En esta entrevista exploramos su proceso creativo, sus influencias y el futuro de industrialkonzept. Pasen y lean.

¿Qué despertó tu pasión por el diseño y la arquitectura? ¿Qué influencias clave moldearon tu perspectiva creativa?

Mi pasión por el diseño y la arquitectura nació de mi fascinación temprana por la cultura de las zapatillas y el streetwear. Desde joven, coleccionar sneakers y seguir marcas como Supreme me hizo entender que el diseño no es solo estética, sino una poderosa herramienta para contar historias e influir en la cultura. Con el tiempo, mi curiosidad evolucionó: pasé de enfocarme en lo que vestía a reflexionar sobre los espacios que me rodeaban y cómo podían transmitir identidad e intención. Fue en ese momento cuando di mi primer gran paso hacia el mundo del diseño y la arquitectura.

“Mi pasión por el diseño y la arquitectura nació de mi fascinación temprana por la cultura de las zapatillas y el streetwear.”

Viajar, especialmente por Escandinavia, amplió aún más mi perspectiva. Descubrir cómo el minimalismo, los materiales en bruto y la funcionalidad se combinan para crear espacios armoniosos me hizo consciente del impacto del diseño en la vida cotidiana. Mi inspiración proviene de una fusión de grandes diseñadores, arquitectos visionarios y creativos del mundo de la moda, pero también de mis propias experiencias: los lugares que he explorado, los objetos que me han marcado y la forma en que la cultura y el diseño siguen entrelazándose en un diálogo constante.

¿Qué elementos del diseño y la arquitectura resuenan más contigo y cómo influyen en tu trabajo?

Me atraen especialmente los materiales en bruto, el minimalismo y la honestidad estructural en el diseño y la arquitectura. Me fascina el brutalismo, el hormigón, el metal y los elementos industriales: materiales que, aunque sin pulir, tienen una presencia intencional y poderosa. Su crudeza cuenta una historia: cómo envejecen, cómo reflejan la luz y cómo interactúan con el espacio, creando una conexión auténtica entre forma y función.

Estos principios definen mi enfoque al diseñar y seleccionar piezas. Busco objetos, edificios y muebles que destaquen por su materialidad, donde la estructura hable por sí misma sin necesidad de adornos superfluos. Me interesa cómo el diseño puede ser, al mismo tiempo, atemporal y contemporáneo, logrando un equilibrio entre simplicidad y carácter, donde cada material exprese su esencia de manera honesta y sin artificios.

¿Qué te llevó a crear industrialkonzept? ¿Cómo encarna tu filosofía de diseño y enfoque creativo?

La creación de industrialkonzept nació de mi espíritu emprendedor y de mi pasión por el diseño, la arquitectura, la moda y la cultura. Mientras trabajaba en marketing, noté una ausencia en el panorama del diseño: no existía una plataforma enfocada en la estética industrial y en bruto que tanto me inspiraba, a pesar de una clara demanda. Quise llenar ese vacío con un proyecto que no solo siguiera tendencias, sino que también generara conversaciones significativas sobre el diseño y su impacto.

industrialkonzept es la manifestación de mi filosofía: una celebración de la honestidad material, la reducción a lo esencial y la relevancia cultural. Más que una selección de piezas, es una curaduría de objetos, espacios e ideas con carácter, donde la crudeza se vuelve intencional y el diseño se experimenta en su forma más pura.

¿Hay algún proyecto o colaboración que tenga un significado especial para ti? ¿Qué lo hace destacar?

Cada proyecto y colaboración que realizamos tiene un significado profundo para mí; si no lo tuviera, simplemente no sucedería. Solo me involucro en aquello que aporta un valor real, ya sea por una conexión personal, una pasión que me ha acompañado durante años o una oportunidad inesperada que resuena con mi visión.

Entre las colaboraciones más especiales destaca nuestra asociación con Gufram. He admirado la marca desde joven, mucho antes de comprender completamente su legado y su impacto en el mundo del diseño. Recuerdo vívidamente mi primera visita al Salone del Mobile en Milán, cuando vi su colaboración con Daniel Arsham. Fue un momento revelador, uno de esos instantes en los que te das cuenta del poder del diseño para desafiar lo convencional.

En aquel entonces, nunca imaginé que algún día trabajaría con Gufram a través de mi propia empresa. Ahora, colaborar con una marca que alguna vez me inspiró no solo es un honor, sino la prueba de cómo la pasión y la visión pueden transformar lo que alguna vez fue un sueño en una realidad tangible.

¿Cómo sigues empujando los límites creativos y asegurando que tu trabajo siga evolucionando?

No busco ampliar los límites creativos de manera forzada; sucede de forma orgánica a través de la curiosidad, el cuestionamiento constante y la incomodidad con lo establecido. Para mí, la creatividad es un proceso de exploración continua, nutrido por viajes, conversaciones y el descubrimiento de ideas en disciplinas como la moda, la arquitectura y el arte contemporáneo.

La inspiración está en todas partes, y mantener una mente abierta es clave para evolucionar. No se trata de seguir reglas predefinidas ni de perseguir tendencias efímeras, sino de afinar una perspectiva, absorber nuevas influencias y permanecer conectado con la cultura en constante cambio. La verdadera innovación surge cuando el diseño se convierte en un reflejo auténtico del mundo que nos rodea.

¿Cómo defines tu papel como curador de diseño y arquitectura en industrialkonzept? ¿Qué criterios sigues al seleccionar los objetos, espacios o lugares que forman parte de tus proyectos?

No tengo una definición rígida de mi papel como curador; más bien, ha evolucionado de manera natural a través de mi instinto por el diseño. Siempre he tenido un fuerte sentido estético, y la curaduría es la forma en que lo expreso. Me atraen los materiales en bruto—acero, aluminio, superficies sin tratar—porque poseen una belleza honesta, sin artificios. Prefiero los objetos y espacios que no buscan la perfección, sino que conservan una presencia minimalista e intencional, donde la esencia del material habla por sí misma.

“A la hora de seleccionar piezas, espacios o lugares, me guío por tres principios: minimalismo, autenticidad material y exclusividad.”

A la hora de seleccionar piezas, espacios o lugares, me guío por tres principios: minimalismo, autenticidad material y exclusividad. Me interesan las piezas raras no por su rareza en sí, sino porque poseen un carácter único, algo que las hace destacar sin necesidad de excesos.

Para mí, el buen diseño trasciende lo estético; se trata de longevidad, de cómo un objeto interactúa con el espacio y evoluciona con el tiempo.

Mi perspectiva está profundamente influenciada por la moda, mi primera gran pasión, y esa sensibilidad se extiende naturalmente a la arquitectura, el arte contemporáneo y la artesanía. Todo está interconectado, y eso es lo que busco transmitir con industrialkonzept: una visión curada que integre estos elementos en una narrativa coherente y con significado.

¿Cuáles son tus principales influencias?

Mis influencias provienen de múltiples disciplinas, pero la moda ha sido un pilar fundamental en mi forma de entender el diseño. Virgil Abloh y Rick Owens han marcado especialmente mi perspectiva. Virgil no solo redefinió la estética, sino que cambió la forma en que el diseño dialoga con la cultura y la sociedad, algo que ha moldeado profundamente mi enfoque. Rick Owens, en cambio, representa una visión inquebrantable: su dominio de los materiales y las formas tiene una cualidad casi arquitectónica que resuena con mi propia sensibilidad.

Más allá de la moda, el legado de Dieter Rams ha tenido un impacto enorme en mi manera de pensar. Su capacidad para destilar los objetos hasta su esencia más pura y funcional es un principio que aplico en todo lo que hago.

La arquitectura escandinava y japonesa también ha dejado una huella indeleble en mí. Recuerdo un largo viaje en solitario por Escandinavia, y mirando hacia atrás, no creo que sea casualidad que poco después naciera industrialkonzept. La forma en que la arquitectura nórdica se integra con la naturaleza, la honestidad de los materiales y la atención meticulosa a los detalles siguen influyendo en mi visión. Del mismo modo, el trabajo de Tadao Ando encarna un minimalismo refinado que valoro profundamente: su dominio del hormigón, la luz y el vacío transmite una serenidad y una precisión únicas.

Sin embargo, no veo la influencia como algo estático. Intento mantenerme receptivo a todo lo que me rodea: arquitectura, objetos cotidianos, conversaciones fortuitas. Para mí, el diseño no es una idea fija, sino un proceso en constante evolución, nutrido por cada nueva experiencia.

En un mundo donde el diseño y la arquitectura están cada vez más influenciados por la tecnología y la sostenibilidad, ¿cómo equilibras estas tendencias con un enfoque estético y funcional?

La tecnología y la sostenibilidad son elementos esenciales del diseño contemporáneo, pero más que tendencias aisladas, los veo como componentes que deben integrarse de forma orgánica en cada proceso creativo. Me fascina la evolución de los materiales, la aparición de nuevos métodos de producción y cómo la sostenibilidad impulsa soluciones más inteligentes y responsables. Sin embargo, creo firmemente que ni la funcionalidad ni la sostenibilidad deben restringir la expresión estética. El buen diseño radica en el equilibrio: en la capacidad de fusionar estos aspectos de manera intencional y auténtica, sin que parezcan imposiciones forzadas.

A menudo hago referencia a Dieter Rams y su principio de «la forma sigue a la función», pero también valoro los objetos cuyo propósito es puramente artístico o cultural. No todo tiene que ser estrictamente funcional para tener significado. En mi trabajo de curaduría, busco generar un diálogo entre funcionalidad, estética y sostenibilidad. Algunas piezas son crudas e industriales, otras experimentales o poco convencionales, pero juntas crean una narrativa coherente que refleja estas múltiples capas.

“También valoro los objetos cuyo propósito es puramente artístico o cultural”

Para mí, el diseño es encontrar armonía en los contrastes: innovar sin perder la esencia, respetar la necesidad de avance sin dejar de apreciar la belleza de la imperfección y la honestidad de los materiales. Es en esa tensión entre lo industrial y lo artesanal, lo tecnológico y lo tradicional, donde surge una visión verdaderamente relevante.

¿Podrías compartir un proyecto reciente que te haya impactado especialmente? ¿Qué elementos lo hicieron único?

Uno de los proyectos más impactantes para mí fue nuestro primer evento físico durante la Semana de la Moda de Berlín. Fue la primera vez que llevamos nuestra visión más allá del mundo digital y la materializamos en una experiencia tangible. Ver cómo las personas interactuaban en persona con nuestro trabajo fue completamente diferente a cualquier otra forma de conexión que habíamos experimentado antes. Más allá de los números en una pantalla, recibir comentarios directos de arquitectos, diseñadores y líderes de la industria—personas que han dado forma al mundo del diseño—fue increíblemente significativo. Cuando alguien se para frente a ti y te dice por qué se identifica con tu visión, todo cobra una nueva dimensión.

El evento fue una fusión entre galería y espacio social, un entorno inmersivo donde los asistentes podían experimentar de cerca las piezas que representamos, conectar con artistas y formar parte de algo más que una simple exhibición. Presentamos un portafolio curado con algunas de las colaboraciones y diseños más innovadores, incluyendo la icónica unión entre Gufram y Daniel Arsham, un banco de Vittorio Valigi x Swedish Girls, piezas de Jacob Egeberg, entre muchas otras. La presencia de los propios diseñadores y artistas elevó la experiencia, permitiendo interacciones directas que transformaron la exhibición en un diálogo vivo entre creadores y espectadores.

La respuesta de Berlín fue increíble, y este evento reafirmó algo fundamental para mí: estamos construyendo algo con verdadero significado, algo que no solo existe en el diseño, sino que resuena y genera conversaciones en la cultura. Fue un recordatorio de por qué hacemos lo que hacemos.

Selecciona tres objetos, tres marcas, tres artistas/diseñadores/arquitectos y tres espacios/edificios que hayan tenido un impacto especial en ti o sean esenciales para tu visión creativa.

Si tuviera que elegir tres objetos que representen mi visión del diseño, comenzaría con la lámpara de hormigón de Le Corbusier, creada en la década de 1950 para la Unité d’Habitation en Marsella. Es una pieza icónica que encapsula perfectamente mi gusto: cruda, minimalista y profundamente ligada a la arquitectura. Su materialidad honesta y su funcionalidad esencial la convierten en un objeto atemporal.

El segundo sería la silla Ghost de Cini Boeri para Fiam. Me fascina cómo logra equilibrar simplicidad, materialidad y forma escultórica. Su estructura de vidrio curvado es a la vez liviana y contundente, una demostración de cómo la transparencia y la forma pueden fusionarse en un diseño audaz pero elegante.

El tercero es el Wandanlage de Dieter Rams, en particular la versión reinterpretada por Virgil Abloh. Diseñado originalmente en los años 60 como un sistema de sonido modular para Braun, Virgil lo llevó a una nueva dimensión, conectando pasado y presente con su visión única. Esta pieza representa mucho de lo que valoro en el diseño: funcionalidad atemporal, fuerte presencia visual y un concepto que trasciende épocas.

En cuanto a marcas, destacaría Vitra, Herman Miller y USM Haller. Cada una posee una identidad única, pero comparten un compromiso con la longevidad, la calidad y la relevancia cultural en el diseño. No solo crean objetos, sino que construyen un legado.

Entre mis influencias en arquitectura y diseño, Dieter Rams, Tadao Ando y Pierre Paulin han moldeado mi perspectiva de manera significativa.

Paulin, en particular, revolucionó la relación entre forma y comodidad. Su sofá Dune no es solo un asiento, es un paisaje en sí mismo, redefiniendo la manera en que se habita un espacio.

En términos de arquitectura, elegiría tres espacios que encapsulan la estética cruda pero intencional que tanto me atrae: la Antivilla de Arno Brandlhuber, la Casa Alférez de Ludwig Godefroy y la icónica Sheats Goldstein Residence de John Lautner. Estos edificios destacan por su relación con la materialidad, la estructura y el entorno, creando atmósferas que se sienten simultáneamente atemporales y vanguardistas. Son espacios que no solo se habitan, sino que cuentan una historia a través de su diseño.

Según tu experiencia, ¿qué historias o emociones buscas transmitir a través de los espacios o piezas que curas? ¿Crees que el diseño puede transformar la forma en que percibimos el mundo?

Sin duda, el diseño transforma la manera en que percibimos el mundo; de hecho, ya lo hace constantemente. Todo a nuestro alrededor ha sido diseñado de alguna forma, desde las calles que recorremos hasta los objetos con los que interactuamos a diario. Nuestra vida está moldeada por el diseño, nos demos cuenta o no. Sin él, el mundo sería un lugar desprovisto de intención, funcionalidad e inspiración.

Pero el diseño va mucho más allá de la estética. Define cómo experimentamos el espacio, cómo funcionan las cosas y cómo nos relacionamos con nuestro entorno. Un buen diseño no solo embellece; optimiza, provoca emociones y da forma a la cultura de maneras que trascienden lo visual.

“Un buen diseño no solo embellece; optimiza, provoca emociones y da forma a la cultura de maneras que trascienden lo visual.”

A través de mi trabajo—ya sea curando piezas, construyendo una empresa o desarrollando nuevos proyectos—busco crear conexiones auténticas con los materiales y las formas. Quiero que las personas no solo vean el diseño, sino que lo experimenten: que sientan la textura de un material en su estado más puro, que noten los detalles y que interactúen con los objetos de una manera que despierte emoción. Algunas piezas cumplen un propósito funcional, otras existen simplemente para ser contempladas, pero todas aportan a una visión más amplia.

Para mí, el diseño no es solo una colección de productos o espacios; es una actitud, una forma de entender la cultura y de redefinir la manera en que nos relacionamos con el mundo que nos rodea.

¿Qué papel juegan las redes sociales en tu proyecto?

Las redes sociales han sido la columna vertebral de nuestro proyecto desde el primer día. Hace algunos años, ya tenía una profunda pasión por el diseño, pero me di cuenta de lo difícil que era interactuar con él de una manera verdaderamente significativa. A diferencia de la moda, que contaba con comunidades digitales sólidas como Basement Approved o su equivalente alemán, Verband Botanischer Gärten, el mundo del diseño carecía de un espacio dedicado donde los entusiastas pudieran conectarse, descubrir contenido curado y explorar referencias culturales bajo una visión coherente.

Si te interesaba el diseño, podías comprar piezas excepcionales, pero no existía una plataforma que reuniera de manera consistente objetos, ideas y cultura en un solo lugar. El panorama estaba fragmentado: por un lado, demasiado masivo y comercial, y por otro, enfocado en una generación mayor. Muchas empresas establecidas no detectaban este vacío porque nunca habían experimentado el poder de las comunidades digitales como lo han hecho las generaciones más jóvenes.

Por eso, las redes sociales son esenciales; no solo nos permiten difundir el diseño, sino llevarlo a un espacio donde las personas pueden interactuar con él a diario. Son una herramienta para descubrir nuevas perspectivas, dar visibilidad a diseñadores independientes y crear un diálogo en torno al diseño. No se trata solo de exhibir productos o espacios, sino de generar una conversación que lo haga más accesible sin perder profundidad.

“Las RR.SS han sido la columna vertebral de nuestro proyecto desde el primer día.”

Ver cómo las personas responden a los materiales, las formas y los conceptos que compartimos es una prueba de que el diseño no es algo meramente visual, sino una experiencia que despierta emociones, provoca reflexiones y moldea nuestra manera de ver el mundo.

¿Cuáles son tus planes futuros para industrialkonzept?

El futuro de industrialkonzept es seguir evolucionando de forma orgánica, manteniendo siempre la esencia que nos ha definido desde el inicio. He logrado lo que me propuse en un principio: formar parte activa de la cultura del diseño de una manera relevante y vanguardista. Ahora, el objetivo es llevar esta visión aún más lejos.

Queremos ampliar nuestro impacto colaborando con más artistas y diseñadores, ofreciéndoles una plataforma para explorar nuevas ideas y trabajar junto a marcas icónicas que compartan nuestra filosofía. Los eventos físicos jugarán un papel aún más importante en esta evolución. El siguiente gran paso es establecer un espacio permanente, pero no una tienda tradicional, sino un lugar donde la gente pueda experimentar el diseño de manera inmersiva, interactiva y sensorial, alejándose del concepto puramente comercial.

Otra prioridad es expandir nuestro equipo. Actualmente contamos con editores de redes sociales, creadores de contenido y PR, pero queremos construir una estructura más especializada que nos permita seguir innovando y ampliando nuestro alcance.

A nivel internacional, visualizo industrialkonzept consolidando una presencia más fuerte, tanto digital como físicamente. Tokio y Seúl ya son mercados clave para nosotros, y tener un espacio en esas ciudades nos permitiría conectar más profundamente con sus comunidades creativas. Lo mismo ocurre con Nueva York, un punto de referencia global para el diseño y la cultura.

“El siguiente gran paso es establecer un espacio permanente.”

Sin embargo, el próximo gran hito será en Berlín. Estamos trabajando en un espacio dedicado en la ciudad, y es algo que sucederá en un futuro cercano. Será un lugar donde el diseño, la arquitectura, el arte y la cultura converjan, creando una experiencia que refleje todo lo que representa industrialkonzept.

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(*) Fotografías proporcionadas por Johannes Stumpf, creador de industrialkonzept.

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