La edición 2026 de 3daysofdesign confirmó que el diseño contemporáneo atraviesa un momento especialmente estimulante. Más allá de las grandes instalaciones y experiencias inmersivas que transformaron Copenhague durante tres días, el festival volvió a convertirse en el escenario elegido por algunas de las marcas más influyentes del sector para presentar sus novedades, explorar nuevos materiales y compartir su visión del futuro.

Impulsadas por el lema «Make This Moment Matter», muchas de las propuestas presentadas este año pusieron el foco en cuestiones tan relevantes como la circularidad, la longevidad de los productos, la artesanía contemporánea, el bienestar emocional y la creación de objetos capaces de generar vínculos más significativos con quienes los utilizan.

Desde mobiliario y textiles hasta iluminación, accesorios y soluciones para nuevos modos de habitar y trabajar, las novedades de esta edición mostraron un diseño cada vez más consciente, sensible y conectado con las necesidades reales de las personas. Un diseño que apuesta por la calidad frente a la inmediatez y que entiende la innovación no solo como una cuestión tecnológica, sino también cultural y social.

Continuamos nuestro recorrido por 3daysofdesign 2026 con una nueva selección de colecciones, lanzamientos y colaboraciones que destacaron entre las numerosas propuestas presentadas en Copenhague.

BOMMA: una nube de luz imposible de olvidar

Entre todas las instalaciones que pudimos descubrir durante 3daysofdesign 2026, Fragments of Light de BOMMA fue, sin duda, una de las más impactantes y memorables. Ubicada en el histórico Court Theatre de Copenhague, recientemente reabierto tras cinco años de restauración, la intervención transformó el espacio en un escenario casi onírico compuesto por 272 luminarias creadas a partir de fragmentos de cristal reciclados procedentes de anteriores procesos de producción de la firma checa. Suspendidos en el aire como una inmensa nube de luz, las lámparas de vidrio generaban una atmósfera hipnótica que dialogaba con la arquitectura del teatro, la danza y la cuidada escenografía creada para la ocasión.

Más allá de su espectacular belleza visual, la instalación demostró cómo la sostenibilidad, la artesanía y la innovación pueden converger en una experiencia capaz de emocionar profundamente al visitante.

THIS IS NOT A FOREST: repensar el valor de la madera

En el Danish Architecture Center (DAC), el estudio Archival presentó This is Not a Forest, una muestra desarrollada junto a Dinesen Lab que exploraba el recorrido de la madera desde el bosque hasta su aplicación en arquitectura y diseño. A través de una serie de estructuras construidas con restos de producción, piezas de mobiliario y diferentes recursos sensoriales, la muestra invitaba a hacer preguntas sobre el aprovechamiento de los materiales y las posibilidades que ofrece la reutilización dentro de los procesos constructivos.

La instalación abordaba cuestiones relacionadas con la circularidad, el uso responsable de los recursos y la capacidad de la arquitectura para generar nuevas lecturas sobre materiales que habitualmente quedan fuera de los acabados finales.

NOBODINOZ: diseño para crecer, jugar y compartir

La firma barcelonesa Nobodinoz presentó una visión del diseño alejada de lo efímero y concebida para acompañar a las familias a lo largo del tiempo. A través de una cuidada selección de mobiliario, textiles y accesorios, la marca mostró cómo la funcionalidad, la sostenibilidad y la sensibilidad estética pueden convivir en espacios pensados tanto para niños como para adultos. Su universo creativo, caracterizado por materiales naturales, colores suaves y una producción europea responsable, reivindica un diseño capaz de crecer junto a quienes lo habitan.

Esta exposición sirvió también para hacer hincapié en la que manera en la que Nobodinoz entiende el hogar, donde la belleza, la calidad y la durabilidad forman parte de la vida diaria desde los primeros años.

DURAT & HARRI KOSKINEN: dar una segunda vida a los materiales

La sostenibilidad también estuvo presente a través de proyectos que demostraban cómo el diseño puede maximizar el valor de los recursos existentes. Uno de ellos fue Palapeli, la estantería diseñada por Harri Koskinen para Durat y fabricada íntegramente con un material compuesto que incorpora un 30% de plástico reciclado. Su estructura modular, cuyo nombre significa “rompecabezas” en finés, permite crear composiciones monocromáticas o combinar distintos colores a partir de recortes sobrantes del propio proceso de producción.

El proyecto destacó por su capacidad para transformar residuos en objetos duraderos y funcionales, reflejando una aproximación al diseño donde la eficiencia material y la circularidad forman parte del proceso creativo desde el origen.

SANCAL & PAPER COLLECTIVE: diseño para conectar

En el marco de Tactile Living, la exposición organizada junto a Paper Collective, Sancal presentó algunas de sus novedades más recientes, entre ellas la butaca Palma de Marc Morro, las desenfadadas Twins de Júlia Esqué y el acogedor sofá Mimoso de Note (design studio), integrados en los distintos ambientes de la muestra.

La gran protagonista fue, sin embargo, Gradas, la primera colaboración de la firma con el estudio holandés UNS, una pieza concebida para fomentar el encuentro, la conversación y la interacción entre las personas. La experiencia se completó con una intervención en directo de la artista Lolita Pellegrino, que aportó una dimensión creativa y espontánea a una exposición donde diseño, arte y comunidad compartían un mismo espacio.

DESIGN BY THEM: el diseño australiano mira hacia Europa

La firma australiana Design By Them regresó a Copenhague para presentar una selección de novedades que reflejan la diversidad y vitalidad del diseño contemporáneo australiano. La exposición reunió nuevas colecciones firmadas por Adam Goodrum, Trent Jansen, Marcel Sigel, Gibson Karlo y Tom Fereday, junto a algunas de las piezas más reconocidas del catálogo de la marca, consolidando una visión del diseño basada en la funcionalidad, la personalidad y una estrecha relación con los materiales.

Entre los lanzamientos destacaron la silla Field de Adam Goodrum, de líneas contenidas y carácter amable; la colección escultórica Megafauna de Trent Jansen, inspirada en los paisajes y narrativas del imaginario australiano; los volúmenes geométricos de Marcel Modules, diseñados por Marcel Sigel; y las nuevas propuestas de Gibson Karlo y Tom Fereday, que exploraban la expresividad del metal, la tapicería y el aluminio desde enfoques muy diferentes.

DEORON: diseño, música y comunidad en Paper Island

La plataforma curatorial Deoron desembarcó por primera vez en 3daysofdesign con una propuesta que combinó diseño, sonido y cultura contemporánea en un gran espacio industrial situado en Paper Island.

Más de treinta diseñadores, marcas y estudios independientes internacionales compartieron escenario en una exposición que reunía mobiliario, iluminación, objetos para el hogar, tecnología y propuestas lifestyle bajo una mirada abierta y multidisciplinar.

La experiencia estuvo marcada por la presencia constante de la música. Un sistema de sonido escultórico articulaba sesiones de escucha, actuaciones y encuentros informales que transformaban el espacio en un lugar concebido para la conversación y el intercambio de ideas.

Con una atmósfera relajada y una cuidada selección de participantes, Deoron aportó una visión fresca del diseño contemporáneo, entendiéndolo no solo como una cuestión de objetos, sino también como una herramienta para crear comunidad y generar nuevas conexiones.

ROYAL DANISH ACADEMY: el diseño como puente entre culturas y generaciones

La Royal Danish Academy presentó Here & Now, una exposición que exploró cómo el diseño es capaz de conectar épocas, geografías y tradiciones aparentemente distantes. La muestra reunió una selección de piezas contemporáneas desarrolladas a partir de referencias históricas, muchas de ellas surgidas de la colaboración que desde hace siete años mantiene la institución con un fabricante de mobiliario egipcio.

El resultado fue un diálogo entre formas antiguas y sensibilidades actuales que demostraron cómo el diseño puede reinterpretar el pasado para responder a las necesidades del presente.

Asimismo, la exposición reflejó la filosofía educativa de la academia danesa, donde la investigación, la experimentación material y la colaboración forman parte esencial del proceso de aprendizaje. De ahí que más que centrarse únicamente en los objetos finales, Here & Now puso el foco en los intercambios culturales, el conocimiento compartido y la capacidad del diseño para generar nuevas formas de entendimiento entre personas, contextos y generaciones.

HJEMSTAVN: la cocina como corazón del hogar

La firma danesa Hjemstavn abrió las puertas de su showroom en el centro de Copenhague para presentar una cuidada exploración de la cocina entendida como el núcleo de la vida doméstica. La exposición reunió cinco colecciones diferentes junto a superficies en piedra natural y acero, mostrando una aproximación donde la artesanía, la calidad de los materiales y la atención al detalle ocupaban un lugar central.

Cada serie propuso una interpretación distinta del espacio culinario, y nos permitió descubrir cómo Hjemstavn combina influencias contemporáneas con una profunda conexión con la tradición danesa, creando interiores que buscan transmitir calidez, permanencia y una relación más sensorial con los materiales.

KILZI & BAR AMORE: flores, diseño y encuentros compartidos

En el acogedor ambiente de Bar Amore, el diseñador Jorge Suárez Kilzi presentó una instalación que utilizaba las flores como símbolo universal de conexión, belleza y cercanía. Bajo el título Flowers Unite Us!, la muestra reunió una serie de lámparas escultóricas realizadas artesanalmente en fibra de vidrio y fibras textiles, inspiradas en formas florales y concebidas como diferentes interpretaciones de la presencia de las flores en el entorno doméstico.

Suspendidas, apoyadas sobre mesas o integradas en distintas composiciones, las piezas crearon una atmósfera cálida y poética que invitaba a detenerse y disfrutar del espacio.

Entre cenas, cócteles y música cuidadosamente seleccionada, la instalación propuso una experiencia relajada y cercana, recordando cómo los objetos, los espacios y los pequeños gestos cotidianos pueden convertirse en herramientas para generar encuentros y fortalecer vínculos entre las personas.

FREDERICIA: diseño danés entre legado e innovación

Fredericia volvió a demostrar durante 3daysofdesign por qué sigue siendo una de las referencias imprescindibles del diseño escandinavo. En su showroom de Copenhague, la firma presentó una cuidada selección de novedades y reediciones que pusieron en diálogo su extraordinario legado con nuevas perspectivas contemporáneas.

La exposición reunió piezas de algunos de los nombres más influyentes de su catálogo histórico, junto a nuevas colaboraciones que exploran la evolución del mobiliario danés desde una mirada actual, siempre bajo los valores de calidad, artesanía y longevidad que definen a la marca desde hace más de un siglo.

La instalación exploró la capacidad del buen diseño para trascender el tiempo y adaptarse a nuevas formas de habitar. Materiales nobles, detalles constructivos impecables y una elegancia serena protagonizaban una puesta en escena que transmitía el compromiso de Fredericia con la calidad, la durabilidad y la excelencia artesanal. Un enfoque que reafirmaba la vigencia del diseño danés más auténtico y su capacidad para seguir inspirando en un contexto internacional cada vez más diverso.

UKURANT: el laboratorio donde se ensaya el futuro del diseño

Ukurant volvió a consolidarse como una de las plataformas más estimulantes para descubrir nuevas voces del diseño contemporáneo durante 3daysofdesign 2026. Bajo el título Ukurant Makes Room, la exposición reunió en Fabrikken for Art & Design a 26 diseñadores internacionales seleccionados por su capacidad para cuestionar los procesos convencionales de producción, experimentar con materiales y explorar nuevas formas de creación.

La exposición permitía asomarse a los mecanismos que dan forma al diseño contemporáneo, poniendo en valor la investigación, la experimentación y el aprendizaje como elementos fundamentales del proceso creativo.

La cuidada selección de proyectos reflejó a su vez la diversidad de enfoques que está definiendo a la nueva generación de creadores, mientras que la propia escenografía —desarrollada con plataformas reutilizadas y grandes estructuras de papel— reforzó el compromiso de Ukurant con una práctica más consciente y experimental.

RAAWII & SOWDEN: nuevas perspectivas para la iluminación contemporánea

El showroom de raawii en Copenhague acogió durante la semana del diseño una presentación dedicada a la evolución de la colección de iluminación Sowden, un universo creativo que combina innovación tecnológica y exploración formal.

La exposición reunió tres nuevas lámparas presentadas previamente durante Milano Design Week 2026, desarrolladas por George Sowden junto a dos reconocidas figuras del diseño internacional: Michele De Lucchi y Pierre Charpin. Cada propuesta ofreció una interpretación distinta de una misma plataforma tecnológica, demostrando cómo un sistema compartido puede dar lugar a lenguajes estéticos, atmósferas y experiencias completamente diferentes.

Junto a estas novedades, la muestra incluyó una cuidada selección de piezas ya existentes de la colección Sowden, estableciendo un interesante diálogo entre pasado y presente.

La colaboración con raawii reforzó además la afinidad entre ambas firmas, unidas por una visión del diseño donde la funcionalidad, el color y la personalidad de los objetos conviven de forma natural. Una exposición que permitió descubrir cómo la iluminación puede convertirse en una herramienta de expresión creativa capaz de transformar la percepción del espacio.

A-POC ABLE ISSEY MIYAKE & ATELIER OÏ: cuando la moda se transforma en luz

A-Poc Able Issey Miyake debutó en 3daysofdesign con una de las propuestas más singulares del festival, trasladando su innovadora investigación textil al ámbito de la iluminación. Presentada en Gallery 2112, la exposición mostró la segunda evolución de la colección portátil O Series, desarrollada junto al estudio suizo atelier oï y el fabricante japonés Ambientec. El proyecto parte de una idea tan simple como sofisticada: combinar “una pieza de tela” y “una pieza de alambre” para crear luminarias ligeras, versátiles y profundamente ligadas al universo creativo de Issey Miyake.

La colección exploró el potencial del tejido más allá de la moda mediante el uso de la tecnología Steam Stretch, una técnica desarrollada por la firma japonesa que permite generar superficies tridimensionales plisadas a partir del calor.

Para esta nueva edición, las pantallas incorporaron tonalidades inspiradas en la madera y la piedra, reinterpretando texturas naturales a través de la luz y el textil.

Las piezas funcionaban tanto como lámparas como objetos escultóricos, demostrando cómo la experimentación con materiales, procesos y disciplinas puede abrir nuevas posibilidades para el diseño contemporáneo.

TEKLA: la belleza de los objetos que acompañan la vida

En Charlottenborg, una de las instituciones culturales más emblemáticas de Copenhague, Tekla presentó The Heart of Living, una delicada exposición dedicada a la tradición de los quilts o colchas de patchwork, reinterpretados desde una mirada contemporánea. Inspirándose en el diseño sueco del siglo XX y en una selección de colores extraídos de su propio archivo, la firma danesa exploró cómo los textiles domésticos pueden convertirse en portadores de memoria, identidad y bienestar cotidiano.

Las piezas se exhibieron en tradicionales camas-cabina escandinavas, estructuras de madera utilizadas hasta el siglo XIX, creando una atmósfera íntima que reforzaba la idea del hogar como refugio. Junto a ellas, Tekla mostró su colección de bordados broderie anglaise, estableciendo un diálogo entre herencia artesanal y diseño contemporáneo. Con una puesta en escena sobria y profundamente emocional, la marca volvió a reivindicar aquello que ha definido su filosofía desde sus inicios: crear objetos pensados para ser vividos, utilizados y apreciados durante generaciones.

MATIAS MØLLENBACH: la belleza de lo imperfecto

El diseñador danés Matias Møllenbach presentó una exposición que reflejaba con claridad su particular aproximación al diseño, donde la artesanía, la materialidad y la experimentación ocupan un papel central.

Conocido por trabajar en la frontera entre el mobiliario, la escultura y el objeto funcional, Møllenbach mostró una selección de piezas caracterizadas por sus formas orgánicas, superficies táctiles y una estética que abraza las imperfecciones inherentes a los procesos manuales. Cada creación parecía celebrar el diálogo entre el diseñador y los materiales, revelando huellas, texturas y detalles que hacen visible el proceso de fabricación.

HOMO FABER FELLOWSHIP: cuando la tradición inspira el futuro de la artesanía

Por primera vez en su historia, Homo Faber Fellowship participó en 3daysofdesign con la exposición Today’s Masters Meet Tomorrow’s Talents, una muestra que reunió los resultados de uno de los programas de formación artesanal más prestigiosos del mundo. Presentada en la galería Bianca D’Alessandro, la exposición mostró 22 piezas creadas conjuntamente por maestros artesanos y jóvenes talentos procedentes de cuatro continentes, fruto de seis meses de colaboración en talleres de toda Europa. Cerámica, vidrio, ebanistería, orfebrería, textiles, encuadernación o escultura en papel convivían en una colección de objetos que celebraba la transmisión de conocimientos, el diálogo intercultural y la vigencia de los oficios tradicionales en el siglo XXI.

La iniciativa puso en valor el proceso creativo compartido entre generaciones, disciplinas y culturas diferentes. Cada objeto reflejó una investigación en torno a la luz, la belleza y la excelencia artesanal, demostrando cómo la innovación puede surgir del encuentro entre experiencia y nuevas perspectivas.

LE KLINT: la tradición del plegado llevada a una nueva expresión

Le Klint aprovechó 3daysofdesign para presentar una nueva colección de luminarias firmada por la diseñadora danesa Marianne Nielsen, reafirmando la capacidad de la histórica firma para seguir evolucionando sin perder de vista su legado artesanal. Las nuevas piezas reinterpretan el característico lenguaje de pliegues que ha definido a la marca durante décadas, combinando precisión técnica, ligereza visual y una marcada sensibilidad escultórica.

Las luminarias destacaron por sus formas orgánicas y su cuidada construcción, donde la luz se convierte en una herramienta capaz de modelar el espacio y generar atmósferas serenas. Fiel a la filosofía de Le Klint, la colección demostrócómo la innovación puede surgir del respeto por los oficios, actualizando una tradición profundamente vinculada al diseño danés contemporáneo.

FRITZ HANSEN: cuando el diseño también se escucha

Fritz Hansen presentó Sound Club, una instalación inmersiva que exploró la relación entre sonido, mobiliario, iluminación y experiencia espacial.

Distribuida entre diferentes ambientes de su flagship store de Copenhague, la propuesta invitó a descubrir cómo el sonido influye en nuestra percepción de los espacios y en la forma en que interactuamos con los objetos que los habitan.

La experiencia incluyó zonas de escucha desarrolladas junto a la firma japonesa Technics, sesiones musicales en directo y la presentación de un vinilo creado especialmente para la ocasión, convirtiendo la escucha en una experiencia tanto colectiva como individual.

La instalación sirvió además como escenario para presentar las novedades de Fritz Hansen para otoño de 2026, entre ellas una nueva incorporación a la familia de lámparas KAISER idell™, una actualización de Cecilie Manz, una ampliación de la colección N02™ Recycle diseñada por nendo y una nueva interpretación de la icónica Superellipse™.

Coincidiendo con el 90 aniversario de la lámpara KAISER idell™ 6631-T Luxus, la firma lanzó también una edición especial en color burdeos desarrollada junto a Technics, estableciendo un sugerente diálogo entre luz, sonido y diseño atemporal.

AMARESH ANAND DESIGNS x MAGARI: la memoria arquitectónica convertida en mobiliario

La colaboración entre Amaresh Anand Designs y la firma india Magari llevó a 3daysofdesign una sofisticada reinterpretación de la artesanía y la herencia arquitectónica de la India. A través de una serie de mesas escultóricas, la exposición exploróla relación entre pasado y presente tomando como referencia las columnas monumentales de los templos de Hampi y la riqueza cromática de las tradicionales lacas de Channapatna. El resultado fue una colección donde la geometría, el ritmo y la materialidad se transformaban en objetos de gran presencia visual y profunda carga cultural.

Las propuestas reunidas en esta segunda parte de nuestro especial confirman la extraordinaria diversidad que definió 3daysofdesign 2026. Desde nuevas colecciones y lanzamientos hasta instalaciones experimentales, colaboraciones interdisciplinarias y reflexiones sobre los materiales, el festival volvió a demostrar que el diseño contemporáneo es mucho más que una cuestión de forma o función.

A lo largo de estas dos entregas hemos recorrido algunas de las inspiraciones, espacios, colecciones y experiencias más destacadas de esta edición, descubriendo cómo marcas, diseñadores, instituciones y creadores de todo el mundo están explorando nuevas maneras de responder a los desafíos actuales. La sostenibilidad, la artesanía, la innovación tecnológica, la circularidad y la dimensión emocional de los objetos aparecieron como algunos de los grandes temas que marcaron la agenda internacional del diseño en 2026.

Si algo nos deja 3daysofdesign 2026 es la certeza de que el mejor diseño no solo responde a las necesidades del presente, sino que también es capaz de generar nuevas conversaciones, construir conexiones significativas e imaginar futuros más conscientes. Una vez más, Copenhague reafirmó su posición como uno de los grandes laboratorios internacionales de creatividad, un lugar donde las ideas se transforman en experiencias y donde el diseño sigue demostrando su capacidad para inspirar nuevas formas de vivir, crear y relacionarnos.

¡Hasta el año que viene!

(*) Fotos proporcionadas por las marcas. Fotos de Bomma: Ulehla. Foto de DAC: Hampus Berndtson. Foto de Royal Danish: Nana Reimers. Fotos de Secolo + Tableau de Adam Katz y Enok Holsegard.

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