La edición de este año no solo mostró diseño: lo encarnó. A lo largo de los ocho Distritos de Diseño de la ciudad, una rica programación de instalaciones inmersivas, estudios abiertos, recorridos guiados, encuentros en azoteas y conversaciones significativas revelaron lo que el diseño puede lograr cuando está impulsado por la autenticidad y el propósito.

Desde estudios consolidados hasta talentos emergentes, cada participante ofreció no solo productos, sino ideas cargadas de significado, emoción y relevancia social. El festival dejó claro su mensaje: el diseño no va de estatus, jerarquía o exclusividad—va de personas. Va de ser inclusivo, sostenible, humano.

«La inspiración fluyó libremente en cada rincón de la ciudad», señaló Signe Byrdal Terenziani, directora general de 3daysofdesign. «Este año hemos presenciado una expresión colectiva de creatividad en su forma más transformadora: curiosa, valiente y profundamente colaborativa».

El lema KEEP IT REAL resonó como un hilo conductor en cada exposición y experiencia: en los materiales utilizados, en la artesanía mostrada, en las historias compartidas y en los vínculos sinceros que se forjaron. Desde una exploración táctil de texturas naturales hasta una instalación introspectiva sobre el bienestar mental, el diseño no solo se vio—se sintió.

Más que un evento de diseño, 3daysofdesign 2025 fue un fenómeno cultural, que convirtió la ciudad entera en una plataforma viva de ideas. Y aunque las cifras demuestran su enorme alcance e impacto, lo que realmente definió esta edición fue algo mucho más intangible: un profundo sentido compartido de propósito y conexión.

¿El resultado? Una poderosa demostración de que el gran diseño no divide—une.

Ahora, mientras el mundo del diseño ya espera la próxima edición (del 10 al 12 de junio de 2026), una cosa está clara: en Copenhague, el diseño no solo ha encontrado un hogar, sino también un latido.

Novedades y presentaciones

Como os podéis imaginar, fueron innumerables las propuestas, lanzamientos e instalaciones memorables que marcaron esta edición. Por eso, hemos hecho una selección de las inspiraciones más destacadas del festival.

Aquí empieza nuestro primer recorrido por las marcas, los espacios y las ideas que más nos emocionaron en esta vibrante edición de 3daysofdesign 2025.

INTERMEZZO: una pausa sensorial en pleno corazón de Copenhague

Entre las experiencias más evocadoras de 3daysofdesign, Intermezzo brilló por su capacidad de transformar lo cotidiano en algo poético. Ubicada en la planta baja de un aparcamiento industrial en Vognmagergade 5, esta instalación efímera ofreció un refugio inesperado donde la luz natural, las telas reutilizadas y los sonidos ambientales se entrelazaban en una coreografía de calma y contemplación.

Concebida por la diseñadora espacial Yasmin Edgecombe en colaboración con el estudio textil ARNE AKSEL, Intermezzo reinterpretó la idea de un reloj solar: dejando que la luz y la sombra definieran el ritmo del espacio, invitando a los visitantes a frenar, respirar y entregarse al presente. Como explicó el propio ARNE AKSEL: «Queríamos crear un lugar en el que nunca antes hayas estado, para pensar cosas que nunca antes habías pensado».

Más que una exposición, Intermezzo fue una pausa lúdica y sensorial en medio del bullicio del diseño. En este oasis donde «la creatividad baila entre líneas», participaron marcas como Loom Design (Dinamarca), it’s about ROMI (Países Bajos), Triple Bottom Line (Japón), Marco Zelli (Suiza), Marset (España), Friends & Founders (Dinamarca), Manu Matters (Suecia), Jeroen De Ruddere (Bélgica) y Hollis + Morris (Canadá).

Minimalismo intencionado, honestidad material y una arquitectura sin artificios fueron las claves de un espacio donde nada sobraba y todo tenía propósito. Intermezzo nos recordó que el diseño también puede ser un acto de pausa, de escucha y de juego.

TEKLA x Modern Romance: poesía bordada en Charlottenborg

Tekla presentó su exposición Modern Romance, transformando el histórico Palacio de Charlottenborg en un santuario de calma y sensibilidad textil. En colaboración con el estudio Mentze Ottenstein y con música de Astrid Sonne, la firma danesa mostró su nueva colección Broderie Anglaise, una delicada evolución de su icónica ropa de cama.

Volviendo a los orígenes —«todo comienza con la cama», decía su cofundador Kristoffer Juhl—, Tekla exploró las posibilidades decorativas del bordado inglés a través de fundas, cojines y sábanas confeccionadas en algodón orgánico y bordadas con detalles que evocan lo artesanal y lo íntimo. Camas y tumbonas de nogal, hechas por carpinteros georgianos, aportaban un aire escultórico al espacio.

La colección celebra la belleza de lo cotidiano con un lenguaje más romántico y expresivo, pero fiel al ADN minimalista de la marca. Entre volantes, calados y aromas a pot-pourri, Tekla ofreció una experiencia sensorial que une diseño, historia y emoción.

VIPP x STUDIO KO: el alma de la cocina y la poética de los materiales

Una de las colaboraciones más sofisticadas y sorprendentes de esta edición fue la protagonizada por la firma danesa Vipp y el célebre estudio de arquitectura Studio KO. En esta ocasión, presentaron una casa de huéspedes efímera que desafía la idea tradicional de hogar. Oculta tras una fachada de madera quemada —una técnica ancestral— y situada en un antiguo garaje, la instalación rendía homenaje a la cocina como núcleo vital del hogar. El icónico sistema de cocina Vipp V1 se presentó en una versión inédita revestida en cobre, enmarcada por una arquitectura brutalista y elegante a la vez.

El espacio, diseñado para despertar todos los sentidos, combinaba formas puras escandinavas con texturas, olores y sonidos que evocaban otras culturas. Studio KO —autores del Museo Yves Saint Laurent de Marrakech— aportó su narrativa de materiales y contrastes, creando una experiencia sensorial que, como expresó Karl Fournier, «evoca todo lo que es central en nuestra imaginación colectiva: compartir comidas y el arte de cocinar».

HEM: diseño modular que une personas

Celebrando su décimo aniversario, la firma independiente HEM presentó en 3daysofdesign una de las colecciones más estimulantes del festival: Palma Pouf, de la diseñadora británico-ghanesa Kusheda Mensah. Esta serie de asientos modulares, con formas orgánicas y espíritu lúdico, está pensada para fomentar la conexión humana. Inspirada en su obra Mutual I, Mensah transforma sus esculturas en mobiliario táctil y acogedor, concebido no solo para sentarse, sino para conversar, compartir y crear vínculos.

Cada módulo permite múltiples posiciones y acomoda varios cuerpos a la vez, generando una atmósfera cercana, informal e inclusiva. «Es un sueño hecho realidad debutar en 3daysofdesign con esta colección», afirmó Mensah. Más que un asiento, Palma Pouf es una declaración emocional: diseño como vehículo de encuentro.

TABLEAU x PROJECT MATERIA: el alma de los materiales, del pasado al presente

En un elegante patio de Copenhague, Project Materia propuso una de las reflexiones más profundas del festival. La exposición, fruto de la colaboración entre Tableau y Édition Solenne, reunió a nueve artistas internacionales para explorar tres materiales esenciales en la historia del arte: bronce, mármol y vidrio. La propuesta no solo rindió homenaje a su legado —de los talleres de Pietrasanta a la alquimia del vidrio soplado de Murano— sino que los reactivó a través de obras que desdibujan los límites entre arte, diseño y función.

Desde las formas digitales y oníricas de Andrés Reisinger hasta las cerámicas introspectivas de Cathrine Raben Davidsen o los objetos cromáticos de Helle Mardahl, Project Materia fue un viaje sensorial y conceptual. La exposición planteó una pregunta crucial: ¿qué nos dicen hoy los materiales que han dado forma a la historia del arte? Una experiencia que revaloriza el origen, el proceso y la intención detrás de cada obra.

LEE BROOM: una mirada íntima al pasado, presente y futuro del diseño

En su esperado debut en 3daysofdesign, el diseñador británico Lee Broom deslumbró con From Here Now, una exposición inmersiva instalada en la histórica Asia House de Copenhague. Más que una muestra de producto, fue un viaje narrativo por su evolución creativa, desde piezas icónicas reinterpretadas —como la lámpara Crescent en latón ennegrecido o la Orion en latón antiguo— hasta el lanzamiento mundial de Chant, su primera lámpara portátil.

El espacio evocaba la casa abandonada de un explorador, con cajas de madera abiertas, objetos encontrados y una atmósfera casi cinematográfica que combinaba historia, diseño y emoción. Cada rincón invitaba al descubrimiento y al asombro. From Here Now no solo celebró el recorrido de una década, sino que reafirmó a Lee Broom como uno de los grandes narradores del diseño contemporáneo.

NAU DESIGN: el alma del diseño australiano aterriza en Copenhague

En su debut europeo, la firma australiana NAU Design aterrizó en Copenhague con una muestra impecable que capturó la esencia del diseño contemporáneo del otro hemisferio. Presentada en la Galerie Mikael Andersen, la exposición reunió piezas emblemáticas de su catálogo —como el sofá Aran o la butaca Fat Tulip de Adam Goodrum— junto con los nuevos lanzamientos del diseñador Tom Fereday: la colección Cove, con su elegante estructura en madera maciza y líneas suaves, y la lámpara Nola, una joya escultórica en cristal fundido y piedra natural que emite una luminosidad cálida y envolvente.

Con un enfoque que privilegia la sencillez, la honestidad material y el confort como eje central, NAU ofreció una experiencia de diseño cálida, sofisticada y profundamente sensorial. «Queremos mostrar que el diseño australiano puede ser contemporáneo, accesible y emocionalmente resonante», explicó su fundador Richard Munao. Una entrada triunfal a la escena europea que dejó huella.

THE HUB BY MAZO: rediseñando el espacio de trabajo desde Copenhague

La marca danesa Mazo Design presentó THE HUB. En colaboración con Bodum y el estudio de interiores de Nathalie Schwer, el showroom de Mazo Design se transformó en un laboratorio de trabajo contemporáneo: una oficina viva, cambiante, funcional y emocional. Dividido en zonas que iban desde estaciones al aire libre hasta cafés y áreas de enfoque profundo, THE HUB demostró que trabajar también puede ser bello, placentero y adaptativo. El corazón de la instalación fue el debut de la colección de sillas MAG, diseñadas para un equilibrio perfecto entre ergonomía, versatilidad y estilo.

Bodum aportó su icónica estética con piezas en acero, vidrio y madera, incluida una edición limitada de su French Press con mango de nogal. Bajo la dirección de Nathalie Schwer, el espacio se sintió humano, sensorial y profundamente relevante: un ejemplo de cómo el diseño puede reconfigurar nuestros ritmos laborales con honestidad y belleza.

HAY x EMMA KOHLMANN: cuando el arte se sirve en la mesa

En esta edición, HAY sorprendió con La Pittura, una colección de cerámica pintada a mano que borra los límites entre el arte y la vida cotidiana. Diseñada por la artista estadounidense Emma Kohlmann, la colección abarca desde platos y tazas hasta jarras, cuencos y floreros, cada uno decorado con pinceladas espontáneas y motivos llenos de emoción.

Producida artesanalmente en Sri Lanka, cada pieza es única: pequeñas variaciones en color, forma o trazo revelan el carácter humano de la obra. «No hay nada perfecto en estas piezas, porque están hechas por personas», señala Kohlmann. La colección se inspira tanto en la cerámica toscana renacentista como en recuerdos de infancia en el MET, y conecta con una idea íntima y sensorial del diseño doméstico.

Mette Hay descubrió el trabajo de Kohlmann en la galería V1 de Copenhague y enseguida supo que quería llevar su imaginario al mundo funcional de la mesa. La Pittura no es ni una serie de arte ni simple decoración: es una experiencia que transforma lo cotidiano en algo extraordinario.

LOUIS POULSEN: luz emocional, herencia escandinava y nuevas perspectivas

La legendaria firma danesa Louis Poulsen volvió a demostrar por qué su nombre sigue siendo sinónimo de excelencia lumínica. Su participación brilló en dos actos complementarios: por un lado, «Circle Dome Square», una instalación inmersiva y poética creada por el artista danés Henrik Vibskov; por otro, la presentación de Rumee, una nueva lámpara portátil diseñada por Gabriel Tan que marca un punto de inflexión en el catálogo contemporáneo de la firma.

Inspirado por la legendaria lámpara Panthella de Verner Panton, Vibskov reimaginó el lenguaje visual de Louis Poulsen desde su universo teatral y sensorial. «La instalación parte del universo de Panton, sus formas, sus colores. Pero también del acordeón, de cámaras antiguas, de los panópticos», nos explicó. En esta obra, el textil cobra protagonismo como elemento estructural, estético y espacial. «Siempre intento incluir textiles en mis instalaciones. Aquí los usamos para extruir formas clásicas y crear sombras inesperadas». El resultado fue un espacio sorprendente, donde el espectador era invitado a descubrir pequeños secretos y cambios de escala, como si se adentrara en un mundo suspendido entre la escultura y la escenografía.

En paralelo, el diseñador Gabriel Tan —de raíces singapurenses y alma nómada entre Asia y Europa— presentó Rumee, una lámpara portátil que cuestiona las convenciones formales y funcionales del diseño de iluminación. «Muchos modelos actuales ofrecen luz radial. Yo quería una lámpara con luz direccional, más suave, más humana», explicó. Su diseño parte de la experiencia cotidiana: cómo la luz cambia según el lugar, la hora, o el uso. Desde una potente LED escondida en el tallo que proyecta hacia la cúpula, Rumee emite una luz que puede rotarse y ajustarse según la necesidad. No es una lámpara para dejar estática, sino para tocar, mover, usar.

Lo más conmovedor es cómo Tan ancla el diseño en recuerdos personales: «En Singapur, cuando niño, había apagones durante las tormentas. Recuerdo bajar con la linterna de mi padre, cómo se sentía en mi mano… Quería recuperar esa sensación reconfortante con el mango de Rumee». El resultado es una pieza que, aunque técnicamente innovadora, se siente emocionalmente familiar. «Me alegra que algunas personas vean en ella un sombrero, una mariquita o un hongo. Es una forma abstracta que cada uno interpreta a su manera».

Esta edición de 3daysofdesign dejó claro que Louis Poulsen no se limita a reproducir su legado, sino que lo reinventa desde la raíz: con nuevas voces, nuevos materiales, y una misma devoción por la luz como experiencia profundamente humana.

10 DAYS OF SUMMER: poesía finlandesa para habitar el exterior nórdico

Cuando el verano llega al norte, la vida migra al exterior: terrazas, balcones, parques y archipiélagos se convierten en nuevos salones de estar. En este contexto, la exposición 10 Days of Summer, organizada por el Instituto Cultural Finlandés en Dinamarca y comisariada por Anne Blond (directora del Museo Wegner), celebró en 3daysofdesign 2025 la belleza efímera y contradictoria del verano nórdico.

Doce diseñadores finlandeses o radicados en Finlandia presentaron objetos cotidianos y mobiliario pensados para una vida al aire libre cambiante, sensible y funcional. Desde refugios de privacidad en entornos urbanos densos hasta soluciones ligeras, plegables o resistentes al viento y la lluvia, cada pieza respondía al desafío de diseñar para un clima que puede cambiar en minutos.

La arquitectura expositiva, obra de Pinja Koskelin, tejía un recorrido entre luces, sombras y materiales naturales que evocaban la fugacidad del verano escandinavo y su inevitable nostalgia. En conjunto, la muestra fue un homenaje al diseño funcional con alma poética: piezas que, más allá de su uso, activan recuerdos, emociones y una reflexión sobre cómo habitamos la naturaleza.

MUUTO: diseño escandinavo con raíces sensoriales

En su icónico showroom de Østergade, Muuto ofreció durante 3daysofdesign 2025 una experiencia envolvente que iba mucho más allá del mobiliario. Bajo el título Muuto Spaces, la firma danesa presentó una visión expandida del diseño contemporáneo, donde neuroestética, sostenibilidad y bienestar emocional se cruzaron en un mismo lenguaje visual y táctil.

El punto álgido fue Grounded in Nature, una instalación paisajística en la azotea creada en colaboración con Kinda Studios, Swell Studio y Studio Pneuma. Este oasis urbano proponía una pausa sensorial: sonidos envolventes, aromas sutiles, texturas naturales y vistas abiertas al cielo. En el centro, la Dream View Bench de Lise Vester invitaba a contemplar, soñar despierto y reconectar con los ritmos del cuerpo y del entorno.

Además, Muuto aprovechó la ocasión para anunciar a los ganadores de su primer Muuto Design Contest, una iniciativa que impulsa nuevas voces en el diseño de accesorios. Y como anticipo exclusivo, revelaron lanzamientos que verán la luz en septiembre: desde la lámpara Beam Wall de Tom Chung, hasta piezas de TAF Studio, Dimitri Bähler y Lars Tornøe.

Muuto Spaces no fue solo una muestra, sino una declaración: el diseño escandinavo continúa su evolución desde lo esencial, despertando todos los sentidos y proyectándose hacia el futuro con una sensibilidad profundamente humana.

“El diseño escandinavo sigue evolucionando desde lo esencial y mirando hacia el futuro con una sensibilidad profundamente humana.”

LINIE Design: Alfombras que susurran texturas y arquitectura

Linie Design transformó su brand store de Copenhague en un santuario de silencio táctil con Echoes of Texture, una exposición que exploró el alma de los materiales a través de una fusión poética entre el minimalismo japonés y la artesanía nórdica. Curada por la estilista danesa Pernille Vest y en colaboración con Karimoku Case, la instalación presentó las alfombras verticalmente como esculturas textiles, enmarcadas por estructuras de madera inspiradas en los torii japoneses.

La gran protagonista fue la nueva colección Woven Matter, diseñada por Norm Architects y Urd Moll Gundermann. Las piezas, confeccionadas a mano por artesanos en la India, evocaban la serenidad de la arquitectura japonesa, donde la línea y el ritmo se convierten en lenguaje emocional. «Cada hilo es una historia tejida con respeto por el material», explicó Gundermann, Directora de Diseño de la firma.

Los diseños se articularon en materiales naturales como lana, lino y yute, generando un diálogo entre lo rústico y lo refinado. Modelos como Twin Sabi, Calm Seki, Faded Noren o Still Horizon actuaban como paisajes meditativos que capturan la esencia del paso del tiempo, la luz y el silencio.

La colaboración con Norm Architects fue más allá del diseño: compartieron una filosofía basada en la atmósfera, la sensorialidad y la atemporalidad. El resultado fue una declaración visual y emocional: que el diseño puede ser calma, que la textura puede conmover y que una alfombra puede ser una experiencia arquitectónica.

FRAMA: Structures of Living

En el marco de la semana del diseño de Copenhague, FRAMA presentó Structures of Living, una profunda exploración de la arquitectura modular aplicada al día a día. Del 16 al 22 de junio, su estudio en Fredericiagade se transformó en un laboratorio vivencial que integraba de forma poli-funcional los espacios en los que dormimos, nos relajamos, comemos, trabajamos y recibimos, todo en diálogo con generaciones de pensadores como Munari, Fuller o Zittel.

La intervención, más allá de exhibición formal, buscaba cuestionar el modo tradicional de habitar — desplazando el foco del suelo a todo el volumen de la estancia — y proponía un sistema vivo, con mobiliario combinable, dimensiones adaptables y un claro propósito de sostenibilidad.

La propuesta no se quedó en las formas: FRAMA acompañó la experiencia con tres piezas nuevas — estantería de aluminio, camiseta y un ensayo impreso de FOR SCALE — y ofreció un evento al aire libre con música y selección de bebidas, reforzando la dimensión comunitaria y sensorial del proyecto. En conjunto, Structures of Living demostró que el estudio no sólo moldea objetos, sino que diseña entornos pensados para durar y para conectar profundamente con la manera en que vivimos.

BIG – Bjarke Ingels Group: Materialism, un viaje sensorial al origen de los materiales

El estudio danés BIG – Bjarke Ingels Group abrió las puertas de su sede en Copenhagen para presentar Materialism, una exposición que sirvió como una exploración sensorial de los primeros siete materiales abordados en la revista domus bajo la dirección editorial de Bjarke Ingels: piedra, tierra, hormigón, metal, vidrio, madera y tejido. Los visitantes pudimos adentrarnos en un innovador recorrido por la sede, donde cada espacio combinaba objetos, maquetas, prototipos y bloques de material crudo, generando un diálogo entre la materia y sus posibles aplicaciones en el diseño arquitectónico.

Además de la exposición, BIG ofreció sesiones interactivas y charlas íntimas para hablar sobre cómo la materia moldea significado en nuestro entorno construido. La propuesta no solo celebró la capacidad táctil y visual de los materiales, sino también su poder narrativo: cómo emergen al fusionarse con la vida cotidiana, y cómo permiten imaginar un diseño que integra lo pragmático y lo utópico. En definitiva, Materialism reflejó la visión de BIG de transformar la superficie de nuestro mundo, un material a la vez, poniendo en valor el origen de todo lo que habitamos.

(*) Imágenes proporcionadas por las marcas y por 3daysofdesign.

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