En esta conversación con el estudio, exploramos qué significa trabajar bajo la definición de «prácticas visuales transfronterizas», una expresión que eligieron tras dedicar tiempo a pensar cómo describir su trabajo. Además de reflejar su libertad para moverse entre disciplinas, esas palabras recogen una manera de abordar cada proyecto: adentrarse en culturas y contextos que van conociendo a medida que trabajan, conscientes de que esa comprensión siempre será parcial.

Desde Stuttgart, Adrian Riemann, Fabian Schewe, Marian Rupp y Marcel Mendler, que fundaron el estudio en 2019, desarrollan libros, identidades visuales, exposiciones, instalaciones y proyectos de investigación. Entre sus colaboradores figuran el Pabellón Alemán de la Bienal de Venecia, ZKM Karlsruhe, Kunsthalle Baden-Baden, Thonet y editoriales como Distanz, Hatje Cantz o Spector Books. Esa diversidad les permite abordar encargos de distintas escalas y con necesidades muy diferentes, y explorar la relación entre diseño y cultura desde múltiples perspectivas.

A lo largo de la conversación, el equipo vuelve con frecuencia a las condiciones que hacen posible su trabajo: contar con interlocutores dispuestos a escuchar, encontrar argumentos para defender una propuesta, incorporar los conocimientos de otras personas o dedicar tiempo a investigar juntos. Al hablar de tipografía, cuestionan que exista una única versión legítima de su historia; cuando les preguntamos por el ámbito cultural, matizan la idea de que trabajar en él garantice relaciones más horizontales.

Sus respuestas invitan a prestar atención a lo que ocurre antes de que una pieza se publique o se exponga: las conversaciones en las que se toman decisiones y se revisan ideas que, al principio, parecían claras.

Definís Matter Of como un estudio de «prácticas visuales transfronterizas». ¿Qué significa para vosotros cruzar fronteras hoy, en términos geográficos, culturales y creativos?

Antes de nada, muchas gracias por invitarnos a esta entrevista. Es una pregunta muy interesante.

Hace unos años dedicamos bastante tiempo a pensar cómo describir nuestro trabajo, hasta que dimos con esa expresión. Buscábamos un término más preciso y más propio que «transdisciplinar», una etiqueta que se utiliza muchísimo. Aunque todos nos formamos en artes visuales y medios, nuestro trabajo siempre ha ido más allá de esas disciplinas. Hemos explorado, por ejemplo, el diseño de espacios y la investigación teórica, que nos permite cuestionar y revisar continuamente nuestra manera de trabajar.

La expresión también recoge nuestra forma de acercarnos a culturas y contextos que nunca podemos conocer del todo antes de empezar a trabajar. Sabemos que nuestra comprensión será siempre parcial. Por eso, abordamos cada proyecto como una investigación: es durante el proceso cuando empezamos a entender el contexto en el que estamos interviniendo.

Vuestro trabajo pasa con naturalidad de los libros a las identidades visuales, las exposiciones, las instalaciones y la escritura. ¿Cómo decidís qué forma debe adoptar un proyecto?

En los encargos, el formato suele estar definido en el briefing del cliente. Por eso, para nosotros es importante trabajar con clientes diversos, que nos permitan desarrollar proyectos muy distintos. En las iniciativas propias tenemos más libertad para explorar aquello que nos interesa o nos entusiasma en cada momento.

Combinar encargos con proyectos propios nos permite dar cabida a nuestros distintos intereses. Unos responden a necesidades planteadas por otras personas; en los otros, somos nosotros quienes decidimos qué preguntas queremos explorar.

A menudo desarrolláis vuestro trabajo en contextos culturales, más que puramente comerciales. ¿Modifica eso la responsabilidad del diseñador?

No estamos del todo de acuerdo con esa distinción. Desde luego, preferimos trabajar en estructuras poco jerarquizadas, donde se escuche nuestro punto de vista y se nos dé responsabilidad. Pero eso no está garantizado por el hecho de trabajar en el ámbito cultural.

“Aunque todos nos formamos en artes visuales y medios, nuestro trabajo siempre ha ido más allá de esas disciplinas.”

Por nuestra experiencia, una parte importante del trabajo consiste en mediar: preparar argumentos sólidos, elaborar presentaciones claras y explicar las ideas de manera que los demás puedan entenderlas e implicarse en ellas.

Aun así, esa labor no basta para corregir las desigualdades que determinan quién tiene acceso a ciertos privilegios y quién queda fuera, en función de su posición o de su identidad.

¿Qué habéis aprendido al colaborar con artistas e instituciones culturales que el diseño comercial suele olvidar?

Algunas de esas colaboraciones nos han enseñado a trabajar desde una relación muy cercana, con espacio para la autocrítica. Es algo que hemos valorado y disfrutado especialmente.

Esta reflexión sobre las jerarquías plantea una cuestión relevante para cualquier proceso creativo: el ámbito en el que se desarrolla un proyecto no determina cómo serán las relaciones entre quienes participan en él. Para Matter Of, la posibilidad de intervenir en las decisiones y de ser escuchados debe construirse en cada colaboración. También debe haber espacio para cuestionar y revisar el propio criterio.

En 2025 publicasteis New New Typography. ¿Qué os parece «nuevo» en la tipografía actual y qué deberíamos, quizá, dejar atrás?

Para nosotros, lo «nuevo» no consiste en buscar la novedad por sí misma. Tiene más que ver con cuestionar la idea de que la tipografía se rige por principios universales o puede explicarse a través de un único relato histórico dominante. Es una oportunidad para ampliar su vocabulario y dar cabida a prácticas que han sido marginadas, ignoradas o excluidas. Quizá lo que deberíamos dejar atrás es la creencia de que solo existe una forma de hacer o de entender la tipografía.

Muchos estudios hablan de investigación, aunque en vuestro caso parece ser una parte fundamental del trabajo. ¿Dónde termina la investigación y comienza el diseño?

Normalmente empezamos con una fase que llamamos rebrief, en la que dos personas investigan juntas sobre el proyecto. El momento de cerrar esa etapa suele responder a cuestiones bastante prácticas: las conversaciones con el cliente y los plazos de los que realmente disponemos.

Con los proyectos propios también somos organizados. Los incorporamos a nuestra rutina de trabajo y nos fijamos fechas de entrega.

¿Cómo abordáis una identidad visual cuando el tema es complejo, delicado o tiene una fuerte carga política?

En esos casos, siempre buscamos el apoyo de otras personas. A veces necesitamos dedicar más tiempo a conversar con el cliente; otras, recurrimos a especialistas externos que puedan aportar sus conocimientos.

En una época de velocidad, plantillas y producción visual instantánea, ¿qué sigue necesitando tiempo y pausa?

Muchas de las cosas que forman parte de nuestro día a día como estudio pequeño: conversar con otras personas, trabajar con objetos físicos y su relación con el espacio, explorar materiales a través del tacto o participar en determinadas situaciones de encuentro e intercambio.

Acabáis de participar como ponentes en Forward Festival. ¿Qué conversación os gustaría abrir con el público?

Nos gustaría hablar de cómo podemos intervenir en la cultura a través del diseño y de cómo podemos actuar, también, sobre la propia cultura del diseño.

“Nos gustaría hablar de cómo podemos intervenir en la cultura a través del diseño y de cómo podemos actuar, también, sobre la propia cultura del diseño.”

Con esa última respuesta, Matter Of dirige la mirada hacia su propio entorno profesional. Las historias que se enseñan, las voces a las que se presta atención y las relaciones que se construyen durante un encargo influyen en el resultado. El estudio aborda esas cuestiones a través de decisiones cotidianas: investigar juntos, defender las ideas con argumentos claros, incorporar otras perspectivas y dedicar tiempo a conversaciones sin saber de antemano adónde pueden llevar.

(*) Imágenes proporcionadas por Matter Of.

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