Esta segunda sede recibe el nombre de Side Gallery Casavells debido a la localidad en la que se encuentra: Casavells (Gerona), y en ella, recientemente acaban de inaugurar la nueva temporada/edición primavera, presentando obras de un grupo de diseñadores contemporáneos internacionales fabulosos como Francisco Jaramillo, Elissa Lacoste, Willem van Hooff, Rollo Bryant, Sabine Marcelis, Nebil Zaman, Oliver Sundquist y Frederik Nystrup-Larsen, Carsten in der Elst, Vince Palacios, Youngmin Kang, Lukas Saint-Joigny, Jonas Lutz, Charlotte Kingsnorth y Johan Viladrich.

“Esta impresionante colección busca interpretar el estado actual del diseño, reuniendo tanto a figuras emergentes como consolidadas, para crear una convivencia armónica entre cada práctica.”

Por ello, de nuevo, han propuesto a diseñadores, arquitectos y artistas contemporáneos internacionales a repensar las tradiciones de diseño y artesanía a través de métodos etnográficos, proponiendo un diálogo entre dos siglos para desarrollar obras de edición limitada, encargadas y producidas exclusivamente.

Información sobre los artistas de esta exposición

Francisco Jaramillo:

Francisco Jaramillo es un diseñador colombiano galardonado, que emplea materiales locales para sus muebles. Colabora con artesanos locales de su tierra y transmite sus conocimientos sobre el proceso y los materiales llevando a cabo formaciones, y siempre con el propósito de dar forma a una cultura de diseño que no se deriva únicamente de influencias occidentales o internacionales.

Jaramillo siempre buscaba en el cielo formas de nubes para inspirarse en sus diseños, y hoy en día, sus diseños siguen estando inspirado en su entorno, y siempre recurre a materiales locales. Tras estudiar en ELISAVA, donde se especializó en diseño de muebles, regresó a Colombia y lanzó «Fango», que explora la relación entre el hombre, el contexto y el objeto, combinando tecnología con artesanía para crear muebles coleccionables impulsados por una narrativa clara.

Como resultado de su estrecha colaboración con artesanos, Jaramillo comenzó a estudiar materiales locales, desarrollando la colección «Ibuju», que replantea el diseño y la fabricación de piezas de madera nativas utilizando una fibra natural y renovable llamada «Yaré». El taburete «Ibuju» le valió a Jaramillo el premio Wallpaper* Design Award 2023 en la categoría «Best New Weaves». El diseñador también ha participado en múltiples festivales de diseño.

Elissa Lacoste:

Elissa Lacoste es una diseñadora experimental francesa, que vive y trabaja en Borgoña (Francia). Estudió en la Ecole Supérieure d’Art et Design Saint-Etienne y en la Academia de Arte de Letonia en Riga. Y obtuvo su maestría en la Design Academy Eindhoven en 2018 en los Países Bajos.

Su trabajo surge de su búsqueda por lo salvaje, lo inexplicable y lo sensorial dentro de los límites contemporáneos. Con texturas poco convencionales y vibrantes, sus piezas escultóricas se sitúan entre lo real y lo surrealista, manteniendo un toque de funcionalidad. En su trabajo, evoca una otredad para reflexionar sobre nuestra relación con nuestro entorno físico, ya sea antropogénico o natural.

Sus formas orgánicas a menudo provocan una disonancia cognitiva, como sus piezas de silicona monolíticas de aspecto pétreo. Fascinada por las capacidades materiales y sin estar limitada a un material específico, investiga diversas técnicas, pero prefiere experimentar de manera intuitiva, sin recurrir al conocimiento artesanal tradicional como primer paso. De esta manera, favorece la serendipia y encuentra resultados sorprendentes que desarrolla en sus propias técnicas y métodos de dar forma a la materia y crear objetos.

Willem van Hooff:

El holandés Willem van Hooff se ve a sí mismo como un artesano moderno. Después de graduarse en la Academia de Diseño de Eindhoven en 2018, abrió un estudio de diseño en la misma localidad, donde desarrolla piezas aprovechando técnicas primitivas. A menudo trabaja con maquinaria, métodos y productos existentes tradicionales. Su trabajo insufla una nueva y emocionante vida a materiales tradicionales.

La ética de Van Hooff sostiene que la producción moderna carece de alma, y considera que la pandemia ha revelado la apreciación de las personas por las cosas más simples de la vida.

Sabine Marcelis:

Sabine Marcelis es una diseñadora neozelandesa, que vive y trabaja en Róterdam. Desde niña destacó por sus habilidades en diseño, siendo galardonada como la «Joven Diseñadora del Año» de Nueva Zelanda. Marcelis estudió diseño industrial durante dos años en la Universidad de Victoria en Wellington, y continuó sus estudios en la Academia de Diseño de Eindhoven, donde se graduó en 2011. Al graduarse, la diseñadora fue nominada para una serie de prestigiosas becas de diseño, como el «Unge Talenter Designpriser» del Norsk Designråd, el Premio «René Smeets» y la beca «Keep an Eye».

Desde su graduación, ha estado trabajando en Studio Sabine Marcelis, dedicándose a los campos de diseño de producto, instalación y diseño espacial con un fuerte enfoque en la materialidad. Su trabajo se caracteriza por formas puras y elementos naturales como los reflejos de la luz y el agua, que ella cree que resaltan las propiedades de los materiales. Y a través de él consigue capturar hermosos momentos de la naturaleza en una escala más pequeña, como objetos o instalaciones.

Durante la última década, la galardonada diseñadora se ha hecho conocida por su trabajo con resina y vidrio. Su receptividad por estos dos materiales se debe a su manipulabilidad; formas angulares afiladas y curvas sinuosas pueden ser prolongadas dando al artista un alcance infinito para formar. Además, la translucidez de ambos materiales se puede ajustar desde una transparencia pura hasta acabados opacos sólidos o lechosos. Trabajando en colaboración con especialistas de la industria, Marcelis interviene en los procesos de fabricación utilizando la investigación y experimentación de materiales para lograr nuevos y sorprendentes efectos visuales, aplicando un fuerte punto de vista estético al proceso de desarrollo de los materiales. La serie «Candy Cubes» es un ejemplo de la compleja investigación material de la diseñadora.

En 2019 creó su serie «Totem», encargada y vendida exclusivamente por Side Gallery. Esta colección está compuesta por cuatro elementos de iluminación de diferentes tamaños, dos lámparas de mesa y dos de pie. Los tótems están construidos con varios volúmenes de resina translúcida apilados que giran ligeramente en un eje central.

Además de diseñar piezas de objetos, la diseñadora holandesa tiene una serie de impresionantes proyectos de instalación asociados con su perfil, como la fuente «Aesop Vedovelle», el Pabellón Holandés en el Festival de Cine de Cannes 2017, una instalación de luz en la «Bienal Interieur 2018», el proyecto «Solo Sun Dial 2018», «Burberry x OC» en 2018 y «De/Coding ‘Alcantara» en las Salas de Tapicería en 2019. Quizás su instalación más famosa es «Shapes of Water» o «Fendi Fountains», exhibida por primera vez en Design Miami 2018.

Su exposición más prestigiosa hasta el momento, ha sido «NO FEAR OF GLASS» (2019). Una intervención que fue encargada por Side Gallery en colaboración con la Fundación Mies Van de Rohe, y que consistió en cinco obras originales de la diseñadora holandesa, meticulosamente colocadas dentro del Pabellón.

Marcelis ganó el premio «Wallpaper Designer of Year Award» en 2020.

Oliver Sundquist y Frederik Nystrup-Larsen:

El dúo creativo compuesto por los daneses Frederik Nystrup-Larsen y Oliver Sundqvist ha demostrado ser una asociación que cuestiona continuamente el estado actual del arte contemporáneo. La pareja ha reinterpretado los procesos del consumismo, ilustrando la crítica sobre el exceso de consumo y la mala fabricación a través del trabajo en el campo del arte y el diseño.

«Mater» (que significa madre en latín) es su primer proyecto colectivo y fue un florero creado como regalo de Navidad para su madre. El restaurante Norma de Copenhague, a menudo considerado el mejor restaurante del mundo, lo utilizó. Desde «Mater», el dúo ha seguido enfocándose en la creación de objetos únicos y coleccionables, con un enfoque central en la longevidad. La pareja busca despertar un sentimiento de responsabilidad en las personas a través de la creación de piezas reflexivas y sostenibles. Gran parte de su trabajo cuestiona el mundo circundante. Inspirados por personajes que desafían las comprensiones y estructuras establecidas dentro de este mundo, la pareja busca múltiples disciplinas para alimentar su creatividad.

Nebil Zaman:

Nebil Zaman es un diseñador kurdo/noruego que vive y trabaja en Oslo. Después de comenzar sus estudios en dirección de arte y publicidad, Zaman dio un giro y se fue a estudiar carpintería tradicional y diseño de muebles en la Academia Nacional de las Artes de Oslo. Desde que se graduó, Zaman ha fusionado la fabricación de muebles con su fascinación e interés por la arquitectura, el arte y la tecnología. A partir de sus propias experiencias, explora cómo nuestro entorno nos afecta social y culturalmente. Su interés en los materiales, las técnicas de producción y los lenguajes visuales se reflejan en su trabajo, investigando temas como la función, la forma, la identidad y la cultura visual.

Su última serie de muebles de MDF fundido a partir de láseres, pone énfasis en el material y la textura. Zaman está más intrigado por la materialidad del yeso, ya que proporciona una sensación de libertad y pérdida de control en el resultado final. Mientras que hay una precisión extrema en las técnicas de fabricación digital para crear el armazón, la adición de yeso al proceso proporciona un elemento orgánico de expresión y aleatoriedad.

La nueva colección de obras realizada exclusivamente para Side Gallery es una continuación de sus trabajos anteriores en yeso, explorando temas como la función, la forma, la identidad y la cultura visual.

El diseñador noruego ganó el premio «DOGA para nuevos talentos» en 2017, y su proyecto «Espacio personal» fue adquirido por el Museo Nacional de Noruega en 2019. En 2022, el diseñador presentó su trabajo en London Craft y fue seleccionado para la muestra colectiva «Materia» de la presencia noruega durante el Salone di Mobile.

Rollo Bryant:

Abrazando la artesanía en la era digital, Rollo Bryant se especializa en técnicas de trabajo que fusionan la escultura a mano alzada con software computacional. Centrado en proyectos que crean un cambio ambiental positivo, mientras promueve la idea de que, incluso con este nuevo desafío, el diseño todavía puede ser igualmente atractivo y versátil, o incluso más.

Con un enfoque distintivo en la innovación de materiales y iluminación, el objetivo de Rollo es crear obras que cambien la percepción, inviten a la intriga y planteen discusiones actuales y relevantes. Su fascinación por las estructuras orgánicas formadas naturalmente ha llevado a una identidad estética de carácter y gusto similares.

Optimista acerca de la intervención del diseño como medio para abordar la negligencia ecológica, el proyecto más reciente de Rollo, «Urban Stem», intenta llevar esta conversación al primer plano, imaginando un futuro en el que nos acerquemos a la biosfera. Destacando una serie de problemas clave con la forma en que iluminamos nuestras ciudades, el proyecto explora ideas para mitigar nuestro impacto y priorizar una agenda alternativa para el diseño urbano.

Youngmin Kang:

El artista coreano Youngmin Kang transforma imágenes y objetos capturados de medios digitales, arquitectura o fenómenos culturales en diferentes contextos al ampliar los límites de un medio particular a través del cambio de formato de la información contenida en él. Cuando se modifican en un espacio, dimensión, escala y medio diferentes, sus obras proporcionan un momento de claridad sobre el medio y las referencias originales. El significado específico en cada obra surge a través del proceso detallado de manipulación y puede estar asociado con cuestiones culturales, socio-políticas e identidad. El diseñador utiliza sus diseños para demostrar cómo la basura que generamos puede transformarse en algo de gran valor.

Vince Palacios:

Vince Palacios es un artista ceramista estadounidense nacido en Flint (Michigan). Obtuvo su Maestría en Arte Cerámico en la New York State College of Ceramics en la Universidad de Alfred en 1994, y ha estado trabajando en el campo del arte cerámico desde 1988.

Palacios ha acumulado una amplia experiencia como profesor en diferentes instituciones académicas, y actualmente trabaja como profesor en el Departamento de Cerámica del El Camino College en Torrance, California.

Su trabajo ha sido expuesto en todo el mundo, y está incluido en varias colecciones privadas importantes, como el Museo de Arte de la Universidad de Alfred en Nueva York, así como en las colecciones de notables museos, como el Museo de Arte de Long Beach, California, y el Museo de Arte Cerámico AMOCA en Pomona, California.

El desarrollo de las obras de Palacios se deriva de puntos de enfoque únicos.

Carsten in der Elst:

El diseñador alemán Carsten in der Elst busca constantemente la esencia de los materiales. Tras terminar sus estudios de diseño en 2020 y de inmediato comenzó su práctica en el estudio continuando su proyecto de graduación «Heavy Duty». Su trabajo se centra en la creación de materiales híbridos utilizando subproductos industriales. A través del trabajo físico y la atención obsesiva al detalle, se conecta con el material, transformando las piezas desechadas en formas únicas y hermosas, permitiendo que los materiales se comporten de manera diferente. El material dicta el diseño.

Para su primer proyecto, «Heavy Duty», el diseñador recordó cómo el desperdicio de energía y materiales naturales dedicados a los procesos industriales en su mayoría terminan produciendo residuos. A través de la artesanía tradicional y su enfoque de cero residuos, abordó materiales como el acero forjado y el shotcrete y los devolvió a su propio universo. «Soft Works» fue una continuación de su primer proyecto, utilizando el mismo concepto pero diferentes elementos, como corcho, silicona y colchones sobrantes.

Ambos proyectos han sido exhibidos en el festival «3 Days of Design» en Copenhague. Actualmente, el diseñador se está enfocando en su proyecto «Graywacke Offcut», para el cual ha recuperado los escombros de una cantera, creando una serie en la que cada pieza encarna la misma piedra de graywacke, pero encuentra su propia personalidad a través de la forma y la estructura.

Lukas Saint-Joigny:

Lukas Saint-Joigny es un diseñador experimental basado en París. Se graduó con una maestría en Diseño Contextual en la Academia de Diseño de Eindhoven en 2018. Tiene una forma experimental de crear objetos basada en la exploración de formas y materiales.

Su proceso práctico le permite lidiar con el color y la textura para crear objetos intrigantes que se comunican con el usuario y lo impulsan a reflexionar sobre el mundo que nos rodea. Fuertemente inspirado por la ciencia ficción, los cómics y las ciencias como la geología y la biología, no sigue los arquetipos de los objetos, sino que trata de estimular la imaginación. Su intención es centrarse en la investigación de una nueva estética basada en lo inesperado y lo extraño.

Desde su graduación, ha producido «Colección Ore», una serie de objetos domésticos que evocan minerales. A través de formas orgánicas experimentales y colores vibrantes, sus objetos parecen estar vivos. La colección refleja sus influencias cósmicas, creando un aspecto dinámico retratado a través de las formas y su textura, llevando al espectador a una fantasía, forzando la imaginación. Side Gallery mostró por primera vez la colección en la feria de diseño «Collectible» y luego en Side Gallery Casavells.

Jonas Lutz:

El diseñador de origen finlandés Jonas Lutz crea objetos de una sencillez audaz y soluciones elegantes, a menudo con un juego taciturno. Sus objetos revelan instantáneamente una búsqueda continua de lo novedoso y lo no descubierto. La simplicidad de la forma está bien equilibrada con una suavidad que invita al deseo de tocar. Los muebles de Lutz siempre han sido de forma modesta, proyectando una profunda comprensión de sus materiales y una elevación de sus cualidades.

El diseñador encuentra inspiración en las tradiciones de muebles nórdicos, así como en la vibrante cultura del diseño de su país adoptivo, los Países Bajos. Impulsado por una educación en un ambiente creativo, su instinto y sensibilidad hacia los materiales se asemeja al acto de un escultor. Este acto se replica en la forma en que se da a sí mismo breves de diseño que desencadenan investigaciones de materiales y conceptos, a menudo inspirados en objetos de uso en su hogar.

Lutz trabaja con fabricantes como E15, Form & Refine, La Chance y la marca de moda Isabel Marant.

Charlotte Kingsnorth:

Charlotte Kingsnorth es una diseñadora industrial y de producto británica, cuyo enfoque creativo se basa en combinar técnicas artesanales tradicionales y procesos industriales. Su trabajo busca incorporar funcionalidad y una exploración personal de la materialidad, la forma y lo subversivo.

Los intereses de Kingsnorth incluyen el antropomorfismo y el uso de materiales que aportan personalidad a su trabajo. Su proceso creativo es intuitivo, definido por la elaboración espontánea. La base nutritiva de su trabajo radica en la conexión psicológica y física entre las personas y los objetos.

Está graduada en el programa de «Diseño de Productos» del Royal College of Art y actualmente trabaja en Londres con clientes, galerías y establecimientos como la Fundación Bill Gates, Fendi, SHOWstudio, Christie’s, The Crafts Council, The V&A, entre otros.

Johan Viladrich:

Por si esto fuera poco, Side Gallery también propone intervenciones site-specific en todo el mundo y en monumentos arquitectónicos singulares, y colabora con curadores de renombre, ofreciendo una relectura de las líneas entre la arquitectura, el arte y el diseño.

Esta exposición podrá verse hasta el 22 de junio de este año. Muy recomendable.

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