{"id":88750,"date":"2025-07-09T18:52:37","date_gmt":"2025-07-09T18:52:37","guid":{"rendered":"https:\/\/ccmagazine.es\/?p=88750"},"modified":"2025-07-09T19:16:06","modified_gmt":"2025-07-09T19:16:06","slug":"3daysofdesign-2025-diseno-con-proposito-1-2","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/ccmagazine.es\/es\/3daysofdesign-2025-diseno-con-proposito-1-2\/","title":{"rendered":"3daysofdesign 2025: Dise\u00f1o con prop\u00f3sito (1\/2)"},"content":{"rendered":"

La edici\u00f3n de este a\u00f1o no solo mostr\u00f3 dise\u00f1o: lo encarn\u00f3<\/strong>. A lo largo de los ocho Distritos de Dise\u00f1o de la ciudad, una rica programaci\u00f3n de instalaciones inmersivas, estudios abiertos, recorridos guiados, encuentros en azoteas y conversaciones significativas revelaron lo que el dise\u00f1o puede lograr cuando est\u00e1 impulsado por la autenticidad y el prop\u00f3sito.<\/p>\n

Desde estudios consolidados hasta talentos emergentes, cada participante ofreci\u00f3 no solo productos, sino ideas cargadas de significado, emoci\u00f3n y relevancia social. El festival dej\u00f3 claro su mensaje: el dise\u00f1o no va de estatus, jerarqu\u00eda o exclusividad\u2014va de personas. Va de ser inclusivo, sostenible, humano.<\/p>\n

\u00abLa inspiraci\u00f3n fluy\u00f3 libremente en cada rinc\u00f3n de la ciudad\u00bb<\/em>, se\u00f1al\u00f3 Signe Byrdal Terenziani<\/em><\/a>, directora general de 3daysofdesign<\/em>. \u00abEste a\u00f1o hemos presenciado una expresi\u00f3n colectiva de creatividad en su forma m\u00e1s transformadora: curiosa, valiente y profundamente colaborativa\u00bb<\/em>.<\/p>\n

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El lema KEEP IT REAL<\/em> reson\u00f3 como un hilo conductor en cada exposici\u00f3n y experiencia<\/strong>: en los materiales utilizados, en la artesan\u00eda mostrada, en las historias compartidas y en los v\u00ednculos sinceros que se forjaron. Desde una exploraci\u00f3n t\u00e1ctil de texturas naturales hasta una instalaci\u00f3n introspectiva sobre el bienestar mental, el dise\u00f1o no solo se vio\u2014se sinti\u00f3.<\/p>\n

M\u00e1s que un evento de dise\u00f1o, 3daysofdesign 2025<\/em> fue un fen\u00f3meno cultural, que convirti\u00f3 la ciudad entera en una plataforma viva de ideas. Y aunque las cifras demuestran su enorme alcance e impacto, lo que realmente defini\u00f3 esta edici\u00f3n fue algo mucho m\u00e1s intangible: un profundo sentido compartido de prop\u00f3sito y conexi\u00f3n.<\/p>\n

\u00bfEl resultado? Una poderosa demostraci\u00f3n de que el gran dise\u00f1o no divide\u2014une.<\/p>\n

Ahora, mientras el mundo del dise\u00f1o ya espera la pr\u00f3xima edici\u00f3n (del 10 al 12 de junio de 2026), una cosa est\u00e1 clara: en Copenhague, el dise\u00f1o no solo ha encontrado un hogar, sino tambi\u00e9n un latido.<\/p>\n

Novedades y presentaciones<\/h6>\n

Como os pod\u00e9is imaginar, fueron innumerables las propuestas, lanzamientos e instalaciones memorables que marcaron esta edici\u00f3n. Por eso, hemos hecho una selecci\u00f3n de las inspiraciones m\u00e1s destacadas del festival.
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Aqu\u00ed empieza nuestro primer recorrido por las marcas, los espacios y las ideas que m\u00e1s nos emocionaron en esta vibrante edici\u00f3n de 3daysofdesign 2025<\/em>.<\/u><\/p>\n

INTERMEZZO: una pausa sensorial en pleno coraz\u00f3n de Copenhague<\/strong><\/p>\n

Entre las experiencias m\u00e1s evocadoras de 3daysofdesign<\/em>, Intermezzo<\/em><\/a> brill\u00f3 por su capacidad de transformar lo cotidiano en algo po\u00e9tico. Ubicada en la planta baja de un aparcamiento industrial en Vognmagergade 5, esta instalaci\u00f3n ef\u00edmera ofreci\u00f3 un refugio inesperado donde la luz natural, las telas reutilizadas y los sonidos ambientales se entrelazaban en una coreograf\u00eda de calma y contemplaci\u00f3n.<\/p>\n

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Concebida por la dise\u00f1adora espacial Yasmin Edgecombe<\/em> en colaboraci\u00f3n con el estudio textil ARNE AKSEL<\/em><\/a>, Intermezzo<\/em> reinterpret\u00f3 la idea de un reloj solar: dejando que la luz y la sombra definieran el ritmo del espacio, invitando a los visitantes a frenar, respirar y entregarse al presente. Como explic\u00f3 el propio ARNE AKSEL<\/em>: \u00abQuer\u00edamos crear un lugar en el que nunca antes hayas estado, para pensar cosas que nunca antes hab\u00edas pensado\u00bb<\/em>.<\/p>\n

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M\u00e1s que una exposici\u00f3n, Intermezzo<\/em> fue una pausa l\u00fadica y sensorial en medio del bullicio del dise\u00f1o. En este oasis donde \u00abla creatividad baila entre l\u00edneas\u00bb<\/em>, participaron marcas como Loom Design<\/em> (Dinamarca), it\u2019s about ROMI<\/em> (Pa\u00edses Bajos), Triple Bottom Line<\/em> (Jap\u00f3n), Marco Zelli<\/em><\/a> (Suiza), Marset<\/em> (Espa\u00f1a), Friends & Founders<\/em> (Dinamarca), Manu Matters<\/em> (Suecia), Jeroen De Ruddere<\/em> (B\u00e9lgica) y Hollis + Morris<\/em> (Canad\u00e1).<\/p>\n

Minimalismo intencionado, honestidad material y una arquitectura sin artificios fueron las claves de un espacio donde nada sobraba y todo ten\u00eda prop\u00f3sito. Intermezzo<\/em> nos record\u00f3 que el dise\u00f1o tambi\u00e9n puede ser un acto de pausa, de escucha y de juego.<\/p>\n

TEKLA x Modern Romance: poes\u00eda bordada en Charlottenborg<\/strong><\/p>\n

Tekla<\/em><\/a> present\u00f3 su exposici\u00f3n Modern Romance<\/em>, transformando el hist\u00f3rico Palacio de Charlottenborg en un santuario de calma y sensibilidad textil. En colaboraci\u00f3n con el estudio Mentze Ottenstein<\/em> y con m\u00fasica de Astrid Sonne<\/em>, la firma danesa mostr\u00f3 su nueva colecci\u00f3n Broderie Anglaise<\/em>, una delicada evoluci\u00f3n de su ic\u00f3nica ropa de cama.<\/p>\n

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Volviendo a los or\u00edgenes \u2014\u00abtodo comienza con la cama\u00bb<\/em>, dec\u00eda su cofundador Kristoffer Juhl<\/em>\u2014, Tekla<\/em> explor\u00f3 las posibilidades decorativas del bordado ingl\u00e9s a trav\u00e9s de fundas, cojines y s\u00e1banas confeccionadas en algod\u00f3n org\u00e1nico y bordadas con detalles que evocan lo artesanal y lo \u00edntimo. Camas y tumbonas de nogal, hechas por carpinteros georgianos, aportaban un aire escult\u00f3rico al espacio.<\/p>\n

La colecci\u00f3n celebra la belleza de lo cotidiano con un lenguaje m\u00e1s rom\u00e1ntico y expresivo, pero fiel al ADN minimalista de la marca. Entre volantes, calados y aromas a pot-pourri<\/em>, Tekla<\/em> ofreci\u00f3 una experiencia sensorial que une dise\u00f1o, historia y emoci\u00f3n.<\/p>\n

VIPP x STUDIO KO: el alma de la cocina y la po\u00e9tica de los materiales<\/strong><\/p>\n

Una de las colaboraciones m\u00e1s sofisticadas y sorprendentes de esta edici\u00f3n fue la protagonizada por la firma danesa Vipp<\/em><\/a> y el c\u00e9lebre estudio de arquitectura Studio KO<\/em>. En esta ocasi\u00f3n, presentaron una casa de hu\u00e9spedes ef\u00edmera que desaf\u00eda la idea tradicional de hogar. Oculta tras una fachada de madera quemada \u2014una t\u00e9cnica ancestral\u2014 y situada en un antiguo garaje, la instalaci\u00f3n rend\u00eda homenaje a la cocina como n\u00facleo vital del hogar. El ic\u00f3nico sistema de cocina Vipp V1<\/em> se present\u00f3 en una versi\u00f3n in\u00e9dita revestida en cobre, enmarcada por una arquitectura brutalista y elegante a la vez.<\/p>\n

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El espacio, dise\u00f1ado para despertar todos los sentidos, combinaba formas puras escandinavas con texturas, olores y sonidos que evocaban otras culturas. Studio KO<\/em> \u2014autores del Museo Yves Saint Laurent<\/em> de Marrakech\u2014 aport\u00f3 su narrativa de materiales y contrastes, creando una experiencia sensorial que, como expres\u00f3 Karl Fournier<\/em>, \u00abevoca todo lo que es central en nuestra imaginaci\u00f3n colectiva: compartir comidas y el arte de cocinar\u00bb<\/em>.<\/p>\n

HEM: dise\u00f1o modular que une personas<\/strong><\/p>\n

Celebrando su d\u00e9cimo aniversario, la firma independiente HEM<\/em><\/a> present\u00f3 en 3daysofdesign<\/em> una de las colecciones m\u00e1s estimulantes del festival: Palma Pouf<\/em>, de la dise\u00f1adora brit\u00e1nico-ghanesa Kusheda Mensah<\/em>. Esta serie de asientos modulares, con formas org\u00e1nicas y esp\u00edritu l\u00fadico, est\u00e1 pensada para fomentar la conexi\u00f3n humana. Inspirada en su obra Mutual I<\/em>, Mensah transforma sus esculturas en mobiliario t\u00e1ctil y acogedor, concebido no solo para sentarse, sino para conversar, compartir y crear v\u00ednculos.<\/p>\n

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Cada m\u00f3dulo permite m\u00faltiples posiciones y acomoda varios cuerpos a la vez, generando una atm\u00f3sfera cercana, informal e inclusiva. \u00abEs un sue\u00f1o hecho realidad debutar en 3daysofdesign con esta colecci\u00f3n\u00bb<\/em>, afirm\u00f3 Mensah<\/em>. M\u00e1s que un asiento, Palma Pouf<\/em> es una declaraci\u00f3n emocional: dise\u00f1o como veh\u00edculo de encuentro.<\/p>\n

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TABLEAU x PROJECT MATERIA: el alma de los materiales, del pasado al presente<\/strong><\/p>\n

En un elegante patio de Copenhague, Project <\/em>Materia<\/em> propuso una de las reflexiones m\u00e1s profundas del festival. La exposici\u00f3n, fruto de la colaboraci\u00f3n entre Tableau<\/em><\/a> y \u00c9dition Solenne<\/em><\/a>, reuni\u00f3 a nueve artistas internacionales para explorar tres materiales esenciales en la historia del arte: bronce, m\u00e1rmol y vidrio. La propuesta no solo rindi\u00f3 homenaje a su legado \u2014de los talleres de Pietrasanta a la alquimia del vidrio soplado de Murano\u2014 sino que los reactiv\u00f3 a trav\u00e9s de obras que desdibujan los l\u00edmites entre arte, dise\u00f1o y funci\u00f3n.<\/p>\n

Desde las formas digitales y on\u00edricas de Andr\u00e9s Reisinger<\/em> hasta las cer\u00e1micas introspectivas de Cathrine Raben Davidsen<\/em> o los objetos crom\u00e1ticos de Helle Mardahl<\/em>, Project <\/em>Materia fue un viaje sensorial y conceptual. La exposici\u00f3n plante\u00f3 una pregunta crucial: \u00bfqu\u00e9 nos dicen hoy los materiales que han dado forma a la historia del arte? Una experiencia que revaloriza el origen, el proceso y la intenci\u00f3n detr\u00e1s de cada obra.<\/p>\n

LEE BROOM: una mirada \u00edntima al pasado, presente y futuro del dise\u00f1o<\/strong><\/p>\n

En su esperado debut en 3daysofdesign<\/em>, el dise\u00f1ador brit\u00e1nico Lee Broom<\/em><\/a> deslumbr\u00f3 con From Here Now<\/em>, una exposici\u00f3n inmersiva instalada en la hist\u00f3rica Asia House<\/em> de Copenhague. M\u00e1s que una muestra de producto, fue un viaje narrativo por su evoluci\u00f3n creativa, desde piezas ic\u00f3nicas reinterpretadas \u2014como la l\u00e1mpara Crescent en lat\u00f3n ennegrecido o la Orion en lat\u00f3n antiguo\u2014 hasta el lanzamiento mundial de Chant<\/em>, su primera l\u00e1mpara port\u00e1til.<\/p>\n

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El espacio evocaba la casa abandonada de un explorador, con cajas de madera abiertas, objetos encontrados y una atm\u00f3sfera casi cinematogr\u00e1fica que combinaba historia, dise\u00f1o y emoci\u00f3n. Cada rinc\u00f3n invitaba al descubrimiento y al asombro. From Here Now<\/em> no solo celebr\u00f3 el recorrido de una d\u00e9cada, sino que reafirm\u00f3 a Lee Broom<\/em> como uno de los grandes narradores del dise\u00f1o contempor\u00e1neo.<\/p>\n

NAU DESIGN: el alma del dise\u00f1o australiano aterriza en Copenhague<\/strong><\/p>\n

En su debut europeo, la firma australiana NAU Design<\/a><\/em>\u00a0aterriz\u00f3 en Copenhague con una muestra impecable que captur\u00f3 la esencia del dise\u00f1o contempor\u00e1neo del otro hemisferio. Presentada en la Galerie Mikael Andersen<\/em>, la exposici\u00f3n reuni\u00f3 piezas emblem\u00e1ticas de su cat\u00e1logo \u2014como el sof\u00e1 Aran<\/em> o la butaca Fat Tulip<\/em> de Adam Goodrum<\/em>\u2014 junto con los nuevos lanzamientos del dise\u00f1ador Tom Fereday<\/em>: la colecci\u00f3n Cove<\/em>, con su elegante estructura en madera maciza y l\u00edneas suaves, y la l\u00e1mpara Nola<\/em>, una joya escult\u00f3rica en cristal fundido y piedra natural que emite una luminosidad c\u00e1lida y envolvente.<\/p>\n

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Con un enfoque que privilegia la sencillez, la honestidad material y el confort como eje central, NAU<\/em> ofreci\u00f3 una experiencia de dise\u00f1o c\u00e1lida, sofisticada y profundamente sensorial. \u00abQueremos mostrar que el dise\u00f1o australiano puede ser contempor\u00e1neo, accesible y emocionalmente resonante\u00bb<\/em>, explic\u00f3 su fundador Richard Munao<\/em>. Una entrada triunfal a la escena europea que dej\u00f3 huella.<\/p>\n

THE HUB BY MAZO: redise\u00f1ando el espacio de trabajo desde Copenhague<\/strong><\/p>\n

La marca danesa Mazo Design<\/em><\/a> present\u00f3 THE HUB<\/em>.\u00a0En colaboraci\u00f3n con Bodum<\/em> y el estudio de interiores de Nathalie Schwer<\/em>, el showroom<\/em> de Mazo Design<\/em> se transform\u00f3 en un laboratorio de trabajo contempor\u00e1neo: una oficina viva, cambiante, funcional y emocional. Dividido en zonas que iban desde estaciones al aire libre hasta caf\u00e9s y \u00e1reas de enfoque profundo, THE HUB <\/em>demostr\u00f3 que trabajar tambi\u00e9n puede ser bello, placentero y adaptativo. El coraz\u00f3n de la instalaci\u00f3n fue el debut de la colecci\u00f3n de sillas MAG<\/em>, dise\u00f1adas para un equilibrio perfecto entre ergonom\u00eda, versatilidad y estilo.<\/p>\n

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Bodum<\/em> aport\u00f3 su ic\u00f3nica est\u00e9tica con piezas en acero, vidrio y madera, incluida una edici\u00f3n limitada de su French Press<\/em> con mango de nogal. Bajo la direcci\u00f3n de Nathalie Schwer<\/em>, el espacio se sinti\u00f3 humano, sensorial y profundamente relevante: un ejemplo de c\u00f3mo el dise\u00f1o puede reconfigurar nuestros ritmos laborales con honestidad y belleza.<\/p>\n

HAY x EMMA KOHLMANN: cuando el arte se sirve en la mesa<\/strong><\/p>\n

En esta edici\u00f3n, HAY<\/em><\/a> sorprendi\u00f3 con La Pittura<\/em>, una colecci\u00f3n de cer\u00e1mica pintada a mano que borra los l\u00edmites entre el arte y la vida cotidiana. Dise\u00f1ada por la artista estadounidense Emma Kohlmann<\/em><\/a>, la colecci\u00f3n abarca desde platos y tazas hasta jarras, cuencos y floreros, cada uno decorado con pinceladas espont\u00e1neas y motivos llenos de emoci\u00f3n.<\/p>\n

Producida artesanalmente en Sri Lanka, cada pieza es \u00fanica: peque\u00f1as variaciones en color, forma o trazo revelan el car\u00e1cter humano de la obra. \u00abNo hay nada perfecto en estas piezas, porque est\u00e1n hechas por personas\u00bb<\/em>, se\u00f1ala Kohlmann<\/em>. La colecci\u00f3n se inspira tanto en la cer\u00e1mica toscana renacentista como en recuerdos de infancia en el MET<\/em>, y conecta con una idea \u00edntima y sensorial del dise\u00f1o dom\u00e9stico.<\/p>\n

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Mette Hay<\/em> descubri\u00f3 el trabajo de Kohlmann<\/em> en la galer\u00eda V1 de Copenhague y enseguida supo que quer\u00eda llevar su imaginario al mundo funcional de la mesa. La Pittura<\/em> no es ni una serie de arte ni simple decoraci\u00f3n: es una experiencia que transforma lo cotidiano en algo extraordinario.<\/p>\n

LOUIS POULSEN: luz emocional, herencia escandinava y nuevas perspectivas<\/strong><\/p>\n

La legendaria firma danesa Louis Poulsen<\/em><\/a> volvi\u00f3 a demostrar por qu\u00e9 su nombre sigue siendo sin\u00f3nimo de excelencia lum\u00ednica. Su participaci\u00f3n brill\u00f3 en dos actos complementarios: por un lado, \u00abCircle Dome Square\u00bb<\/em>, una instalaci\u00f3n inmersiva y po\u00e9tica creada por el artista dan\u00e9s Henrik Vibskov<\/em><\/a>; por otro, la presentaci\u00f3n de Rumee<\/em>, una nueva l\u00e1mpara port\u00e1til dise\u00f1ada por Gabriel Tan<\/em><\/a> que marca un punto de inflexi\u00f3n en el cat\u00e1logo contempor\u00e1neo de la firma.<\/p>\n

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Inspirado por la legendaria l\u00e1mpara Panthella<\/em> de Verner Panton<\/em>, Vibskov<\/em> reimagin\u00f3 el lenguaje visual de Louis Poulsen<\/em> desde su universo teatral y sensorial. \u00abLa instalaci\u00f3n parte del universo de Panton, sus formas, sus colores. Pero tambi\u00e9n del acorde\u00f3n, de c\u00e1maras antiguas, de los pan\u00f3pticos\u00bb<\/em>, nos explic\u00f3. En esta obra, el textil cobra protagonismo como elemento estructural, est\u00e9tico y espacial. \u00abSiempre intento incluir textiles en mis instalaciones. Aqu\u00ed los usamos para extruir formas cl\u00e1sicas y crear sombras inesperadas\u00bb<\/em>. El resultado fue un espacio sorprendente, donde el espectador era invitado a descubrir peque\u00f1os secretos y cambios de escala, como si se adentrara en un mundo suspendido entre la escultura y la escenograf\u00eda.<\/p>\n

En paralelo, el dise\u00f1ador Gabriel Tan<\/em> \u2014de ra\u00edces singapurenses y alma n\u00f3mada entre Asia y Europa\u2014 present\u00f3 Rumee<\/em>, una l\u00e1mpara port\u00e1til que cuestiona las convenciones formales y funcionales del dise\u00f1o de iluminaci\u00f3n. \u00abMuchos modelos actuales ofrecen luz radial. Yo quer\u00eda una l\u00e1mpara con luz direccional, m\u00e1s suave, m\u00e1s humana\u00bb<\/em>, explic\u00f3. Su dise\u00f1o parte de la experiencia cotidiana: c\u00f3mo la luz cambia seg\u00fan el lugar, la hora, o el uso. Desde una potente LED escondida en el tallo que proyecta hacia la c\u00fapula, Rumee<\/em> emite una luz que puede rotarse y ajustarse seg\u00fan la necesidad. No es una l\u00e1mpara para dejar est\u00e1tica, sino para tocar, mover, usar.<\/p>\n

Lo m\u00e1s conmovedor es c\u00f3mo Tan<\/em> ancla el dise\u00f1o en recuerdos personales: \u00abEn Singapur, cuando ni\u00f1o, hab\u00eda apagones durante las tormentas. Recuerdo bajar con la linterna de mi padre, c\u00f3mo se sent\u00eda en mi mano\u2026 Quer\u00eda recuperar esa sensaci\u00f3n reconfortante con el mango de Rumee\u00bb<\/em>. El resultado es una pieza que, aunque t\u00e9cnicamente innovadora, se siente emocionalmente familiar. \u00abMe alegra que algunas personas vean en ella un sombrero, una mariquita o un hongo. Es una forma abstracta que cada uno interpreta a su manera\u00bb<\/em>.<\/p>\n

Esta edici\u00f3n de 3daysofdesign<\/em> dej\u00f3 claro que Louis Poulsen<\/em> no se limita a reproducir su legado, sino que lo reinventa desde la ra\u00edz: con nuevas voces, nuevos materiales, y una misma devoci\u00f3n por la luz como experiencia profundamente humana.<\/p>\n

10 DAYS OF SUMMER: poes\u00eda finlandesa para habitar el exterior n\u00f3rdico<\/strong><\/p>\n

Cuando el verano llega al norte, la vida migra al exterior: terrazas, balcones, parques y archipi\u00e9lagos se convierten en nuevos salones de estar. En este contexto, la exposici\u00f3n 10 Days of Summer<\/em><\/a>, organizada por el Instituto Cultural Finland\u00e9s<\/em> en Dinamarca y comisariada por Anne Blond<\/em> (directora del Museo Wegner<\/em>), celebr\u00f3 en 3daysofdesign 2025<\/em> la belleza ef\u00edmera y contradictoria del verano n\u00f3rdico.<\/p>\n

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Doce dise\u00f1adores finlandeses o radicados en Finlandia presentaron objetos cotidianos y mobiliario pensados para una vida al aire libre cambiante, sensible y funcional. Desde refugios de privacidad en entornos urbanos densos hasta soluciones ligeras, plegables o resistentes al viento y la lluvia, cada pieza respond\u00eda al desaf\u00edo de dise\u00f1ar para un clima que puede cambiar en minutos.<\/p>\n

La arquitectura expositiva, obra de Pinja Koskelin<\/em>, tej\u00eda un recorrido entre luces, sombras y materiales naturales que evocaban la fugacidad del verano escandinavo y su inevitable nostalgia. En conjunto, la muestra fue un homenaje al dise\u00f1o funcional con alma po\u00e9tica: piezas que, m\u00e1s all\u00e1 de su uso, activan recuerdos, emociones y una reflexi\u00f3n sobre c\u00f3mo habitamos la naturaleza.<\/p>\n

MUUTO: dise\u00f1o escandinavo con ra\u00edces sensoriales<\/strong><\/p>\n

En su ic\u00f3nico showroom de \u00d8stergade, Muuto<\/em><\/a> ofreci\u00f3 durante 3daysofdesign 2025<\/em> una experiencia envolvente que iba mucho m\u00e1s all\u00e1 del mobiliario. Bajo el t\u00edtulo Muuto Spaces<\/em>, la firma danesa present\u00f3 una visi\u00f3n expandida del dise\u00f1o contempor\u00e1neo, donde neuroest\u00e9tica, sostenibilidad y bienestar emocional se cruzaron en un mismo lenguaje visual y t\u00e1ctil.<\/p>\n

El punto \u00e1lgido fue Grounded in Nature<\/em>, una instalaci\u00f3n paisaj\u00edstica en la azotea creada en colaboraci\u00f3n con Kinda Studios<\/em>, Swell Studio<\/em> y Studio Pneuma<\/em>. Este oasis urbano propon\u00eda una pausa sensorial: sonidos envolventes, aromas sutiles, texturas naturales y vistas abiertas al cielo. En el centro, la Dream View Bench<\/em> de Lise Vester<\/em> invitaba a contemplar, so\u00f1ar despierto y reconectar con los ritmos del cuerpo y del entorno.<\/p>\n

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Adem\u00e1s, Muuto<\/em> aprovech\u00f3 la ocasi\u00f3n para anunciar a los ganadores de su primer Muuto Design Contest<\/em>, una iniciativa que impulsa nuevas voces en el dise\u00f1o de accesorios. Y como anticipo exclusivo, revelaron lanzamientos que ver\u00e1n la luz en septiembre: desde la l\u00e1mpara Beam Wall<\/em> de Tom Chung<\/em>, hasta piezas de TAF Studio<\/em>, Dimitri B\u00e4hler<\/em> y Lars Torn\u00f8e<\/em>.<\/p>\n

Muuto Spaces<\/em> no fue solo una muestra, sino una declaraci\u00f3n: el dise\u00f1o escandinavo contin\u00faa su evoluci\u00f3n desde lo esencial, despertando todos los sentidos y proyect\u00e1ndose hacia el futuro con una sensibilidad profundamente humana.<\/p>\n

\u201cEl dise\u00f1o escandinavo sigue evolucionando desde lo esencial y mirando hacia el futuro con una sensibilidad profundamente humana.\u201d<\/h2>\n

LINIE Design: Alfombras que susurran texturas y arquitectura<\/strong><\/p>\n

Linie Design<\/em><\/a> transform\u00f3 su brand store de Copenhague en un santuario de silencio t\u00e1ctil con Echoes of Texture<\/em>, una exposici\u00f3n que explor\u00f3 el alma de los materiales a trav\u00e9s de una fusi\u00f3n po\u00e9tica entre el minimalismo japon\u00e9s y la artesan\u00eda n\u00f3rdica. Curada por la estilista danesa Pernille Vest<\/em> y en colaboraci\u00f3n con Karimoku Case<\/em><\/a>, la instalaci\u00f3n present\u00f3 las alfombras verticalmente como esculturas textiles, enmarcadas por estructuras de madera inspiradas en los torii<\/em> japoneses.<\/p>\n

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La gran protagonista fue la nueva colecci\u00f3n Woven Matter<\/em>, dise\u00f1ada por Norm Architects<\/em><\/a> y Urd Moll Gundermann<\/em>. Las piezas, confeccionadas a mano por artesanos en la India, evocaban la serenidad de la arquitectura japonesa, donde la l\u00ednea y el ritmo se convierten en lenguaje emocional. \u00abCada hilo es una historia tejida con respeto por el material\u00bb<\/em>, explic\u00f3 Gundermann<\/em>, Directora de Dise\u00f1o de la firma.<\/p>\n

Los dise\u00f1os se articularon en materiales naturales como lana, lino y yute, generando un di\u00e1logo entre lo r\u00fastico y lo refinado. Modelos como Twin Sabi<\/em>, Calm Seki<\/em>, Faded Noren<\/em> o Still Horizon<\/em> actuaban como paisajes meditativos que capturan la esencia del paso del tiempo, la luz y el silencio.<\/p>\n

La colaboraci\u00f3n con Norm Architects<\/em> fue m\u00e1s all\u00e1 del dise\u00f1o: compartieron una filosof\u00eda basada en la atm\u00f3sfera, la sensorialidad y la atemporalidad. El resultado fue una declaraci\u00f3n visual y emocional: que el dise\u00f1o puede ser calma, que la textura puede conmover y que una alfombra puede ser una experiencia arquitect\u00f3nica.<\/p>\n

FRAMA: Structures of Living<\/strong><\/p>\n

En el marco de la semana del dise\u00f1o de Copenhague, FRAMA<\/em><\/a> present\u00f3 Structures of Living<\/em>, una profunda exploraci\u00f3n de la arquitectura modular aplicada al d\u00eda a d\u00eda. Del 16 al 22 de junio, su estudio en Fredericiagade se transform\u00f3 en un laboratorio vivencial que integraba de forma poli-funcional los espacios en los que dormimos, nos relajamos, comemos, trabajamos y recibimos, todo en di\u00e1logo con generaciones de pensadores como Munari<\/em>, Fuller<\/em> o Zittel<\/em>.<\/p>\n

\"\"<\/p>\n

La intervenci\u00f3n, m\u00e1s all\u00e1 de exhibici\u00f3n formal, buscaba cuestionar el modo tradicional de habitar \u2014 desplazando el foco del suelo a todo el volumen de la estancia \u2014 y propon\u00eda un sistema vivo, con mobiliario combinable, dimensiones adaptables y un claro prop\u00f3sito de sostenibilidad.<\/p>\n

La propuesta no se qued\u00f3 en las formas: FRAMA a<\/em>compa\u00f1\u00f3 la experiencia con tres piezas nuevas \u2014 estanter\u00eda de aluminio, camiseta y un ensayo impreso de FOR SCALE<\/em> \u2014 y ofreci\u00f3 un evento al aire libre con m\u00fasica y selecci\u00f3n de bebidas, reforzando la dimensi\u00f3n comunitaria y sensorial del proyecto.\u00a0En conjunto, Structures of Living<\/em> demostr\u00f3 que el estudio no s\u00f3lo moldea objetos, sino que dise\u00f1a entornos pensados para durar y para conectar profundamente con la manera en que vivimos.<\/p>\n

BIG \u2013 Bjarke Ingels Group: Materialism<\/em>, un viaje sensorial al origen de los materiales<\/strong><\/p>\n

El estudio dan\u00e9s BIG \u2013 Bjarke Ingels Group<\/em><\/a> abri\u00f3 las puertas de su sede en Copenhagen para presentar Materialism<\/em>, una exposici\u00f3n que sirvi\u00f3 como una exploraci\u00f3n sensorial de los primeros siete materiales abordados en la revista domus<\/em> bajo la direcci\u00f3n editorial de Bjarke Ingels<\/em>: piedra, tierra, hormig\u00f3n, metal, vidrio, madera y tejido. Los visitantes pudimos adentrarnos en un innovador recorrido por la sede, donde cada espacio combinaba objetos, maquetas, prototipos y bloques de material crudo, generando un di\u00e1logo entre la materia y sus posibles aplicaciones en el dise\u00f1o arquitect\u00f3nico.<\/p>\n

Adem\u00e1s de la exposici\u00f3n, BIG<\/em> ofreci\u00f3 sesiones interactivas y charlas \u00edntimas para hablar sobre c\u00f3mo la materia moldea significado en nuestro entorno construido. La propuesta no solo celebr\u00f3 la capacidad t\u00e1ctil y visual de los materiales, sino tambi\u00e9n su poder narrativo: c\u00f3mo emergen al fusionarse con la vida cotidiana, y c\u00f3mo permiten imaginar un dise\u00f1o que integra lo pragm\u00e1tico y lo ut\u00f3pico. En definitiva, Materialism<\/em> reflej\u00f3 la visi\u00f3n de BIG<\/em> de transformar la superficie de nuestro mundo, un material a la vez, poniendo en valor el origen de todo lo que habitamos.<\/p>\n

(*)<\/strong> Im\u00e1genes proporcionadas por las marcas y por 3daysofdesign.<\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"

La edici\u00f3n de este a\u00f1o no solo mostr\u00f3 dise\u00f1o: lo encarn\u00f3. A lo largo de los ocho Distritos de Dise\u00f1o de la ciudad, una rica programaci\u00f3n de instalaciones inmersivas, estudios abiertos, recorridos guiados, encuentros en azoteas y conversaciones significativas revelaron lo que el dise\u00f1o puede lograr cuando est\u00e1 impulsado por la autenticidad y el prop\u00f3sito. 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