València Design Fest 2026: una ciudad que crea
Durante tres días, el València Design Fest 2026 nos abrió las puertas al universo de Jaime Hayon, la mirada de Andrea Savall, la artesanía contemporánea polaca y el arte que habita el Palacio Valeriola. Un recorrido por distintas disciplinas que nos permitió conocer más de cerca la escena creativa de València.
Hay algo especialmente estimulante en conocer una ciudad a través de quienes crean en ella: entrar en sus estudios, descubrir los espacios que han recuperado y escuchar qué les interesa, qué conservan y qué quieren transformar. La semana pasada volvimos a València, con la colaboración de Visit València, para conocer parte de su festival de diseño, y nos encontramos con una programación que nos hizo detenernos tanto en los objetos como en las personas y los conocimientos que hay detrás.
Organizado por la Fundació del Disseny de la Comunitat Valenciana, el festival celebra su cuarta edición con más de sesenta actividades y Polonia como país invitado. Entre exposiciones, visitas y encuentros, nuestra estancia nos permitió acercarnos a distintas maneras de entender el diseño.
Jaime Hayon, Yonoh y CuldeSac: donde empiezan las ideas
Comenzamos en el estudio del artista y diseñador Jaime Hayon, cuya base creativa está en València. Su trabajo reúne arte, diseño y artesanía en un universo que se extiende por objetos, mobiliario e interiores, y que ha conservado una identidad reconocible a lo largo de una trayectoria internacional. Allí nos acercamos al contexto desde el que desarrolla su obra, conectando la ciudad con proyectos de todo el mundo.
En Yonoh, fundado por Clara del Portillo y Álex Selma, descubrimos cómo conviven la funcionalidad, el cuidado del detalle y un lenguaje propio en sus diseños de mobiliario, iluminación y objetos. Nos interesó especialmente cómo adaptan su trabajo a distintos fabricantes sin perder su identidad, siempre atentos al uso de cada pieza y a su relación con la vida cotidiana. Visitar su estudio nos permitió conocer más de cerca esa manera de entender el diseño.
En CuldeSac nos reunimos con el equipo en su nueva sede, todavía en obras. Fue sorprendente y estimulante descubrir cómo abordan sus proyectos en un espacio que también estaba tomando forma. Su punto de partida es siempre el negocio del cliente: comprender qué necesita y cómo el diseño puede contribuir a sus objetivos. Desde esa perspectiva, conectan estrategia de marca, espacios y experiencias que van más allá de la estética para responder a necesidades concretas. Una filosofía que sitúa el diseño como una herramienta clave para el negocio y que han desarrollado en proyectos para firmas como TOUS, HOFF o WOW Concept.
Gnomo y el diseño que se vive en la ciudad
Nuestra parada en Gnomo, la tienda fundada por Esther Martín y Álvaro Zarzuela en Ruzafa, nos acercó a una forma de entender el diseño desde el humor, la originalidad y el placer de descubrir objetos con historia. Su selección de ilustración, decoración y regalos tiene una personalidad reconocible: piezas que sorprenden y aportan un toque inesperado a lo cotidiano.
El espacio, diseñado por Masquespacio, acompaña ese espíritu con guiños a los años ochenta, acentos de azul y verde y expositores flexibles que permiten reinventar la tienda al ritmo de sus hallazgos.
La relación con el entorno urbano continuó en «Diseño, ciudad y design policy», en el Colegio Territorial de Arquitectos de València, con Reyes Pe, Nuria Matarredona, Felix Kosok y Kike Correcher. La conversación abordó cómo se vinculan el diseño y las políticas públicas, un asunto que afecta a la manera en que se planifican los espacios, se incorporan conocimientos profesionales y se sostiene una comunidad creativa.
Centro de Arte Hortensia Herrero: patrimonio y la fuerza de Kiefer
El Centro de Arte Hortensia Herrero fue una de las visitas que reunió nuestro interés por el arte y la arquitectura. Su sede, el Palacio Valeriola, es un edificio barroco del siglo XVII rehabilitado por ERRE Arquitectura durante cinco años. Abierto en 2023, conserva elementos patrimoniales e incorpora los restos del circo romano encontrados durante las obras, visitables en el subsuelo.
La intervención conecta el palacio con el volumen situado hacia la calle de San Cristóbal a través del patio ajardinado. Esa organización permite descubrir las distintas alturas del conjunto y acercarse a una colección que reúne artistas como Andreas Gursky o Anish Kapoor, además de intervenciones concebidas para el centro por Cristina Iglesias, Olafur Eliasson y Mat Collishaw.
A ello se suma su primera exposición temporal, dedicada a Anselm Kiefer, que ocupa seis galerías y reúne once obras. La escala de las piezas y la intensidad de sus superficies invitan a detenerse en una pintura donde los materiales participan del relato, entre referencias a la historia, el paisaje, la literatura y la mitología.
La muestra puede visitarse hasta el 25 de octubre de 2026 y merece la pena reservar tiempo para acercarse a su universo.
Entre visita y visita, compartimos un almuerzo con Cristina Salavert, Communication Manager de Andreu World en el restaurante Ma Khin, en el Mercado de Colón. Una oportunidad para conversar sobre diseño y sostenibilidad con una firma valenciana que ha hecho de esa relación una de sus principales señas de identidad.
«Que no es miga» by Andrea Savall: las mujeres que sostienen un legado
En el Museo Nacional de Cerámica y Artes Suntuarias González Martí, «Que no es muiga», de Andrea Savall, nos acercó a una memoria que se ha conservado gracias a las mujeres.
Integrada en Tiempo + Materia, el programa comisariado por Estudio Savage junto a la Fundació del Disseny, la exposición reúne bordados y piezas originales de encaje de bolillos con fotografías de las mujeres que mantienen vivos estos oficios. Savall las retrata con estilismos contemporáneos y también en sus entornos cotidianos, dando presencia a sus rostros, sus manos y sus maneras de estar juntas.
El proyecto parte de recuerdos familiares y enlaza con las costureras de Alcoy y la Associació de Bolilleres i Artesanes del Fil de Oliva. Alrededor de la costura se transmitieron técnicas, remedios, historias y maneras de entender el mundo; reunirse también permitió a las mujeres compartir inquietudes, aprender unas de otras y disponer de un espacio propio. Ese tiempo compartido forma parte del legado que la exposición invita a reconocer.
Nos emocionó encontrar una mirada como la de Andrea, capaz de prestar atención a estas mujeres y dar a su trabajo el reconocimiento que merece dentro de la cultura y el arte.
Al reunir las piezas con los retratos de sus autoras, la muestra permite apreciar la destreza, la sensibilidad y los años de práctica que hay detrás de cada una, además del valor de una actividad colectiva que crea vínculos y sostiene una comunidad.
El deseo que expresa el título, «que no se muera», cobra sentido en esas mujeres que siguen reuniéndose, creando y enseñando. Conocer sus historias nos invita a valorar lo que han recibido y lo que aportan, y a cuidar las condiciones que permiten que ese conocimiento continúe pasando de unas manos a otras. La muestra permanecerá abierta hasta el 31 de octubre.
Tiempo + Materia: contar el oficio
¿Cómo transmitir lo que ocurre en un taller y despertar el interés de quienes nunca han entrado en él? Esa pregunta atravesó la conversación «La artesanía como imagen», celebrada dentro de «Otras formas de permanecer», la cuarta edición de Tiempo + Materia. Participaron Liam Aldous, escritor, comisario y director creativo, fundador de ColourFeel; Nacho Errando, director de cine y publicidad; y Rafa Tomás, productor musical y diseñador de sonido al frente de Farmode. Los tres han colaborado con Loewe.
Escuchar sus distintas perspectivas sobre la comunicación, los procesos creativos y las fuentes de inspiración nos acercó a una cuestión que nos interesa especialmente: cómo la imagen y el sonido pueden transmitir el conocimiento, la sensibilidad y el tiempo que encierra un oficio. Observar las manos trabajando, escuchar el contacto con un material o seguir la transformación de una pieza permite descubrir detalles que el objeto terminado no siempre revela.
Un encuadre, el ritmo de una secuencia o un sonido pueden dirigir nuestra atención hacia un gesto que, de otro modo, pasaría inadvertido. Ahí reside también el valor de comunicar la artesanía: hacer visible lo que hay detrás de cada pieza y despertar la curiosidad por conocerlo. Las redes amplían el alcance de esas historias y pueden convertirse en una primera puerta de entrada al oficio, especialmente para quienes descubren en ellas nuevos referentes e ideas.
El entorno, el Campus Turia de la Universidad Europea de Valencia ocupa el impresionante antiguo Asilo de San Juan Bautista, rehabilitado por Ramón Esteve, también captó nuestra atención. Y es que la belleza del edificio y la recuperación de su arquitectura histórica hicieron de este espacio un marco especialmente inspirador.
Pasaje 94 y la artesanía contemporánea polaca
Pasaje 94 fue otro de los lugares que nos alegró descubrir. En la calle dels Trinitaris, Camila Chiodi y María Vigliocco han recuperado un local que permaneció cerrado durante veinticinco años para reunir su estudio de arquitectura, una cafetería y un espacio expositivo. Nos gustó especialmente esa voluntad de abrir el lugar de trabajo a la ciudad y permitir que el diseño forme parte de una visita cotidiana.
Allí vimos la exposición «Crafting Reality: en busca de hábitats alternativos», comisariada por Alicja Gluszek, que nos acercó a la artesanía contemporánea de Polonia. La muestra reúne cerámica, vidrio, textil, madera, metal, papel y bordado, con propuestas que investigan las posibilidades de los materiales y la vigencia de los conocimientos heredados.
Sus tres capítulos, «Somos Tierra», «Somos Raíces» y «Somos Camino», relacionan la procedencia de la materia, la actualización de las técnicas tradicionales y la experimentación. Nos interesó cómo esas cuestiones se concretan en procedimientos singulares: Agnieszka Bar utiliza estructuras de mimbre tejidas a mano para dar forma al vidrio fundido, mientras Maciej Gasienica Giewont trabaja con madera verde y permite que sus nudos, grietas y transformaciones intervengan en las piezas.
Conocer estos procesos invita a mirar los objetos con mayor atención, a imaginar el tiempo dedicado a resolverlos y a reconocer cuánto saber reúne cada decisión. La exposición ofrece una oportunidad para descubrir autores y prácticas, y para pensar en la relación que mantenemos con los materiales de los que nos rodeamos. Podrá visitarse hasta el 30 de octubre.
El IVAM: una colección para mirar de nuevo
En el IVAM visitamos «La Colección del IVAM hasta hoy», una oportunidad para descubrir la riqueza de sus fondos y recorrer algunas de las grandes transformaciones del arte moderno y contemporáneo. La muestra reúne obras de más de 260 artistas, entre ellos Marcel Duchamp, Man Ray, Joan Miró, María Blanchard, László Moholy-Nagy y Cindy Sherman, y pone en diálogo figuras fundamentales con autores menos conocidos que amplían nuestra mirada sobre la historia del arte.
Su interés reside también en las conexiones que propone: permite seguir la evolución de los lenguajes artísticos y explorar cómo el arte aborda las identidades, los conflictos, las ecologías o el color. Una invitación a reencontrarse con referentes conocidos y descubrir otras voces, mientras el museo revisa su propia colección y las ausencias que han marcado su construcción. El diseño museográfico de Smart & Green Design, desarrollado con criterios de ecodiseño, acompaña este recorrido, que podrá visitarse hasta el 23 de abril de 2028.
Volvimos de València con nuevos lugares a los que regresar y con ganas de seguir conociendo a quienes dan forma a su vida creativa. Todavía quedan exposiciones, encuentros y muchas ocasiones para descubrir la ciudad a través del diseño gracias al València Design Fest, así que os animamos a consultar la programación, elegir aquello que os despierte curiosidad y acercaros a vivirlo.
(*) Fotos: portada y expo «Que no es miga» by Andrea Savall; Jaime Hayon by Giovanni Riccò; CraftingReality by Alka Murat szybkie; Centro Hortensia Herrero by Pedro Pegenaute; expo permanente IVAM by Javier de Paz; Campus Turia de la Universidad Europea de Valencia by Ramón Esteve.
