{"id":102838,"date":"2026-06-27T14:26:20","date_gmt":"2026-06-27T14:26:20","guid":{"rendered":"https:\/\/ccmagazine.es\/?p=102838"},"modified":"2026-06-28T15:06:50","modified_gmt":"2026-06-28T15:06:50","slug":"dosis-de-inspiracion-3daysofdesign-2026-parte-1","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/ccmagazine.es\/es\/dosis-de-inspiracion-3daysofdesign-2026-parte-1\/","title":{"rendered":"Dosis de inspiraci\u00f3n durante 3daysofdesign 2026 (Parte 1)"},"content":{"rendered":"

Durante tres intensos d\u00edas de junio, Copenhague volvi\u00f3 a consolidarse como uno de los grandes epicentros internacionales del dise\u00f1o contempor\u00e1neo. Bajo el lema \u00abMake This Moment Matter\u00bb<\/em>, el festival invit\u00f3 a dise\u00f1adores, arquitectos, marcas, artistas y visitantes a reflexionar sobre el poder transformador de las decisiones que tomamos en el presente.<\/p>\n

La respuesta fue extraordinaria. Seg\u00fan la organizaci\u00f3n, m\u00e1s de 125.000 visitantes procedentes de m\u00e1s de 140 pa\u00edses recorrieron la capital danesa para descubrir 572 exposiciones y participar en cerca de 900 eventos distribuidos por los ocho distritos creativos de la ciudad. Sin embargo, m\u00e1s all\u00e1 de las cifras r\u00e9cord, lo que realmente defini\u00f3 esta edici\u00f3n fue la capacidad del festival para generar encuentros significativos, conversaciones inspiradoras y experiencias capaces de conectar a personas de diferentes culturas y disciplinas.<\/p>\n

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\u00abMake This Moment Matter\u00bb<\/em> se convirti\u00f3 en un hilo conductor visible en toda la programaci\u00f3n. La sostenibilidad, la circularidad, la innovaci\u00f3n material, el bienestar, la identidad cultural y la dimensi\u00f3n humana del dise\u00f1o protagonizaron muchas de las propuestas m\u00e1s destacadas. Instalaciones inmersivas, exposiciones experimentales, recorridos urbanos y encuentros interdisciplinarios demostraron que el dise\u00f1o ya no se limita a crear objetos, sino que contribuye activamente a imaginar nuevas formas de habitar, relacionarnos y construir el futuro.<\/p>\n

Uno de los momentos m\u00e1s relevantes de esta edici\u00f3n fue el Entering the Now Symposium<\/a><\/em>, que reuni\u00f3 a algunas de las voces m\u00e1s influyentes de la arquitectura, el dise\u00f1o, la cultura y la empresa para reflexionar sobre el valor de la presencia, la atenci\u00f3n y la capacidad de actuar conscientemente en un mundo cada vez m\u00e1s acelerado y complejo. Una conversaci\u00f3n profundamente alineada con el esp\u00edritu del festival y con la idea de que los cambios m\u00e1s importantes comienzan en el momento presente.<\/p>\n

A continuaci\u00f3n, iniciamos nuestro primer recorrido por algunas de las instalaciones, espacios y propuestas que m\u00e1s nos inspiraron durante esta edici\u00f3n de 3daysofdesign 2026.<\/strong><\/p>\n

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AESOP & OTHER MATTER: cuando los residuos se convierten en materia para el futuro<\/h6>\n

Enduring Forms<\/em>, la colaboraci\u00f3n entre Aesop<\/em> y el estudio australiano OTHER MATTER<\/em>, explor\u00f3 el potencial de los biopl\u00e1sticos elaborados a partir de algas, transformando las tiendas de la firma en Copenhague en espacios de experimentaci\u00f3n material y reflexi\u00f3n sobre la circularidad. M\u00e1s all\u00e1 de la est\u00e9tica, el proyecto puso el foco en c\u00f3mo los materiales pueden reutilizarse y reintroducirse continuamente en nuevos ciclos productivos. La investigaci\u00f3n liderada por la dise\u00f1adora Jessie French<\/em> present\u00f3 adem\u00e1s nuevas aplicaciones para estos biopl\u00e1sticos reciclados, incluyendo un innovador material con apariencia de cuero. Una propuesta sutil que demostr\u00f3 c\u00f3mo la innovaci\u00f3n puede surgir de la observaci\u00f3n atenta de los recursos disponibles y de una comprensi\u00f3n m\u00e1s responsable de los materiales.<\/p>\n

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ALPI & GAMFRATESI: una plaza para detener el tiempo<\/h6>\n

Entre las experiencias m\u00e1s evocadoras de esta edici\u00f3n destac\u00f3 Piazza Interiore<\/em>, la instalaci\u00f3n creada por GamFratesi<\/em> para ALPI<\/em>. Inspirada en los paisajes metaf\u00edsicos de Giorgio de Chirico<\/em>, la intervenci\u00f3n transform\u00f3 los espacios de Narrow Creative<\/em> en una secuencia de atm\u00f3sferas silenciosas donde arquitectura, perspectiva y materialidad dialogaban con una sensibilidad profundamente mediterr\u00e1nea. A trav\u00e9s de juegos de sombras, vol\u00famenes geom\u00e9tricos y las superficies de madera de ALPI<\/em>, el recorrido invitaba a ralentizar la mirada y experimentar el espacio de una forma m\u00e1s contemplativa.<\/p>\n

La experiencia alcanz\u00f3 uno de sus momentos m\u00e1s especiales durante la cena organizada por la firma en el coraz\u00f3n de la instalaci\u00f3n. Rodeados por este paisaje casi on\u00edrico, donde el tiempo parec\u00eda suspendido entre la realidad y la imaginaci\u00f3n, los invitados compartimos una velada inolvidable que captur\u00f3 a la perfecci\u00f3n el esp\u00edritu de Make This Moment Matter<\/em>. M\u00e1s que una presentaci\u00f3n de materiales, Piazza Interiore<\/em> fue una reflexi\u00f3n sobre c\u00f3mo el dise\u00f1o puede crear emociones, generar encuentros y transformar un espacio en un recuerdo duradero.<\/p>\n

DISPLAY \/ DISPLAYED: la belleza de los objetos que cuentan historias<\/h6>\n

Presentada en la librer\u00eda Simone Book Services<\/em>, Display \/ Displayed<\/em> exploraba la relaci\u00f3n entre los objetos, su funci\u00f3n y la manera en que decidimos convivir con ellos. La exposici\u00f3n reuni\u00f3 dise\u00f1o, fotograf\u00eda, artesan\u00eda y publicaciones en torno a una pregunta tan simple como reveladora: \u00bfqu\u00e9 convierte a un objeto cotidiano en algo digno de ser mostrado?<\/p>\n

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Entre piezas de mobiliario, cer\u00e1mica, vidrio, cuberter\u00eda experimental y una cuidada selecci\u00f3n de libros, el recorrido propon\u00eda una mirada pausada sobre los objetos que nos rodean y las historias que contienen. La muestra puso en valor su capacidad para generar v\u00ednculos, transmitir recuerdos y construir atm\u00f3sferas personales, desdibujando las fronteras entre dise\u00f1o, colecci\u00f3n y expresi\u00f3n cultural.<\/p>\n

OBJECTS OF DESIRE: objetos concebidos para perdurar<\/h6>\n

Ubicada en el emblem\u00e1tico Thorvaldsens Museum<\/em>, Objects of Desire<\/em> reuni\u00f3 una cuidada selecci\u00f3n internacional de dise\u00f1adores y creadores unidos por una misma preocupaci\u00f3n: la calidad de los materiales, la excelencia en la producci\u00f3n y la capacidad del dise\u00f1o para resistir el paso del tiempo. Comisariada por la dise\u00f1adora danesa Birgitte Due Madsen<\/em>, la exposici\u00f3n propuso una pausa frente a la velocidad del consumo contempor\u00e1neo, invitando a observar con atenci\u00f3n piezas concebidas desde el oficio, la investigaci\u00f3n material y el cuidado por los detalles.<\/p>\n

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La muestra reuni\u00f3 trabajos de figuras consolidadas y talentos emergentes como Boris Berlin<\/em>, Francesca Torzo<\/em>, Germans Ermics<\/em>, Sofie \u00d8sterby<\/em>, Vibeke Fonnesberg Schmidt<\/em>, Eric Landon<\/em>, Rahee Yoon<\/em>, Kevin Hviid o Edoardo Lietti<\/em>, entre otros. Aunque cada creador aport\u00f3 una visi\u00f3n propia, todas las piezas compart\u00edan una misma filosof\u00eda basada en la durabilidad, la responsabilidad material y una producci\u00f3n consciente, estableciendo un di\u00e1logo especialmente sugerente con la arquitectura hist\u00f3rica del museo, inaugurado en 1848.<\/p>\n

ST. LEO & JAIME HAYON: un homenaje a la imaginaci\u00f3n y a la memoria<\/h6>\n

Con \u00bfJaime, what are you doing?<\/em>, Jaime Hayon<\/em> present\u00f3 una de sus exposiciones m\u00e1s personales hasta la fecha. Concebida como un homenaje a su madre, Raquel Benchimol<\/em>, la muestra reuni\u00f3 esculturas, piezas de mobiliario, cer\u00e1micas y obras de arte vinculadas a momentos significativos de su trayectoria, acompa\u00f1adas por recuerdos y relatos escritos de su propia mano.<\/p>\n

El recorrido culmin\u00f3 en Raquel\u2019s Room<\/em>, una instalaci\u00f3n inmersiva que trasladaba a los visitantes al interior de una de sus pinturas, recreando un universo \u00edntimo donde realidad, memoria e imaginaci\u00f3n se entrelazaban.<\/p>\n

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Presentada en la sede de St. Leo<\/em> en Nordhavn<\/em>, la exposici\u00f3n ofreci\u00f3 una mirada poco habitual al proceso creativo de Hayon<\/em> y record\u00f3 c\u00f3mo las historias personales, los afectos y los recuerdos siguen siendo una de las fuentes m\u00e1s poderosas de inspiraci\u00f3n para el dise\u00f1o y el arte.<\/p>\n

LAYERED & MASSPRODUCTIONS: cuando la artesan\u00eda se encuentra con la industria<\/h6>\n

La colaboraci\u00f3n entre Layered <\/em>y Massproductions<\/em> tom\u00f3 forma en Industrial Choreography<\/em>, una instalaci\u00f3n que exploraba el di\u00e1logo entre la producci\u00f3n industrial y la artesan\u00eda textil.<\/p>\n

Inspirada en los procesos de fabricaci\u00f3n de la nueva colecci\u00f3n de alfombras Cord<\/em>, la instalaci\u00f3n transform\u00f3 los movimientos del telar en una experiencia espacial inmersiva, donde grandes estructuras giratorias revestidas de lana reproduc\u00edan el ritmo mec\u00e1nico que da vida a cada pieza.<\/p>\n

De esta manera, hac\u00eda visible aquello que normalmente permanece oculto: la compleja relaci\u00f3n entre la precisi\u00f3n t\u00e9cnica y el trabajo manual.<\/p>\n

Mientras la estructura mec\u00e1nica evocaba la l\u00f3gica de la industria, las fibras naturales y las texturas de la lana recordaban la presencia indispensable de la mano humana. Completada por un paisaje sonoro creado a partir de grabaciones realizadas en talleres textiles de India, la experiencia ofreci\u00f3 una visi\u00f3n sensible sobre el origen de los objetos y el valor de los procesos que los hacen posibles.<\/p>\n

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FINARTE: tradici\u00f3n, identidad y el poder de la artesan\u00eda<\/h6>\n

Finarte aprovech\u00f3 3daysofdesign<\/em> para celebrar una historia construida durante m\u00e1s de cuatro d\u00e9cadas entre Finlandia y la India, una relaci\u00f3n que ha definido el car\u00e1cter de la firma desde sus or\u00edgenes. Fundada en 1985 por la artista textil Eija Rasinm\u00e4ki<\/em>, la marca ha convertido la artesan\u00eda en el centro de su filosof\u00eda, trabajando generaci\u00f3n tras generaci\u00f3n con comunidades de artesanos que siguen dando vida a sus piezas textiles.<\/p>\n

En Copenhague, este legado se proyect\u00f3 hacia el presente con la presentaci\u00f3n de la nueva colecci\u00f3n dise\u00f1ada por Ervin Latimer<\/em>, uno de los nombres m\u00e1s interesantes de la moda finlandesa contempor\u00e1nea.<\/p>\n

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A trav\u00e9s de alfombras y piezas textiles concebidas tambi\u00e9n para ser exhibidas como arte mural, Latimer<\/em> explor\u00f3 el encuentro entre sus ra\u00edces finlandesas y afroamericanas, trasladando al tejido elementos propios de la sastrer\u00eda, el color y la expresi\u00f3n cultural. El resultado fue una colecci\u00f3n que demostraba c\u00f3mo la artesan\u00eda sigue siendo una herramienta viva para contar historias, preservar identidades y generar nuevas formas de di\u00e1logo entre culturas.<\/p>\n

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STELLAR WORKS: dise\u00f1o global con mirada sostenible<\/h6>\n

En el marco de Framing<\/em>, la plataforma que re\u00fane algunas de las propuestas m\u00e1s innovadoras y emergentes de 3daysofdesign<\/em>, Stellar Works<\/em> present\u00f3 varias novedades firmadas por estudios como Yabu Pushelberg<\/em>, Keiji Ashizawa Design<\/em> y Layan<\/em>, adem\u00e1s de una ampliaci\u00f3n de una de sus colecciones desarrollada junto a Space Copenhagen<\/em>. Sin embargo, m\u00e1s all\u00e1 de los nuevos lanzamientos, la firma puso el foco en una cuesti\u00f3n cada vez m\u00e1s relevante para la industria: c\u00f3mo integrar la sostenibilidad en los espacios de hospitality sin renunciar a la calidad, la durabilidad ni la excelencia est\u00e9tica.<\/p>\n

En colaboraci\u00f3n con la compa\u00f1\u00eda japonesa YKK<\/em>, desarroll\u00f3 una propuesta que exploraba nuevas aplicaciones para materiales reciclados en interiores contempor\u00e1neos, demostrando que la innovaci\u00f3n responsable puede formar parte del dise\u00f1o desde su origen. Una reflexi\u00f3n pertinente sobre el futuro de los materiales y el papel que el dise\u00f1o puede desempe\u00f1ar en la transici\u00f3n hacia modelos m\u00e1s conscientes.<\/p>\n

HEM x MAX LAMB: la esencia de una silla<\/h6>\n

En el marco de Design Starts on Paper<\/em>, la exposici\u00f3n colectiva celebrada en Papir\u00f8en<\/em>, Hem<\/em> present\u00f3 Min Chair<\/em>, la nueva creaci\u00f3n del dise\u00f1ador brit\u00e1nico Max Lamb<\/em>. Fiel a su aproximaci\u00f3n directa y profundamente ligada a los materiales, Lamb<\/em> reduce la silla a su expresi\u00f3n m\u00e1s esencial, explorando el equilibrio entre utilidad, proporci\u00f3n y honestidad constructiva. Fabricada en pino macizo, la pieza transmite una sensaci\u00f3n de sencillez casi arquet\u00edpica, donde cada elemento parece responder \u00fanicamente a lo imprescindible.<\/p>\n

Integrada en una instalaci\u00f3n de gran escala, la pieza conviv\u00eda con algunas de las colecciones m\u00e1s reconocidas de la firma, reforzando la creciente presencia de Hem<\/em> en proyectos residenciales, contract <\/em>y hospitality<\/em>.<\/p>\n

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STRING FURNITURE: cuando el dise\u00f1o adquiere personalidad<\/h6>\n

En el marco de Framing<\/em>, String Furniture<\/em> present\u00f3 Faces for Spaces<\/em>, una instalaci\u00f3n que reinterpretaba su ic\u00f3nico sistema modular desde una perspectiva l\u00fadica y sorprendentemente humana. A trav\u00e9s de diferentes configuraciones de estanter\u00edas, objetos y composiciones, la marca sueca exploraba c\u00f3mo un mismo sistema puede transformarse infinitamente para adaptarse a las necesidades, h\u00e1bitos y personalidades de quienes lo utilizan.<\/p>\n

La propuesta parti\u00f3 de una idea sencilla pero poderosa: igual que no existen dos personas id\u00e9nticas, tampoco existen dos composiciones de String<\/em> exactamente iguales.<\/p>\n

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M\u00e1s de siete d\u00e9cadas despu\u00e9s de su creaci\u00f3n, el sistema dise\u00f1ado por Kajsa <\/em>y Nisse Strinning<\/em> sigue demostrando la vigencia de los principios que lo hicieron c\u00e9lebre: flexibilidad, simplicidad y capacidad de evoluci\u00f3n. Una instalaci\u00f3n que evidenciaba c\u00f3mo los grandes cl\u00e1sicos mantienen su relevancia no por resistir el paso del tiempo, sino por su capacidad para evolucionar con \u00e9l.<\/p>\n

MONTANA FURNITURE: el color como lenguaje del espacio<\/h6>\n

Montana Furniture<\/em> aprovech\u00f3 esta edici\u00f3n\u00a0para reivindicar uno de los elementos que mejor definen su identidad: el color. A trav\u00e9s de nuevas ediciones, reediciones y ampliaciones de producto, la firma danesa explor\u00f3 c\u00f3mo el color puede transformar la percepci\u00f3n de un espacio, aportar car\u00e1cter y reforzar la relaci\u00f3n emocional que establecemos con nuestro entorno.<\/p>\n

Entre las novedades destacaron la recuperaci\u00f3n de tres tonalidades hist\u00f3ricas de su archivo crom\u00e1tico, una nueva interpretaci\u00f3n del sof\u00e1 modular Paradigm<\/em> y una edici\u00f3n especial de Panton Wire<\/em> en un vibrante tono Tangerine<\/em>, creada para conmemorar el centenario de Verner Panton<\/em>.<\/p>\n

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La instalaci\u00f3n puso de manifiesto una filosof\u00eda que ha acompa\u00f1ado a Montana<\/em> durante d\u00e9cadas: entender el color no como un recurso decorativo, sino como una herramienta de dise\u00f1o capaz de construir atm\u00f3sferas y generar v\u00ednculos emocionales con los espacios.<\/p>\n

TINA FREY DESIGNS: geometr\u00edas c\u00f3smicas para objetos cotidianos<\/h6>\n

Tina Frey Designs<\/em> present\u00f3 en Copenhague Cosmic Collection<\/em>, una colecci\u00f3n inspirada en los movimientos celestes, las formas planetarias y la geometr\u00eda hipn\u00f3tica de los c\u00edrculos conc\u00e9ntricos.<\/p>\n

Realizadas artesanalmente en la resina caracter\u00edstica de la firma, las nuevas piezas trasladan ese imaginario c\u00f3smico a bandejas, cuencos, jarrones y una l\u00e1mpara de mesa, convirtiendo objetos funcionales en peque\u00f1as esculturas para el d\u00eda a d\u00eda.<\/p>\n

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La colecci\u00f3n combina una paleta serena de blancos, negros y tonos niebla con versiones m\u00e1s vibrantes en verde esmeralda, rosa y degradados luminosos. Su lenguaje formal, entre lo org\u00e1nico y lo futurista, refleja la sensibilidad de Tina Frey<\/em> por los objetos hechos a mano y por una belleza tranquila, imperfecta y t\u00e1ctil. Un enfoque que concibe el dise\u00f1o como un punto de encuentro entre funcionalidad, artesan\u00eda y capacidad de asombro.<\/p>\n

MUUTO: veinte a\u00f1os ampliando los l\u00edmites del dise\u00f1o escandinavo<\/h6>\n

Con motivo de su 20\u00ba aniversario, Muuto<\/em> present\u00f3 durante 3daysofdesign<\/em> una reflexi\u00f3n sobre la evoluci\u00f3n del dise\u00f1o escandinavo y las nuevas direcciones que est\u00e1 tomando.<\/p>\n

Bajo el lema 20 Years of New Perspectives<\/em>, la firma transform\u00f3 su sede de Copenhague en un recorrido que combinaba nuevos lanzamientos, adelantos de futuras colecciones y una selecci\u00f3n de ediciones numeradas creadas especialmente para celebrar estas dos d\u00e9cadas de trayectoria.<\/p>\n

A lo largo del recorrido, Muuto<\/em> reivindic\u00f3 algunos de los principios que han definido su identidad desde sus inicios: la curiosidad, la experimentaci\u00f3n y la capacidad de reinterpretar la tradici\u00f3n escandinava desde una mirada contempor\u00e1nea.<\/p>\n

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UN\u2019COMMON: la fuerza silenciosa de los materiales<\/h6>\n

Como parte de DESIGN\/DIALOGUE<\/em>, la exposici\u00f3n comisariada por Ark Journal<\/em> en Den Frie<\/em>, la firma polaca Un\u2019common<\/em> present\u00f3 una selecci\u00f3n de piezas que reflejan su particular aproximaci\u00f3n al dise\u00f1o, basada en el respeto por los materiales y una est\u00e9tica de gran pureza formal. Fundada en L\u00f3dz<\/em>\u00a0como un proyecto familiar, la marca trabaja principalmente con m\u00e1rmol, travertino, madera y metal, desarrollando objetos donde la sencillez de las formas permite que la riqueza de las texturas, vetas y acabados cobre todo el protagonismo.<\/p>\n

La presentaci\u00f3n sirvi\u00f3 tambi\u00e9n para mostrar una nueva versi\u00f3n de su colecci\u00f3n BLOCK<\/em> en acabado Satin Walnut<\/em>, junto a algunas de sus piezas m\u00e1s reconocidas, como la consola CAMO<\/em> realizada en m\u00e1rmol Calacatta Viola<\/em>. Con una apertura escult\u00f3rica que permite integrar flores directamente en la estructura, esta pieza resume a la perfecci\u00f3n la filosof\u00eda de Un\u2019common<\/em>: dise\u00f1os de apariencia contenida que revelan detalles inesperados y una profunda sensibilidad hacia la materia.<\/p>\n

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VIPP & MESURA: una celebraci\u00f3n del encuentro y la vida compartida<\/h6>\n

Vipp<\/em> y el estudio barcelon\u00e9s Mesura<\/em>\u00a0firmaron una de las colaboraciones m\u00e1s memorables de esta edici\u00f3n con una instalaci\u00f3n que transform\u00f3 el Vipp Campus<\/em> en un escenario concebido para la conversaci\u00f3n, la convivencia y el disfrute colectivo.<\/p>\n

En el centro de la propuesta, un gran espacio hundido revestido en un vibrante amarillo actuaba como punto de encuentro alrededor de una mesa circular de acero pulido, creando una atm\u00f3sfera que invitaba a detenerse, compartir y permanecer.<\/p>\n

La escenograf\u00eda destac\u00f3 tanto por su fuerza visual como por la inteligencia de su planteamiento. Los textiles que envolv\u00edan la instalaci\u00f3n fueron concebidos para tener una segunda vida como tapicer\u00eda de una edici\u00f3n especial de la silla Vipp Swivel<\/em>, incorporando la circularidad al propio dise\u00f1o de la experiencia. Entre mobiliario, arquitectura e instalaci\u00f3n art\u00edstica, Vipp<\/em> y Mesura<\/em> construyeron un espacio c\u00e1lido, optimista y sorprendentemente humano.<\/p>\n

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HAY: un di\u00e1logo entre pasado, presente y futuro<\/h6>\n

Para esta edici\u00f3n de 3daysofdesign<\/em>, HAY<\/em> traslad\u00f3 su exposici\u00f3n principal a O\u2013Overgaden<\/em>, la instituci\u00f3n de arte contempor\u00e1neo situada junto a los canales de Christianshavn<\/em>, transformando m\u00e1s de 1.500 metros cuadrados en un recorrido dedicado a la evoluci\u00f3n de su universo creativo. La muestra reuni\u00f3 dise\u00f1os hist\u00f3ricos, piezas actuales y adelantos de futuras colecciones, generando un interesante di\u00e1logo entre distintas generaciones de dise\u00f1adores y diferentes momentos de la historia de la marca.<\/p>\n

Entre las novedades destacaron creaciones de Philippe Malouin<\/em>, Jasper Morrison<\/em>, Gudmundur Ludvik<\/em>, Andreas Bergsaker<\/em>, Julien Renault<\/em> y Claire Lavabre<\/em>, reafirmando la capacidad de HAY<\/em> para conectar algunas de las voces m\u00e1s relevantes del dise\u00f1o contempor\u00e1neo bajo una visi\u00f3n coherente y accesible.<\/p>\n

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KINTO & STUDIO x KITCHEN: la belleza del tiempo dedicado<\/h6>\n

En colaboraci\u00f3n con Studio x Kitchen<\/em>, la firma japonesa Kinto<\/em>\u00a0present\u00f3 una exposici\u00f3n construida alrededor del concepto japon\u00e9s Te-ma<\/em>, una palabra que hace referencia al tiempo, la atenci\u00f3n y el cuidado que dedicamos a aquello que hacemos con las manos. A trav\u00e9s de este enfoque, la instalaci\u00f3n explor\u00f3 el valor de los procesos lentos, la artesan\u00eda y la relaci\u00f3n consciente con los objetos que forman parte de nuestra vida cotidiana. La muestra sirvi\u00f3 tambi\u00e9n para presentar las nuevas colecciones MUI<\/em> y FUTO<\/em>, desarrolladas en Jap\u00f3n y profundamente vinculadas a la materialidad, la tradici\u00f3n y el uso cotidiano.<\/p>\n

Lejos de la b\u00fasqueda constante de la eficiencia, Kinto<\/em> reivindic\u00f3 la importancia de desacelerar y apreciar el trabajo que existe detr\u00e1s de cada objeto. Cer\u00e1micas, textiles y utensilios dialogaron con el espacio de Studio x Kitchen<\/em> para crear una experiencia serena y sensorial que invitaba a ahondar sobre la belleza que surge cuando el dise\u00f1o, la artesan\u00eda y el tiempo encuentran el equilibrio adecuado.<\/p>\n

IITTALA: cuando un icono se convierte en arquitectura<\/h6>\n

Con motivo del 90 aniversario del c\u00e9lebre jarr\u00f3n Aalto<\/em>, Iittala<\/em> present\u00f3 una de las instalaciones m\u00e1s espectaculares de esta edici\u00f3n. Situado en Ofelia Plads<\/em>, el Aalto 90 Pavilion<\/em> transform\u00f3 la ic\u00f3nica silueta dise\u00f1ada por Alvar Aalto<\/em> en una estructura monumental de siete metros de altura concebida para ser recorrida y habitada por los visitantes. Desarrollado junto a Hydro<\/em> y construido con aluminio de baja huella de carbono, el pabell\u00f3n trasladaba al espacio arquitect\u00f3nico las curvas org\u00e1nicas que han convertido al jarr\u00f3n en uno de los grandes cl\u00e1sicos del dise\u00f1o escandinavo.<\/p>\n

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Lejos de limitarse a una celebraci\u00f3n de aniversario, la instalaci\u00f3n propuso una nueva forma de experimentar un objeto conocido por millones de personas. En su interior, una atm\u00f3sfera inmersiva acompa\u00f1aba la presentaci\u00f3n de la colecci\u00f3n Aalto City Vases<\/em>, creada especialmente para conmemorar los noventa a\u00f1os de la pieza.<\/p>\n

VALERIE OBJECTS: dise\u00f1o, arte y nuevas miradas<\/h6>\n

Fiel a su filosof\u00eda de difuminar las fronteras entre arte, arquitectura y dise\u00f1o, Valerie Objects<\/em> present\u00f3 en Copenhague una selecci\u00f3n de piezas que reivindicaban el valor de la autor\u00eda y la experimentaci\u00f3n creativa. La firma belga, conocida por colaborar con algunos de los creadores m\u00e1s interesantes de la escena contempor\u00e1nea, mostr\u00f3 objetos concebidos no solo para cumplir una funci\u00f3n, sino tambi\u00e9n para provocar una reacci\u00f3n emocional y generar nuevas formas de interacci\u00f3n con el entorno dom\u00e9stico.<\/p>\n

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Las propuestas reunidas en esta primera selecci\u00f3n confirman que 3daysofdesign<\/em> contin\u00faa consolid\u00e1ndose como uno de los encuentros m\u00e1s influyentes del panorama creativo internacional. Instalaciones inmersivas, intervenciones expositivas y proyectos capaces de conectar dise\u00f1o, cultura y emoci\u00f3n han protagonizado algunos de los momentos m\u00e1s interesantes de esta edici\u00f3n de 2026.<\/p>\n

Pese a la diversidad de enfoques, muchas de las exposiciones compart\u00edan una misma inquietud: la necesidad de recuperar la conexi\u00f3n humana, la materialidad y el sentido de comunidad en un contexto marcado por la velocidad y la hiperconectividad. Una sensibilidad que ha vuelto a convertir a Copenhague en un laboratorio de ideas desde el que explorar nuevas formas de vivir, habitar y relacionarnos.<\/p>\n

Este es solo el primer cap\u00edtulo de nuestro recorrido por 3daysofdesign 2026<\/em>. En la segunda parte de este especial analizaremos otras 20 marcas, colecciones y colaboraciones que han contribuido a definir algunas de las conversaciones m\u00e1s relevantes del dise\u00f1o contempor\u00e1neo, as\u00ed como varios de los lanzamientos y novedades de producto que marcar\u00e1n los pr\u00f3ximos meses.<\/p>\n

(*)<\/strong> Im\u00e1genes proporcionadas por cada una de las marcas. Fotos de Aesop: Armin Tehrani. Fotos de Alpi: Federico Cedrone. Fotos de Display \/ Displayed: Ed Gumuchian. Foto vertical de Jaime Hayon: Giovanni Ricc\u00f2.<\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"

Durante tres intensos d\u00edas de junio, Copenhague volvi\u00f3 a consolidarse como uno de los grandes epicentros internacionales del dise\u00f1o contempor\u00e1neo. Bajo el lema \u00abMake This Moment Matter\u00bb, el festival invit\u00f3 a dise\u00f1adores, arquitectos, marcas, artistas y visitantes a reflexionar sobre el poder transformador de las decisiones que tomamos en el presente. La respuesta fue extraordinaria. 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