En las obras de la artista canadiense Kathryn MacNaughton, el lienzo muestra la simbiosis entre lo digital y lo analógico, debido a su formación como diseñadora gráfica. De ahí que utilice un lenguaje post-analógico protagonizado por diferentes capas, estallidos de color, siluetas, formas abstractas…

Las pinturas de MacNaughton podríamos decir que son bipolares, porque oscilan entre las luces y las sombras, lo pictórico y lo digital, o el pragmatismo y el romanticismo. Sus obras se inspiran en artistas como Robert Morris, Georgia O’Keefe, Richard Diebenkorn, Giorgio de Chirico, así como en los dibujos altamente estilizados de Patrick Nagel.

Kathryn MacNaughton (1985) se graduó en el Ontario College of Art and Design y actualmente vive en Lisboa. A lo largo de toda su trayectoria ha expuesto en Bau-Xi Gallery, Toronto; Beers London Gallery, Londres; Magma Gallery, Bolonia; Joshua Liner Gallery, Nueva York; Gardiner Museum, Toronto; Future Fair, Nueva York; y Zona Maco, Ciudad de México; entre otros.

¿Qué querías ser de mayor cuando eras pequeña?

Desde que tengo memoria, siempre quise ser artista o hacer algo creativo. Cuando era niña, me fascinaban los colores, las formas y el proceso de hacer cosas con mis manos. Mis padres alentaron mi creatividad proporcionándome materiales de arte e inscribiéndome en clases de arte. La idea de convertirme en artista siempre me pareció natural.

¿Cuándo se convirtió la pintura en tu profesión? ¿Cómo fueron tus inicios?

La pintura se convirtió en mi profesión hace unos nueve años. Antes de eso, era ilustradora y diseñadora independiente y a veces pintaba.

La verdad es que la transición a la pintura a tiempo completo fue gradual. Finalmente dejé de trabajar por cuenta propia y acepté un trabajo de barman por las noches para poder mantenerme, y eso me permitió concentrarme en pintar durante el día.

Este período fue desafiante pero emocionante, y me enseñó perseverancia y dedicación. Con el tiempo, construí un conjunto de trabajos y obtuve reconocimiento, lo que eventualmente me permitió concentrarme por completo en mi arte.

¿Cuáles son tus principales motivaciones e influencias?

Mis principales motivaciones están muy conectadas con mis sentimientos, y utilizo mi estado de ánimo para guiar mi práctica artística.

“Mis principales motivaciones están muy conectadas con mis sentimientos, y utilizo mi estado de ánimo para guiar mi práctica artística.”

Me influyen muchas cosas. Particularmente mi entorno y los colores vibrantes de Lisboa. Las experiencias e interacciones personales que desafían mi perspectiva también me inspiran. Esta combinación de emociones internas y estímulos externos alimenta mi creatividad e impulsa mi trabajo.

Tienes la capacidad de entrelazar hábilmente la pintura figurativa con una combinación de expresionismo abstracto, abstracción geométrica e incluso las convenciones de la naturaleza muerta en una declaración poética. ¿Cuál ha sido el proceso para comunicar artísticamente de esta manera?

Mi proceso creativo es intuitivo. Cuando comienzo una nueva pieza, no tengo una figura u objeto específico en mente. En cambio, dejé que la pintura se desarrollara de forma natural, permitiendo que los gestos y las formas emergieran por sí solos. Este enfoque espontáneo a menudo da como resultado formas que se asemejan a figuras y objetos, aunque no fueron colocados allí intencionalmente.

Mi experiencia en diseño todavía puede desempeña un papel relevante en este proceso. Me ayuda a mantener un fuerte sentido de la composición, asegurando que mi trabajo equilibre formas geométricas definidas con marcas de pintura fluidas y expresivas. Este equilibrio crea una interacción dinámica entre estructura y espontaneidad en mis pinturas.

A medida que avanza la pintura, respondo continuamente a lo que aparece en el lienzo, refinando y ajustando hasta que doy por terminada la composición.

“Respondo continuamente a lo que aparece en el lienzo, refinando y ajustando hasta que doy por terminada la composición.”

¿Qué recuerdas de tu época como diseñadora gráfica? ¿Se podría decir que esta simbiosis entre lo digital y lo físico viene de ahí?

Mi experiencia como diseñadora gráfica sin duda ha influido en mi recorrido artístico. Al principio, mis pinturas se parecían mucho a mi trabajo de diseño, presentando líneas precisas y formas limpias. Perseguí el perfeccionismo, esforzándome por lograr una estética pulida.

Sin embargo, con el tiempo, mi enfoque con la pintura ha evolucionado. Me he alejado de las composiciones rígidas y de bordes duros hacia un estilo más fluido y texturizado. A pesar de este cambio, la simbiosis entre lo digital y lo físico sigue siendo inherente a mi trabajo.

“La simbiosis entre lo digital y lo físico sigue siendo inherente a mi trabajo.”

Si bien ya no creo pinturas que imiten el diseño digital, sigo utilizando herramientas digitales como parte de mi proceso creativo. A menudo uso la computadora para refinar aspectos de mis pinturas, como la composición o el equilibrio de color.

En tus obras hay referencias a Robert Morris, Georgia O’Keefe, Diebenkorn o DiChirico. ¿Qué nos puedes contar al respecto?

Cada uno de estos artistas ha influido profundamente en mi trabajo. Las técnicas de vertido y las capas de color de Robert Morris inspiran mi experimentación con la pintura. Los paisajes y las formas orgánicas de Georgia O’Keeffe están presentes en mis composiciones, mientras que las pinceladas atrevidas y los colores vibrantes de Ed Clark fomentan la espontaneidad y la expresión en mis piezas.

¿Cuáles dirías que son los temas recurrentes de tu trabajo? ¿Sigues algún proceso creativo específico a la hora de abordar tus piezas artísticas?

Mi trabajo explora la forma y el movimiento mientras muestra la impactante esencia de la estructura del color.

Estas pinturas crean espacio y movimiento a través de la fusión de formas orgánicas en arreglos fluidos y rítmicos, abrazando el gestualismo y la improvisación. El proceso es impredecible y requiere que confíe en mi intuición y esté dispuesta a fallar. Es delicado y exige concentración total, ya que debo saber cuándo detenerme o seguir adelante con el trabajo, casi hasta el borde de no retorno.

Has dicho que para ti cada pieza es un viaje. ¿Qué nos puedes contar sobre eso?

Cuando empiezo una pintura, nunca sé a dónde me llevará. No tengo un plan, y a menudo, cuando comienzo, pienso que irá en una dirección, solo para que tome un camino completamente diferente.

Es muy impredecible. A veces, me sorprende dónde ha terminado una pieza. El viaje implica muchos caminos diferentes y puede incluir numerosas capas acumuladas con el tiempo.

¿Qué nos puedes adelantar sobre tu participación en Can Art Contemporary Art Now?

Sí, asistiré a la feria. Mostraré cinco o seis trabajos nuevos con Hollis Taggart de Nueva York. El trabajo está en la misma línea que mis últimas exposiciones en Londres y Toronto.

¿En qué estás trabajando en estos momentos?

De momento sigo trabajando en los cuadros para la feria.

Por cierto, ¿cuál es tu relación con las redes sociales?

Mi relación con las redes sociales se centra principalmente en el arte y la inspiración creativa. Disfruto usando plataformas como Instagram para explorar el trabajo de otros artistas, conocer sus procesos creativos y descubrir nuevas exposiciones y eventos artísticos.

Para mí es una forma valiosa de mantenerme conectado con la comunidad artística en general y de mantenerme informado sobre lo que sucede en el mundo del arte.

Intento ser consciente de cuánto tiempo paso en las redes sociales, y evito quedarme atrapada viendo historias interminables, que fácilmente pueden consumir horas de tiempo.

¿Qué opinas sobre la IA y su impacto?

La IA tiene el potencial de aportar importantes beneficios, especialmente en la atención sanitaria. Sin embargo, las preocupaciones sobre la privacidad y el riesgo de exacerbar las desigualdades sociales son preocupantes. Además, existe el temor de que la IA pueda utilizarse como arma en conflictos. Mi idea es abordar el desarrollo de la IA con precaución.

Un sueño…

Tener un lugar en el campo a las afueras de Lisboa y construir mi propio estudio.

(*) Imágenes proporcionadas por la artista.

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