RE-ACT: Boa Mistura reflexiona sobre el impacto de nuestras acciones individuales en lo colectivo
RE-ACT, el último proyecto del colectivo de artistas Boa Mistura, explora la tensión entre las acciones individuales y sus efectos en el espacio público.
Recientemente hablamos con ellos sobre este proyecto, y esto fue lo que nos contaron. Pasen y lean.
Vuestro último proyecto explora la tensión entre las acciones individuales y sus efectos en el espacio público. ¿Hasta qué punto la sociedad es consciente de su impacto y cuando lo es prefiere evadir su responsabilidad?
No se puede generalizar. Hay personas perfectamente conscientes de cómo puede afectar una decisión individual al conjunto de la sociedad, o cómo la suma de muchas individualidades, puede generar un impacto en lo colectivo, como hay personas a las que poco o nada importa cómo afecten sus decisiones al resto. Como sociedad, es cierto que parece que estamos en un momento más cercano a lo segundo.
El proyecto no busca juzgar, ni plantea de base una reflexión tan compleja. Es un juego, una representación visual de cómo lo que yo decido de forma individual, impacta en lo colectivo.
“RE-ACT es un juego, una representación visual de cómo lo que yo decido de forma individual, impacta en lo colectivo.”
Las reflexiones o diferentes lecturas a las que pueda dar pie el proyecto, ayudan a construirlo desde fuera.
¿Ha sido durante la Semana del Arte de Miami, que tuvo lugar el pasado mes de diciembre, dónde presentáis RE-ACT?
RE-ACT formó parte de la programación del Dorcam (Doral Contemporary Art Museum) durante la semana del Arte.
El proyecto lo realizamos en Laundromat Art Space, una galería y residencia para artistas emergentes ubicada en el barrio de Little Haití. El lugar era perfecto porque nos permitió ubicar las dos patas del proyecto, el mural en la calle y el políptico expuesto en el mismo espacio, lo que facilitaba la comprensión inmediata del proyecto y evitaba forzar a la gente a sumirse en los atascos infernales de la ciudad para ver el proyecto completo.
¿Qué papel ha tenido la galería PONCE+ROBLES en el proyecto?
PONCE+ROBLES es nuestra galería en Madrid. Desde que empezamos a colaborar hace más de diez años, entendieron y abrazaron lo particular de nuestra relación con el espacio expositivo al ser artistas que principalmente trabajamos en la calle.
Con PONCE+ROBLES presentamos dos proyectos que exploran la relación entre lo público y lo privado; UBUNTU en el marco de PHotoESPAÑA en 2023 y RE-VS en ARCO 2024.
Para RE-ACT nos ayudaron a aterrizar el proyecto, y a conseguir las alianzas con los agentes locales que lo han hecho posible (DORCAM y Laundromat Art Space), así como con la difusión del proyecto en diferentes círculos de coleccionistas.
¿Qué relación guarda RE-ACT con el proyecto RE-VS?
Ambos proyectos forman parte de la misma linea de investigación. Desde que empezamos a trabajar con galerías hemos tratado de encontrar maneras de vincular el espacio expositivo con nuestro principal pilar que es el trabajo en el espacio público. Esta búsqueda nos ha llevado a otro tipo de reflexiones, de las que han nacido ambos proyectos.
Tanto RE-VS como RE-ACT visualizan el impacto que tienen nuestras acciones individuales en la esfera colectiva. Partiendo de este punto común, adquieren matices diferentes; En el caso de RE-VS, cuando el coleccionista adquiría uno de los fragmentos de la obra (en ese caso, la pieza expositiva se componía de 35 piezas de arte digital), de forma inmediata borrábamos el sector correspondiente del mural. En RE-ACT, la compra del fragmento, salva del borrado el sector correspondiente del mural.
Ambos tienen en común la incertidumbre del resultado final, algo que nos parece muy excitante. Partimos de una obra terminada, pero el resultado final se escapa de nuestro control, y depende completamente de las acciones privadas de los coleccionistas.
Como comentabais, RE-ACT parte de una obra presentada en dos formatos que interactúan entre sí; un mural de gran escala, ubicado en el exterior de la galería Laundromat Art Space y una réplica fragmentada, compuesta por 35 pinturas originales a la venta. ¿Cuál fue el punto de partida para apostar por esta forma de representación?
Estos proyectos buscan representar de manera visual esa relación entre lo privado y lo público, entre lo individual y lo colectivo. La manera más explícita es partiendo de una misma obra adaptada a la diferente naturaleza de los espacios.
La fragmentación es otra práctica con la que estamos trabajando desde hace tiempo. Encontramos algo interesante también en enfrentarnos a nuestra obra descomponiéndola. En esa fragmentación aparecen muchas obras dentro de la propia obra que, estaban ahí, pero a las que de manera consciente nunca hubiésemos llegado.
Conceptualmente, la fragmentación habla de lo colectivo, de las partes individuales que construyen un todo.
¿Cuánto tiempo tardasteis en llevar a cabo el mural y la réplica? ¿Es cierto que el mural desapareció al cabo de las 48 horas y que lo retransmitisteis vía streaming? ¿qué feedback tuvisteis?
El mural lo pintamos en cuatro días, y con el políptico estuvimos dos semanas trabajándolo en nuestro estudio en Madrid.
Desde el momento en que terminamos el mural el miércoles 4 de diciembre, se enfrentaba a su desaparición, programada para el sábado 7 de diciembre. Ese día, durante una performance de tres horas que retransmitimos en streaming fuimos borrando el mural sector a sector, uno cada 6 minutos, dejando en la pared aquellos fragmentos correspondientes a las piezas vendidas del políptico. Esto generó una tensión muy interesante, porque nadie quería que el mural desapareciese, pero su permanencia no era una decisión predeterminada, había mucho de destino en ella.
Fue curioso que cuantas más ventas hubo, fue durante las 3 horas de borrado, cuando ya no había vuelta atrás y se estaba materializando esa desaparición.
Se mantuvo más del 50% del mural sin borrar, lo cual es una buena señal. Aunque para nosotros cualquier resultado era válido, desde mantener intacta la obra a su completa desaparición, pasando por todas las hipótesis intermedias.
¿Se vendieron todas las pinturas originales? ¿qué hicisteis con las que no se vendieron?
Se vendieron 21 piezas. Las no adquiridas quedan como parte de nuestro archivo, sin opción a venta.
Vuestra obra es efímera por naturaleza, porque está en el espacio público, así que para vosotros el apego hacia la misma no es posible. ¿Ha habido alguna en concreto que os haya despertado más sentimiento de pertenencia o por el contrario las configuráis así desde un inicio para que lleguen a su fin sin modificar con vuestra acción su deterioro?
La naturaleza efímera de nuestro trabajo es algo con lo que convivimos desde que empezamos a pintar graffiti a finales de los años 90.
Nunca hemos sentido el apego por la obra física. La entendemos como algo orgánico, que nace y tiene un periodo vital, a veces más largo y a veces más corto, como cualquier cosa en la vida.
“Nunca hemos sentido el apego por la obra física.”
Esto no quiere decir que no sintamos vínculo con nuestras obras, ni mucho menos, pero el vínculo tiene más que ver con el proceso, con la memoria y con el lugar y las personas que forman el ecosistema de la obra.
Por lo general, trabajamos pensando en que las obras duren el mayor tiempo posible, utilizando los materiales adecuados para cada lugar y preparando los soportes de la mejor manera. Pero sin un mantenimiento y si nada lo acelera, lo habitual es que a los ocho o diez años, esa obra vaya desapareciendo.
Algunas de nuestras piezas han cumplido ya ese ciclo, y y en los últimos dos años nos han vuelto a llamar de varios lugares para restaurarlas.
Siempre proponemos hacer una obra nueva, siguiendo tal vez el concepto existente pero adaptado a una línea de trabajo actual, pero el 100% de las veces, han querido mantener la obra original sin ningún cambio.
Para nosotros es más complicado ponernos el disfraz de los Boa Mistura de hace una década que empezar de cero un proyecto (el año pasado tuvimos que restaurar un graffiti de hace 15 años), pero por otro lado, es bonito y gratificante ver como el lugar ha abrazado y ha incorporado tan profundamente esa obra, que quieren mantenerla tal cual.
¿Cómo os gustaría que luciesen nuestras calles en lugar de convivir constantemente con publicidad y reclamos que lo único que fomentan es el deseo y la necesidad de consumir? ¿Hay alguna ciudad que hayáis visitado en la que esto esté regulado de alguna manera y sea un ejemplo para vosotros?
Las ciudades las entendemos como organismos vivos, creadas y habitadas por seres humanos. Para nosotros una ciudad más humana es una ciudad en la que las personas que las habitan interactúan y se relacionan con su espacio público.
Las ciudades sin arte en la calle, incluso sin graffiti son ciudades a las que les falta alma, sentimos que son lugares en los que nadie tiene nada que decir.
Expresarse en las calles es sinónimo de inspiración, de agitación, de protesta, es un acto de amor, de rabia, un «yo existo»… todo sentimientos tan humanos que, si no están, es como si la ciudad estuviese muerta.
“Las ciudades sin arte en la calle, incluso sin graffiti son ciudades a las que les falta alma.”
Tras casi 25 años en activo, ¿en qué punto estáis en este momento?
Estamos en un momento vital tranquilo.
Hemos pasado épocas de muchísima intensidad, de estar más de doscientos cincuenta días fuera de casa cambiando de uso horario cada dos o tres semanas. Épocas de mucha necesidad, en las que teníamos un pijama en el estudio porque no nos daban las horas del día para sacar a flote el mes.
A medida que hemos ido creciendo, como personas y como artistas, hemos ido despojando a nuestro trabajo de mucha presión, y algo muy importante, incorporando el error como parte del proceso, del aprendizaje.
Hoy entendemos que lo que hacemos no tiene tanta importancia ni tanta relevancia, y que lo importante es disfrutarlo. Estamos en un momento en el que sobre todo buscamos ser honestos con nuestro trabajo, hacerlo lo mejor que podamos y disfrutarlo. Todo lo demás, la trascendencia de las obras, la buena acogida y el impacto es algo que se escapa a nuestro control. Pero si nos hemos divertido y hemos aprendido cosas, ese día podemos dormir tranquilos, siempre sintiéndonos tremendamente privilegiados de poder vivir de lo que más nos gusta hacer :-)
“Hoy entendemos que lo que hacemos no tiene tanta importancia, y que lo importante es disfrutarlo.”
¿Podéis adelantarnos algo sobre los proyectos en los que estáis trabajando?
Acabamos de llegar de Italia, de hacer un proyecto con la comunidad educativa de dos pueblecitos.
Solemos emplear las primeras semanas del año para reorganizarnos y poner cariño al calendario de los meses siguientes. Suenan por ahí París, Belgrado, Santander, Portugal… parece que vamos a tener un bonito 2025.
Sobre Boa Mistura
Boa Mistura es un colectivo artístico con raíces en el graffiti nacido en Madrid a finales de 2001.
Su obra se desarrolla principalmente en el espacio público. Entienden su trabajo como un catalizador para transformar la ciudad, alterando las relaciones de las personas con el lugar en el que viven, así como los lazos que existen entre ellas.
Boa Mistura se inspira en los múltiples significados de los espacios públicos y utiliza un lenguaje visual rico en color, apoyado en la geometría y la palabras para comunicarse con los espectadores. A menudo, sus obras invitan al espectador a participar activamente, convirtiéndolo en una parte esencial del impacto final de cada proyecto.
Sobre PONCE+ROBLES
Raquel Ponce (Madrid, 1971) y José Robles (Madrid, 1963) decidieron unir fuerzas cuando ambos llevaban una larga trayectoria como galeristas por separado, dando lugar al nacimiento en 2013 de la actual Galería PONCE+ROBLES.
Sus principales objetivos son impulsar la presencia internacional de artistas españoles y posicionar en nuestro mercado lo último del arte latinoamericano, a través de muestras individuales y colectivas comisariadas, así como de promover proyectos artísticos institucionales.
Sobre DORCAM (Doral Contemporary Art Museum)
El Museo de Arte Contemporáneo de Doral (DORCAM) es un centro dinámico para el arte, la cultura y la educación, dedicado a celebrar la rica diversidad y la creatividad sin límites de la comunidad de Doral.
A través de su programa de exposiciones e iniciativas educativas, DORCAM invita a los visitantes a descubrir un arte contemporáneo que refleja y combina una amplia variedad de perspectivas culturales.
Sobre Laundromat
Establecida en 2015 en una antigua lavandería del barrio de Little Haití, Laundromat Art Space es una organización dirigida por artistas dedicada a fomentar el crecimiento de artistas locales. Su misión es generar oportunidades curatoriales innovadoras y programación artística para la comunidad.
Y mediante su calendario de exposiciones locales, nacionales e internacionales, Laundromat tiene el compromiso de fomentar la colaboración entre artistas multidisciliplinares en un inspirador entorno.
(*) Imágenes proporcionadas por Boa Mistura.
