colectivas en Worcester (Reino Unido), Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani (Palma) o Casal Solleric (Palma).

También ha participado en ferias de arte como ARCO Madrid, ARCO Lisboa (Portugal), Estampa Feria de Arte Contemporáneo (Madrid) y The Manchester Contemporary (Reino Unido). Fue artista en residencia en el White Box Art Center (Pekín) durante 2018.

Como podréis comprobar por las imágenes, el arte de Fiol se basa esencialmente en reelaborar imágenes fotográficas encontradas y las historias que las acompañan. Aunque los motivos representados suelen ser fácilmente reconocibles, hay una cierta complejidad a lo largo de toda su obra. Asimismo, al descontextualizar y alterar el material original, Fiol investiga los procesos de creación de significado y nuestra relación con la realidad.

Entrevista a José Fiol

¿En qué momento tu pasión por el arte se convirtió en tu profesión?

En mi caso viene de lejos y paulatinamente, con sucesos que van ocurriendo y aunque no son definitivos van sumando, aportando información y haciéndote ver que ésa es la única opción.

¿Cómo te gusta definirte?

Principalmente como pintor, también como economizador de imágenes en un mundo en el que se multiplican constantemente y en el que reciclarlas y reincorporarlas para investigar sus orígenes y especular sobre su destino me parece fundamental.

Para ello utilizo los elementos formales y conceptuales propios de la pintura, pero no busco un lenguaje pictórico. En ocasiones es más importante el concepto que la obra en sí.

“En ocasiones es más importante el concepto que la obra en sí.”

¿Cuáles son tus principales influencias artísticas?

En cuanto a  influencias pictóricas y nombrándolos un poco de lo general a lo particular, podrían ser Gerhard Richter, Luc Tuymans, Michael Börremans, Neo Rauch y la nueva escuela de Leipzig, Mamma Anderson, Dexter Dalwood, Johannes Kahrs, Eberhard Havekost, Sandra Gamarra, Nolan Simon, Louise Giovanelli, Joseph Yaeger, Alexis Ralaivao…

Igualmente, son influencias importantes la literatura de William Burroughs, de Walter Benjamin,  de Didi Huberman, de Agustín Fernández Mallo, el Atlas Mnemosyne de Aby Warburg, el cine de Hitchcock, de Éric Rohmer, de ciencia ficción, las canciones de Antonia Font, el mundo del tenis, la cotidianidad…

Tus obras parten de imágenes fotográficas encontradas que se convierten en pinturas y cuyas historias parecen brotar en cuanto te enfrentas a ellas. ¿Cuándo y cómo llegaste a esta particular forma de representar tu arte?

Siempre me ha interesado la pintura, cuando digo pintura me refiero a la plástica pura, a lo visible, pero paralelamente, me ha interesado por igual la parte procesual, lo que ha pasado antes de producirse esa pintura.

Por ello, durante años, he estado investigando infinidad de obras de pintores buscando toda la información posible para cada una de esas obras, a veces encuentro dicha información en los textos o hojas de sala que acompañan las exposiciones (las cuales colecciono), a veces en notas de prensa, en entrevistas a los artistas, en catálogos, etc.

Esto hace que, desde siempre, a la hora de enfrentarme a una nueva pintura, necesite de un material previo que configure un proyecto y a partir de ese proyecto empiezo a pintar.

¿De dónde procede todo el material que inspiran tus lienzos?

En ocasiones son imágenes que aparecen al investigar sobre un hecho histórico, un suceso, etc. y en ocasiones son imágenes buscadas que me sirven para representar un hecho histórico o suceso que tengo previamente definido. En cualquier caso, la procedencia suele ser el cine, libros, internet, etc.

Lo importante es que no hago distinciones si la procedencia es de la realidad o de la ficción ya que lo contemplo como un todo.

“Todas las imágenes tienen una forma de recorrer el tiempo y el espacio, una forma de llegar a nosotros.”

Todas las imágenes, tengan la procedencia que tengan, tienen un recorrido, un pasado, un futuro, una forma de recorrer el tiempo y el espacio, una forma de llegar a nosotros, y para mí eso es lo más importante, ya que cuánto más sepamos sobre eso, más posibilidades tendremos para reconfigurarlas o reelaborarlas.

¿Qué puedes contarnos sobre tu proceso creativo?

Se podría decir que es un todo conformado por varias partes que se conectan. Me explico, una parte corresponde a mis intereses con respecto a la historia, a la historia del arte, del cine, la literatura, la música, etc. Otra parte corresponde a mi pasado, a la relación personal que he podido tenido con lo mencionado anteriormente y otra parte corresponde a lo cotidiano, a lo que estoy haciendo, viviendo o viendo en la actualidad.

Cuando varios de estos elementos se conectan y adquieren un sentido, al menos para mí, conforman un proyecto. Y cuando tengo un proyecto empiezo con la investigación, la búsqueda, etc.

Es un proceso que en algunos casos puede durar años. Cuando todo está definido, empieza el proceso de formalización pictórica que será la parte mayormente visible de todo este trabajo previo.

¿Cuál es el propósito de tu obra?

En términos concretos busco reelaborar hechos históricos a partir de las imágenes preexistentes y de la significación que tienen para mí dichas imágenes, a partir de proyectos y utilizando las herramientas formales y conceptuales de la pintura.

“Busco reelaborar una parte de la historia, a partir de hechos históricos concretos, y siempre desde mi punto de vista.”

Últimamente me estoy dando cuenta de que en dichos proyectos hay elementos o patrones que se repiten, lo cual, me hace pensar que, en términos genéricos, busco reelaborar una parte de la historia, a partir de hechos históricos concretos y siempre desde mi forma de ver o entender dicha historia.

Si hablásemos en términos cinematográficos, sería algo así como mi forma de interpretar la serie B o la cara B de la historia.

Tu trabajo artístico ha sido galardonado con múltiples premios. ¿Qué valor tienen para ti estos reconocimientos públicos?

Los valoro mucho, ya no sólo por la parte económica que conllevan, que es importante, sino por el reconocimiento que supone que el jurado, miembros destacados del sector cultural, valoren tu trabajo tanto como para premiarlo, siendo además, la mayoría de veces un único premio al que optan muchos participantes.

También reconforta hasta el punto de pensar que tu trabajo progresa en la dirección adecuada.

¿Qué opinas de la escena artística balear?

Es una escena muy rica e interesante, con grandes artistas y con grandes trabajadores del sector cultural.

Por una parte tenemos las galerías que llevan más tiempo, que tienen una gran trayectoria, histórica en algunos casos,  y otras que se han abierto más recientemente y que juntas forman la asociación Art Palma Contemporani.

Desde esta asociación, presidida por Fran Reus, se organizan varios eventos a lo largo del año, además de trabajar con el objetivo de potenciar la vida cultural de la ciudad de Palma.

Por otra parte tenemos un conjunto de galerías muy importantes a nivel internacional que recientemente han abierto sede en algunas de las islas pero que de momento trabajan de una forma más individual que colectiva.

Además tenemos varios centro de arte públicos, de entre los que destacaría el Casal Solleric y El Museu es Baluard a los que recientemente se han incorporado como directores Fernando Gómez de la Cuesta y David Barro respectivamente. Dos grandes profesionales que con su trabajo y el de la asociación de galerías crearán sinergias para elevar la escena artística balear a un nivel aún mayor.

¿Esta va a ser tu primera vez en CAN Art? ¿qué puedes adelantarnos de tu participación?

Sí, va a ser mi primera vez en CAN Art y voy a participar con un proyecto muy especial.

Es un proyecto que conecta mi obsesión por el cine de Éric Rohmer, el término MacGuffin acuñado por Alfred Hitchcock, la búsqueda y descontextualización dentro de un fotograma cinematográfico y las tensiones que se producen entre el cine y la pintura.

Además, es especial porque a diferencia de otros proyectos, en que las pinturas son el resultado final, en éste las pinturas son el penúltimo paso, ya que el proyecto finaliza con un ensayo del escritor Agustín Fernández Mallo creado ex profeso a partir de dichas pinturas. Este ensayo es, a la vez, la conclusión de este proyecto y el posible inicio de otro y estará presente en la feria.

¿Qué tipo de proyectos estás desarrollando en estos momentos?

Más o menos sigo trabajando en la línea de lo mencionado anteriormente, proyectos que conectan varios elementos o historias y que conforman un todo. Son proyectos que se expondrán en 2025.

¿Cuál es tu opinión con respecto a la IA? ¿la utilizas?

Si te refieres al uso artístico que se hace de ella, no sé mucho sobre el tema ya que no la he utilizado nunca, no obstante, sé que se pueden conformar imágenes y textos a partir de tus indicaciones. No es algo que a mí me interese particularmente ya que mi opinión es que todo este material creado carecerá de alma y eso creará barreras a la hora de que este trabajo pueda conectar con otras personas.

Además, pienso que lo que ahora puede ser una herramienta sin más, a largo plazo, para futuras generaciones, se puede convertir en un problema ya que puede anular, en cierto modo, la creatividad de las personas.

Actualmente estoy viendo la serie «Fallout», que va del ser humano en un mundo postapocalíptico y más allá de la trama o de los personajes, lo que me resulta realmente interesante son ciertos elementos que nos remiten al retrofuturo, es decir, a esa añoranza del pasado que muestra la influencia de las representaciones de un futuro imaginado producidas en una época anterior.

Considero estos elementos cruciales para que la serie conecte con personas de mi generación y de generaciones anteriores, éste es, bajo mi punto de vista, un ejemplo de algo que la IA no puede hacer. Otra cosa es si hablamos de aplicar la IA a, por ejemplo, la medicina.

Un sueño

Sueño con vivir y pintar hasta los 140 años gracias a los avances resultantes de aplicación de la IA a la medicina.

Entradas para CAN Contemporary Art Now ya a la venta.

(*) Imágenes proporcionadas por José Fiol.

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