Durante tres intensos días de junio, Copenhague volvió a consolidarse como uno de los grandes epicentros internacionales del diseño contemporáneo. Bajo el lema «Make This Moment Matter», el festival invitó a diseñadores, arquitectos, marcas, artistas y visitantes a reflexionar sobre el poder transformador de las decisiones que tomamos en el presente.

La respuesta fue extraordinaria. Según la organización, más de 125.000 visitantes procedentes de más de 140 países recorrieron la capital danesa para descubrir 572 exposiciones y participar en cerca de 900 eventos distribuidos por los ocho distritos creativos de la ciudad. Sin embargo, más allá de las cifras récord, lo que realmente definió esta edición fue la capacidad del festival para generar encuentros significativos, conversaciones inspiradoras y experiencias capaces de conectar a personas de diferentes culturas y disciplinas.

«Make This Moment Matter» se convirtió en un hilo conductor visible en toda la programación. La sostenibilidad, la circularidad, la innovación material, el bienestar, la identidad cultural y la dimensión humana del diseño protagonizaron muchas de las propuestas más destacadas. Instalaciones inmersivas, exposiciones experimentales, recorridos urbanos y encuentros interdisciplinarios demostraron que el diseño ya no se limita a crear objetos, sino que contribuye activamente a imaginar nuevas formas de habitar, relacionarnos y construir el futuro.

Uno de los momentos más relevantes de esta edición fue el Entering the Now Symposium, que reunió a algunas de las voces más influyentes de la arquitectura, el diseño, la cultura y la empresa para reflexionar sobre el valor de la presencia, la atención y la capacidad de actuar conscientemente en un mundo cada vez más acelerado y complejo. Una conversación profundamente alineada con el espíritu del festival y con la idea de que los cambios más importantes comienzan en el momento presente.

A continuación, iniciamos nuestro primer recorrido por algunas de las instalaciones, espacios y propuestas que más nos inspiraron durante esta edición de 3daysofdesign 2026.

AESOP & OTHER MATTER: cuando los residuos se convierten en materia para el futuro

Enduring Forms, la colaboración entre Aesop y el estudio australiano OTHER MATTER, exploró el potencial de los bioplásticos elaborados a partir de algas, transformando las tiendas de la firma en Copenhague en espacios de experimentación material y reflexión sobre la circularidad. Más allá de la estética, el proyecto puso el foco en cómo los materiales pueden reutilizarse y reintroducirse continuamente en nuevos ciclos productivos. La investigación liderada por la diseñadora Jessie French presentó además nuevas aplicaciones para estos bioplásticos reciclados, incluyendo un innovador material con apariencia de cuero. Una propuesta sutil que demostró cómo la innovación puede surgir de la observación atenta de los recursos disponibles y de una comprensión más responsable de los materiales.

ALPI & GAMFRATESI: una plaza para detener el tiempo

Entre las experiencias más evocadoras de esta edición destacó Piazza Interiore, la instalación creada por GamFratesi para ALPI. Inspirada en los paisajes metafísicos de Giorgio de Chirico, la intervención transformó los espacios de Narrow Creative en una secuencia de atmósferas silenciosas donde arquitectura, perspectiva y materialidad dialogaban con una sensibilidad profundamente mediterránea. A través de juegos de sombras, volúmenes geométricos y las superficies de madera de ALPI, el recorrido invitaba a ralentizar la mirada y experimentar el espacio de una forma más contemplativa.

La experiencia alcanzó uno de sus momentos más especiales durante la cena organizada por la firma en el corazón de la instalación. Rodeados por este paisaje casi onírico, donde el tiempo parecía suspendido entre la realidad y la imaginación, los invitados compartimos una velada inolvidable que capturó a la perfección el espíritu de Make This Moment Matter. Más que una presentación de materiales, Piazza Interiore fue una reflexión sobre cómo el diseño puede crear emociones, generar encuentros y transformar un espacio en un recuerdo duradero.

DISPLAY / DISPLAYED: la belleza de los objetos que cuentan historias

Presentada en la librería Simone Book Services, Display / Displayed exploraba la relación entre los objetos, su función y la manera en que decidimos convivir con ellos. La exposición reunió diseño, fotografía, artesanía y publicaciones en torno a una pregunta tan simple como reveladora: ¿qué convierte a un objeto cotidiano en algo digno de ser mostrado?

Entre piezas de mobiliario, cerámica, vidrio, cubertería experimental y una cuidada selección de libros, el recorrido proponía una mirada pausada sobre los objetos que nos rodean y las historias que contienen. La muestra puso en valor su capacidad para generar vínculos, transmitir recuerdos y construir atmósferas personales, desdibujando las fronteras entre diseño, colección y expresión cultural.

OBJECTS OF DESIRE: objetos concebidos para perdurar

Ubicada en el emblemático Thorvaldsens Museum, Objects of Desire reunió una cuidada selección internacional de diseñadores y creadores unidos por una misma preocupación: la calidad de los materiales, la excelencia en la producción y la capacidad del diseño para resistir el paso del tiempo. Comisariada por la diseñadora danesa Birgitte Due Madsen, la exposición propuso una pausa frente a la velocidad del consumo contemporáneo, invitando a observar con atención piezas concebidas desde el oficio, la investigación material y el cuidado por los detalles.

La muestra reunió trabajos de figuras consolidadas y talentos emergentes como Boris Berlin, Francesca Torzo, Germans Ermics, Sofie Østerby, Vibeke Fonnesberg Schmidt, Eric Landon, Rahee Yoon, Kevin Hviid o Edoardo Lietti, entre otros. Aunque cada creador aportó una visión propia, todas las piezas compartían una misma filosofía basada en la durabilidad, la responsabilidad material y una producción consciente, estableciendo un diálogo especialmente sugerente con la arquitectura histórica del museo, inaugurado en 1848.

ST. LEO & JAIME HAYON: un homenaje a la imaginación y a la memoria

Con ¿Jaime, what are you doing?, Jaime Hayon presentó una de sus exposiciones más personales hasta la fecha. Concebida como un homenaje a su madre, Raquel Benchimol, la muestra reunió esculturas, piezas de mobiliario, cerámicas y obras de arte vinculadas a momentos significativos de su trayectoria, acompañadas por recuerdos y relatos escritos de su propia mano.

El recorrido culminó en Raquel’s Room, una instalación inmersiva que trasladaba a los visitantes al interior de una de sus pinturas, recreando un universo íntimo donde realidad, memoria e imaginación se entrelazaban.

Presentada en la sede de St. Leo en Nordhavn, la exposición ofreció una mirada poco habitual al proceso creativo de Hayon y recordó cómo las historias personales, los afectos y los recuerdos siguen siendo una de las fuentes más poderosas de inspiración para el diseño y el arte.

LAYERED & MASSPRODUCTIONS: cuando la artesanía se encuentra con la industria

La colaboración entre Layered y Massproductions tomó forma en Industrial Choreography, una instalación que exploraba el diálogo entre la producción industrial y la artesanía textil.

Inspirada en los procesos de fabricación de la nueva colección de alfombras Cord, la instalación transformó los movimientos del telar en una experiencia espacial inmersiva, donde grandes estructuras giratorias revestidas de lana reproducían el ritmo mecánico que da vida a cada pieza.

De esta manera, hacía visible aquello que normalmente permanece oculto: la compleja relación entre la precisión técnica y el trabajo manual.

Mientras la estructura mecánica evocaba la lógica de la industria, las fibras naturales y las texturas de la lana recordaban la presencia indispensable de la mano humana. Completada por un paisaje sonoro creado a partir de grabaciones realizadas en talleres textiles de India, la experiencia ofreció una visión sensible sobre el origen de los objetos y el valor de los procesos que los hacen posibles.

FINARTE: tradición, identidad y el poder de la artesanía

Finarte aprovechó 3daysofdesign para celebrar una historia construida durante más de cuatro décadas entre Finlandia y la India, una relación que ha definido el carácter de la firma desde sus orígenes. Fundada en 1985 por la artista textil Eija Rasinmäki, la marca ha convertido la artesanía en el centro de su filosofía, trabajando generación tras generación con comunidades de artesanos que siguen dando vida a sus piezas textiles.

En Copenhague, este legado se proyectó hacia el presente con la presentación de la nueva colección diseñada por Ervin Latimer, uno de los nombres más interesantes de la moda finlandesa contemporánea.

A través de alfombras y piezas textiles concebidas también para ser exhibidas como arte mural, Latimer exploró el encuentro entre sus raíces finlandesas y afroamericanas, trasladando al tejido elementos propios de la sastrería, el color y la expresión cultural. El resultado fue una colección que demostraba cómo la artesanía sigue siendo una herramienta viva para contar historias, preservar identidades y generar nuevas formas de diálogo entre culturas.

STELLAR WORKS: diseño global con mirada sostenible

En el marco de Framing, la plataforma que reúne algunas de las propuestas más innovadoras y emergentes de 3daysofdesign, Stellar Works presentó varias novedades firmadas por estudios como Yabu Pushelberg, Keiji Ashizawa Design y Layan, además de una ampliación de una de sus colecciones desarrollada junto a Space Copenhagen. Sin embargo, más allá de los nuevos lanzamientos, la firma puso el foco en una cuestión cada vez más relevante para la industria: cómo integrar la sostenibilidad en los espacios de hospitality sin renunciar a la calidad, la durabilidad ni la excelencia estética.

En colaboración con la compañía japonesa YKK, desarrolló una propuesta que exploraba nuevas aplicaciones para materiales reciclados en interiores contemporáneos, demostrando que la innovación responsable puede formar parte del diseño desde su origen. Una reflexión pertinente sobre el futuro de los materiales y el papel que el diseño puede desempeñar en la transición hacia modelos más conscientes.

HEM x MAX LAMB: la esencia de una silla

En el marco de Design Starts on Paper, la exposición colectiva celebrada en Papirøen, Hem presentó Min Chair, la nueva creación del diseñador británico Max Lamb. Fiel a su aproximación directa y profundamente ligada a los materiales, Lamb reduce la silla a su expresión más esencial, explorando el equilibrio entre utilidad, proporción y honestidad constructiva. Fabricada en pino macizo, la pieza transmite una sensación de sencillez casi arquetípica, donde cada elemento parece responder únicamente a lo imprescindible.

Integrada en una instalación de gran escala, la pieza convivía con algunas de las colecciones más reconocidas de la firma, reforzando la creciente presencia de Hem en proyectos residenciales, contract y hospitality.

STRING FURNITURE: cuando el diseño adquiere personalidad

En el marco de Framing, String Furniture presentó Faces for Spaces, una instalación que reinterpretaba su icónico sistema modular desde una perspectiva lúdica y sorprendentemente humana. A través de diferentes configuraciones de estanterías, objetos y composiciones, la marca sueca exploraba cómo un mismo sistema puede transformarse infinitamente para adaptarse a las necesidades, hábitos y personalidades de quienes lo utilizan.

La propuesta partió de una idea sencilla pero poderosa: igual que no existen dos personas idénticas, tampoco existen dos composiciones de String exactamente iguales.

Más de siete décadas después de su creación, el sistema diseñado por Kajsa y Nisse Strinning sigue demostrando la vigencia de los principios que lo hicieron célebre: flexibilidad, simplicidad y capacidad de evolución. Una instalación que evidenciaba cómo los grandes clásicos mantienen su relevancia no por resistir el paso del tiempo, sino por su capacidad para evolucionar con él.

MONTANA FURNITURE: el color como lenguaje del espacio

Montana Furniture aprovechó esta edición para reivindicar uno de los elementos que mejor definen su identidad: el color. A través de nuevas ediciones, reediciones y ampliaciones de producto, la firma danesa exploró cómo el color puede transformar la percepción de un espacio, aportar carácter y reforzar la relación emocional que establecemos con nuestro entorno.

Entre las novedades destacaron la recuperación de tres tonalidades históricas de su archivo cromático, una nueva interpretación del sofá modular Paradigm y una edición especial de Panton Wire en un vibrante tono Tangerine, creada para conmemorar el centenario de Verner Panton.

La instalación puso de manifiesto una filosofía que ha acompañado a Montana durante décadas: entender el color no como un recurso decorativo, sino como una herramienta de diseño capaz de construir atmósferas y generar vínculos emocionales con los espacios.

TINA FREY DESIGNS: geometrías cósmicas para objetos cotidianos

Tina Frey Designs presentó en Copenhague Cosmic Collection, una colección inspirada en los movimientos celestes, las formas planetarias y la geometría hipnótica de los círculos concéntricos.

Realizadas artesanalmente en la resina característica de la firma, las nuevas piezas trasladan ese imaginario cósmico a bandejas, cuencos, jarrones y una lámpara de mesa, convirtiendo objetos funcionales en pequeñas esculturas para el día a día.

La colección combina una paleta serena de blancos, negros y tonos niebla con versiones más vibrantes en verde esmeralda, rosa y degradados luminosos. Su lenguaje formal, entre lo orgánico y lo futurista, refleja la sensibilidad de Tina Frey por los objetos hechos a mano y por una belleza tranquila, imperfecta y táctil. Un enfoque que concibe el diseño como un punto de encuentro entre funcionalidad, artesanía y capacidad de asombro.

MUUTO: veinte años ampliando los límites del diseño escandinavo

Con motivo de su 20º aniversario, Muuto presentó durante 3daysofdesign una reflexión sobre la evolución del diseño escandinavo y las nuevas direcciones que está tomando.

Bajo el lema 20 Years of New Perspectives, la firma transformó su sede de Copenhague en un recorrido que combinaba nuevos lanzamientos, adelantos de futuras colecciones y una selección de ediciones numeradas creadas especialmente para celebrar estas dos décadas de trayectoria.

A lo largo del recorrido, Muuto reivindicó algunos de los principios que han definido su identidad desde sus inicios: la curiosidad, la experimentación y la capacidad de reinterpretar la tradición escandinava desde una mirada contemporánea.

UN’COMMON: la fuerza silenciosa de los materiales

Como parte de DESIGN/DIALOGUE, la exposición comisariada por Ark Journal en Den Frie, la firma polaca Un’common presentó una selección de piezas que reflejan su particular aproximación al diseño, basada en el respeto por los materiales y una estética de gran pureza formal. Fundada en Lódz como un proyecto familiar, la marca trabaja principalmente con mármol, travertino, madera y metal, desarrollando objetos donde la sencillez de las formas permite que la riqueza de las texturas, vetas y acabados cobre todo el protagonismo.

La presentación sirvió también para mostrar una nueva versión de su colección BLOCK en acabado Satin Walnut, junto a algunas de sus piezas más reconocidas, como la consola CAMO realizada en mármol Calacatta Viola. Con una apertura escultórica que permite integrar flores directamente en la estructura, esta pieza resume a la perfección la filosofía de Un’common: diseños de apariencia contenida que revelan detalles inesperados y una profunda sensibilidad hacia la materia.

VIPP & MESURA: una celebración del encuentro y la vida compartida

Vipp y el estudio barcelonés Mesura firmaron una de las colaboraciones más memorables de esta edición con una instalación que transformó el Vipp Campus en un escenario concebido para la conversación, la convivencia y el disfrute colectivo.

En el centro de la propuesta, un gran espacio hundido revestido en un vibrante amarillo actuaba como punto de encuentro alrededor de una mesa circular de acero pulido, creando una atmósfera que invitaba a detenerse, compartir y permanecer.

La escenografía destacó tanto por su fuerza visual como por la inteligencia de su planteamiento. Los textiles que envolvían la instalación fueron concebidos para tener una segunda vida como tapicería de una edición especial de la silla Vipp Swivel, incorporando la circularidad al propio diseño de la experiencia. Entre mobiliario, arquitectura e instalación artística, Vipp y Mesura construyeron un espacio cálido, optimista y sorprendentemente humano.

HAY: un diálogo entre pasado, presente y futuro

Para esta edición de 3daysofdesign, HAY trasladó su exposición principal a O–Overgaden, la institución de arte contemporáneo situada junto a los canales de Christianshavn, transformando más de 1.500 metros cuadrados en un recorrido dedicado a la evolución de su universo creativo. La muestra reunió diseños históricos, piezas actuales y adelantos de futuras colecciones, generando un interesante diálogo entre distintas generaciones de diseñadores y diferentes momentos de la historia de la marca.

Entre las novedades destacaron creaciones de Philippe Malouin, Jasper Morrison, Gudmundur Ludvik, Andreas Bergsaker, Julien Renault y Claire Lavabre, reafirmando la capacidad de HAY para conectar algunas de las voces más relevantes del diseño contemporáneo bajo una visión coherente y accesible.

KINTO & STUDIO x KITCHEN: la belleza del tiempo dedicado

En colaboración con Studio x Kitchen, la firma japonesa Kinto presentó una exposición construida alrededor del concepto japonés Te-ma, una palabra que hace referencia al tiempo, la atención y el cuidado que dedicamos a aquello que hacemos con las manos. A través de este enfoque, la instalación exploró el valor de los procesos lentos, la artesanía y la relación consciente con los objetos que forman parte de nuestra vida cotidiana. La muestra sirvió también para presentar las nuevas colecciones MUI y FUTO, desarrolladas en Japón y profundamente vinculadas a la materialidad, la tradición y el uso cotidiano.

Lejos de la búsqueda constante de la eficiencia, Kinto reivindicó la importancia de desacelerar y apreciar el trabajo que existe detrás de cada objeto. Cerámicas, textiles y utensilios dialogaron con el espacio de Studio x Kitchen para crear una experiencia serena y sensorial que invitaba a ahondar sobre la belleza que surge cuando el diseño, la artesanía y el tiempo encuentran el equilibrio adecuado.

IITTALA: cuando un icono se convierte en arquitectura

Con motivo del 90 aniversario del célebre jarrón Aalto, Iittala presentó una de las instalaciones más espectaculares de esta edición. Situado en Ofelia Plads, el Aalto 90 Pavilion transformó la icónica silueta diseñada por Alvar Aalto en una estructura monumental de siete metros de altura concebida para ser recorrida y habitada por los visitantes. Desarrollado junto a Hydro y construido con aluminio de baja huella de carbono, el pabellón trasladaba al espacio arquitectónico las curvas orgánicas que han convertido al jarrón en uno de los grandes clásicos del diseño escandinavo.

Lejos de limitarse a una celebración de aniversario, la instalación propuso una nueva forma de experimentar un objeto conocido por millones de personas. En su interior, una atmósfera inmersiva acompañaba la presentación de la colección Aalto City Vases, creada especialmente para conmemorar los noventa años de la pieza.

VALERIE OBJECTS: diseño, arte y nuevas miradas

Fiel a su filosofía de difuminar las fronteras entre arte, arquitectura y diseño, Valerie Objects presentó en Copenhague una selección de piezas que reivindicaban el valor de la autoría y la experimentación creativa. La firma belga, conocida por colaborar con algunos de los creadores más interesantes de la escena contemporánea, mostró objetos concebidos no solo para cumplir una función, sino también para provocar una reacción emocional y generar nuevas formas de interacción con el entorno doméstico.

Las propuestas reunidas en esta primera selección confirman que 3daysofdesign continúa consolidándose como uno de los encuentros más influyentes del panorama creativo internacional. Instalaciones inmersivas, intervenciones expositivas y proyectos capaces de conectar diseño, cultura y emoción han protagonizado algunos de los momentos más interesantes de esta edición de 2026.

Pese a la diversidad de enfoques, muchas de las exposiciones compartían una misma inquietud: la necesidad de recuperar la conexión humana, la materialidad y el sentido de comunidad en un contexto marcado por la velocidad y la hiperconectividad. Una sensibilidad que ha vuelto a convertir a Copenhague en un laboratorio de ideas desde el que explorar nuevas formas de vivir, habitar y relacionarnos.

Este es solo el primer capítulo de nuestro recorrido por 3daysofdesign 2026. En la segunda parte de este especial analizaremos otras 20 marcas, colecciones y colaboraciones que han contribuido a definir algunas de las conversaciones más relevantes del diseño contemporáneo, así como varios de los lanzamientos y novedades de producto que marcarán los próximos meses.

(*) Imágenes proporcionadas por cada una de las marcas. Fotos de Aesop: Armin Tehrani. Fotos de Alpi: Federico Cedrone. Fotos de Display / Displayed: Ed Gumuchian. Foto vertical de Jaime Hayon: Giovanni Riccò.

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